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id stringlengths 12 12	format stringclasses 2 values	title_ko stringlengths 0 811 ⌀	title_en stringlengths 0 1.26k ⌀	journal dict	authors listlengths 0 15	abstract_ko stringlengths 0 4k ⌀	keywords stringclasses 157 values	citation_count stringclasses 5 values	doi stringlengths 0 127 ⌀	file_source stringlengths 23 23
ART001154918	oai_dc	끼워팔기(Tying)와 결합판매(Bundling)의 규제법리의 비교와 규제체계 정립에 관한 고찰	A Study on the Comparative Analysis and Harmony of Regulations of Tying and Bundling	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "홍명수(명지대학교)" ]	끼워팔기(Tying)와 결합판매(Bundling)는 특정한 시장에서 지배력을 갖고 있는 사업자가 상품간의 판매를 결합하는 것을 규제하는 대상을 지칭한다는 점에서 행태적으로 유사하다. 그러나 규제법리의 발생과정이나 경쟁정책적 의의에 있어서 끼워팔기와 결합판매의 규제는 상이하며, 이에 관한 비교분석을 통하여 합리적인 규제체계를 모색할 수 있을 것이다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154852	oai_dc	신문시장의 규제와 경쟁정책의 방향	An Economic Analysis of Regulations on Newspaper Industry	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김현종(한국경제연구원)" ]	현재 신문산업에서는 경품류 및 무가지를 합한 가액의 한도를 매출액의 20% 이내로 제한하고 있다. 경품의 제공은 가격정보에 민감한 소비자에게 혜택을 주는 가격차별전략이기 때문에 이에 대한 규제는 정보소비자의 후생을 침해할 가능성이 있다. 특히 신문선호도에 대한 조사, 가격정보 취합 여부에 대한 조사 등 신문시장의 소비자에 대한 분석이 수반되지 않은 채 일률적으로 무가지․경품을 제한할 경우 사회후생을 감소시킬 우려가 있다. 한편, 신문법은 시장지배적 사업자의 추정기준에 있어서 시장점유율 기준과 관련시장의 범위를 공정거래법과 다르게 규정하고 있다. 신문시장은 일반제조업과 비교하여 시장의 집중도가 높지 않기 때문에 시장경쟁의 효율성이 저하되는 심각한 과점구조가 아니다. 또한 유료 일간신문들은 방송, 인터넷매체, 무료신문과의 광고시장에서 치열한 경쟁을 하고 있어 점유율 높은 유료신문사들이 시장지배적 지위를 남용하여 가격을 책정, 유지하기가 곤란하다. 따라서 신문법이 공정거래법상의 시장지배적 사업자의 추정기준보다 강한 기준을 적용하고 있는 법규정은 경제학적인 관점에서 설득력이 부족하다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154853	oai_dc	적기시정조치제도의 의의와 개선 방안	Prompt Corrective Action in Korea	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "전선애(중앙대학교)" ]	본고에서는 금융기관의 부실화를 예방하고 건전경영을 유도하는 감독수단의 일부로 도입된 적기시정조치가 효율적으로 작동되도록 하기 위한 제도개선 방안을 살펴본다. 적기시정조치 실시 단계를 좀더 세분화하고 시정조치의 초기단계에서는 조치의 내용도 징벌보다는 사전 예방 위주로 개편하여 제도 운용의 실효성을 높이는 한편, 마지막 시정조치인 명령 단계에서 규제유예를 실시하고자 하는 경우 보다 엄격한 조건하에서 실시토록 할 필요가 있다. 또한, 예금보험공사가 영업정지 전 금융기관의 재무상태 실사 등 사전준비를 완료하여 적시에 부실금융기관 정리가 이루어질 수 있도록 하여 금융거래자의 불편을 최소화하는 등 부실금융기관 정리에 따른 비용이 최소화되도록 제도를 보완하여 감독당국의 규제유예 유인을 감소시킬 수 있다. 마지막으로, BIS자기자본비율에 내재한 한계점을 감안하여 BIS자기자본비율 이외에도 다양한 자기자본비율과 시장지표를 활용할 필요가 있다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154917	oai_dc	출자총액규제와 대규모기업집단의 투자	Regulation on Equity Investment and Firm Investment in Korea Conglomerates	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "곽만순(가톨릭대학교)" ]	본 연구에서는 출자총액규제가 대규모기업집단의 투자에 대한 효과와 관련된 가설을 검증하였다. 출자총액규제 관련 빈번한 정책 변화(정책 불안정성), 출자총액규제의 존재와 기업투자, 출자총액규제가 기업의 출자비율을 실질적으로 제약할 때 투자를 저해하는지 여부, 출자총액규제를 보다 강화할 때 기업투자 저해 여부, 대기업집단에 대한 출자총액규제가 비대기업집단의 투자를 저해하는지 등 투자에 미치는 효과를 실증분석하였다. 출자총액규제 관련 여러 변수는 기업투자율에 부(－)의 효과를 가지는 것으로 판단되지만 통계적 유의성이 낮아서 이를 통계적으로 입증하기는 불가능하였다. 이러한 실증결과에도 불구하고 획일적이고 사전적 규제로 평가되는 출자총액규제제도는 폐지되어야 한다. 정부에서 주장하는 순환출자에 의한 지배문제와 소유․지배권의 괴리 문제들은 획일적인 사전적 규제보다는 지배구조의 개선과 금융시장에서의 평가, 견제 기능의 강화, M&A시장에 의한 시장규율 강화 등을 통해 해결해 나가야 할 것이다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154919	oai_dc	전력산업에 있어 투자보수율 규제의 비효율성 개선방안	A Study on the More Efficient Regulatory Pricing Mechanism in Electricity Industry	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이성우(한성대학교)" ]	우리나라의 전기요금 규제는 전력회사의 투자자본(Invested Capital)에 대한 허용보수율(Allowed Rate of Return)을 책정함으로써 전기요금을 결정하는 방식이 지속적으로 시행되어 왔다. 독점형태로 운영되어 온 공익사업에 대한 요금규제수단으로 널리 이용되어 온 투자보수율에 의한 전기요금 규제는 경쟁체제 도입이라는 전력산업의 새로운 환경변화와 부적합한 측면이 있다. 이 논문에서는 전력산업에 있어 대표적인 요금규제방식인 투자보수율 규제의 문제점들을 다양한 관점에서 분석한 후 인센티브 지향적 전기요금 규제방식들을 종합적으로 검토한다. 구체적으로는 현행 투자보수율 제도를 기본적으로 유지한 틀 내에서의 대안적 요금규제방식들, 투자보수율 조정이나 요금기저의 조정과 같은 이윤수준의 조정방식보다는 가격수준에 대한 직접적 요금규제방식들, 다양한 유인규제방식들의 장점을 취합한 혼합적 인센티브 규제로서 가격상한규제(Price-Cap Regulation) 등을 다루고 있다. 결론에서는 RPI-X 형태의 가격상한규제를 실제 적용하기 위해서 선결되어야 할 구체적 쟁점들에 대해서 언급한다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154854	oai_dc	유선전화 요금체계와 경쟁정책	Pricing and Competition Policy for Wireline Telephony	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "정인석(한국외국어대학교)" ]	본 논문은 유선전화시장의 불합리한 요금체계의 문제점을 지적하고 개선을 위한 정책 방향을 제시하고자 한다. 유선전화는 그 중요성에도 불구하고 정책의 관심으로부터 소외되고 있고, 요금은 경제논리보다 정치논리로 불합리하게 묶여 있다. 시내요금과 비용의 괴리는 투자인센티브 저하를 초래하고, 상호보조체계를 통하여 모든 통신부문으로 비효율성을 파급하며, 경쟁 둔화와 경쟁구조의 왜곡을 유지 및 확대하고 있다. 효율적 요금체계의 정책방안으로서 시내적자 해소를 위한 요금조정, 시내와 시외1대역의 요금분리, 통화요금의 거리의존성 축소, 주거용과 사업용의 분리 등을 제안하며, 경쟁촉진을 위하여 시내통화 및 LM통화의 사전선택제 편입, 시내망공동활용제도의 강화 등 서비스 기반 경쟁촉진 방안의 적극적인 도입을 제안한다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001017360	oai_dc	전력산업의 구조개편은 공익성을 훼손하는가?: 전력의 보편적 공급에 관련된 영국과 미국의 역사적 경험	The Retail Competition in the Electricity Business can Coexist with Protection of Vulnerable Residential Consumers	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이문지(배재대학교)" ]	한국 정부는 2004년 배전분할 다시 말해서 전력산업 구조개편(전력산업의 민영화와 전력시장의 경쟁 도입)의 추진을 중단하였다. 보편적 서비스 및 교차보조 등 공익성의 실현에 차질을 초래할 우려가 있다는 것이 그 이유이었다. 그러나 전력산업의 구조개편을 선도했던 영국과 미국의 역사적 경험을 반추해 보면 전력산업의 구조개편이 반드시 전기사업의 공익성을 훼손하는 것은 아니며 전력산업의 구조를 개편하더라도 전력의 공익성 확보에 대한 정책적 의지가 확고하면 오히려 전력의 보편적 공급이 실현되는 계기가 마련될 수도 있다는 사실을 알 수 있다. 영미법계 국가에서는 전통적으로 판례법에 의하여 전기사업자를 비롯한 공공서비스사업자는 원하는 사람 누구에게나 보편적으로 그리고 차별 없이 서비스를 제공하여야 한다는 보편적 서비스 제공의무가 인정되었다. 그러나 전력산업을 민영화하고 전력시장에 경쟁을 도입하며 요금규제를 완화하면서 전기사업자의 보편적 전력공급의무를 유지할 필요가 있는지 의문이 제기된 적이 있었다. 가정용 전력 고객 특히 빈곤계층에 대한 보편적 전력공급이 차질을 빚어 전력산업의 공익성이 훼손되지 않을지 우려하는 견해가 있었던 것도 사실이었다. 그러나 실제로는 미국의 경우 각 주정부가 소매전력시장의 경쟁촉진과 보편적 서비스의 공급이라는 두 가지 목표를 함께 추구한다는 것을 명백히 하는 계기가 되었다. 영국의 경우에도 전력산업의 자연독점성이 당연한 것으로 인정되던 노동당 정권 아래에서는 오히려 전력의 보편적 공급이라는 원칙이 유명무실의 상태에 있었지만 보수당정권이 전력산업의 구조를 개편하면서 오히려 전력의 보편적 공급이 적극적으로 추진되었다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154483	oai_dc	사외이사제도 개선에 관한 연구	A Study on the improvement in the system of outside director	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김성은(창원대학교); 정기식(창원대학교)" ]	중국 경제에 대한 불안감이 한국 경제의 우려로 나타나면서 주가가 곤두박질하고 있다. 무한경쟁시대를 맞이하여 우선 자산규모를 기준으로 한 기업집단 지정제도는 폐지하고 외국기업처럼 신규사업 진출이나 기업 인수·합병을 통하여 기업이 성장하여야 한다. 규제폐지와 아울러 기업의 경쟁력강화를 위하여 내부적으로 기업경영의 투명성과 건전성이 요구된다. 미국과 한국의 기업들의 회계부정 사건으로 경제계에 큰 충격을 주었다. 이 같은 사건은 우리 경제계가 단기적인 매출이나 이익 성장보다는, 사회에 대한 경제윤리와 경제정의를 실현하는 것이 더 중요하다는 것을 알게 하였다. 윤리적인 경영을 하기 위해서는 건전한 기업지배구조가 필요하다. 건전한 지배구조를 만들기 위해서는 이사회의 역할이 중요하다. 이사회 내에서 건전한 비판과 감독을 하며 장기적인 경영의 큰 그림을 그릴 수 있는 사외이사의 활용이 무엇보다 필요하다. 엄격한 감사를 집행하기 위해서는 감사위원회가 필요하며, 미국에서는 구성원 모두 사외이사로 구성되어 있다. 사외이사가 이사회와 감사위원회를 구성하는 주요 구성원으로서 이사회의 업무 감독과 감사위원회를 통한 업무와 회계의 감시기능이 중요하다. 사외이사제도의 역사가 짧은 우리나라는 사외이사의 선임을 지배주주나 현직 경영자에 의해 선임되고 있다. 외국에서 사외이사 선임기준으로 중요시되는 전문성과 역량을 소지한 사외이사의 선임의 비율도 높지 않다. 따라서 국제화 개방화로 인한 지배구조의 투명성과 수월성이 기업의 경쟁력에 미치는 영향이 점점 커지고 있어 사외이사 제도를 통한 기업경영의 투명성과 건전성 확보하여야 한다. 우리는 외부적으로는 기업규제를 풀어야 하고 내부적으로는 기업의 윤리성을 회복하여야 한다. 기업의 윤리성의 회복은 이제 외자유치와도 밀접한 관계가 있음을 알 수 있다. SRI투자는 윤리적이고 친환경적인 기업체에 투자한다. 고도의 윤리성을 가진 기업체에 근무하는 종업원들이 자긍심을 가지고 일 할 수 있으며, 소비자들로 하여금 충성된 소비를 이끌어 낼 수 있다. 이러한 양심적인 기업을 만드는데 사외이사의 역할이 중요하다. 앞으로는 기업지배구조의 흐름이 투자자와 이해관계인에 대하여 경영의 투명성과 경영정보를 공시함으로서 상호 이해와 호응을 구하는 새로운 전략이 요구됨으로 사외이사들의 경영자와 투자자 및 이해관계인의 중재자로서 역할이 중요하다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART000948597	oai_dc	에너지 네트워크 산업의 구조개편 현황과 정책과제	Restructuring of Energy Network Industries: Current Situation and Policy Tasks Ahead	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "신정식(건국대학교); 최성호(경기대학교)" ]	한국 정치경제의 여건과 관료주의적 비효율을 고려하면 공기업 부문에 대한 경쟁도입과 민영화는 효율성을 개선하고 소비자이익을 확대하는 최선의 구조개편 방안이다. 특히 경제 전반의 투입재를 생산하는 에너지산업의 구조개편은 한국경제 지속성장의 관건이 될 것이다. 규제개혁의 핵심과제인 구조개편이 지연되는 경우 한국경제의 대외 신인도와 정부 정책의 신뢰성·투명성에 대한 손상이 우려된다. 에너지산업의 구조개편은 한국의 산업경쟁력과 국민복지에 중요한 영향을 미칠 정책과제이지만 경제논리만으로는 달성하기 어렵다. 정당과 국회는 적극적인 이익결집 기능으로 입법조치를 보강하고 정부는 국내외 투자자들의 신뢰성 확보를 위하여 구조개편 청사진을 분명히 제시하여야 한다. 경쟁체제의 구축을 위하여는 수직분할의 기반 조성, 발전원간 경쟁, 배전 부문 분할과 가스도입 부문의 경쟁도입이 중요하다. 성공적 민영화를 위하여 발전회사의 조기 민영화, 에너지기업의 지배구조 개선, 요금체계의 개편, 경쟁관리체계와 규제기구의 정립 등이 요구된다. 우선 전력산업은 발전회사의 민영화와 배전 부문 분할을, 가스산업은 구조개편 관련법 처리와 도입·도매 부문의 경쟁구조 도입이 가장 시급한 과제이다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154484	oai_dc	한국 석유산업의 시장개방과 생산성 변화	Market Liberalization and Productivity Performance of Korean Petroleum Refining Industry	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "박창수(에너지경제연구원); 박호정(에너지경제연구원)" ]	본 논문은 우리나라 석유산업 부문의 1997년의 시장자유화 이전과 이후의 생산성 성과의 비교·분석을 통해서 시장자유화가 석유산업 부문에 경제적으로 어떤 영향을 미쳤는지 간접적으로 살펴보고자 하였다. 이를 위해, 표본기간 1990~2002를 1997년 이전과 이후로 나누어, 정유산업에 속한 기업들의 자료를 이용하여 총요소생산성을 효율성과 기술진보로 분해할 수 있는 Malmquist 생산성지수를 추정하였다. 추정결과를 요약하면 다음과 같다. 첫째, 표본기간 동안에 효율성 향상보다는 기술진보의 향상이 총요소생산성 증가에 보다 큰 공헌을 하였으며, 둘째로 1997년의 시장자유화 이후 총요소생산성 증가율이 시장자유화 이전보다 크게 나타나 시장자유화의 긍정적인 측면이 많이 시현된 것으로 보인다. 그러나 최근 들어 총요소생산성이 감소하는 것으로 나타나고 있다. 한편, 정유산업을 세 기업집단으로 나누어 생산성 성과를 분석한 결과를 보면, 비정유기업들이 정유기업들에 비해 생산성 성과의 변동폭이 상대적으로 안정적인 반면에, 정유기업들은 1998년에 변동이 큰 것으로 나타났다. 그리고 정유기업들간에 있어서는 상장기업들이 상대적으로 양호한 생산성 성과를 이룩하고 있는 것으로 나타났다. 따라서 기업집단간에 외부충격이나 경영상의 차이점이 존재해서 그런지에 대한 이론적 연구들은 추가적인 연구과제로 남겨 두고자 한다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154426	oai_dc	부실감사책임 : 과잉규제와 탈규제 사이에	Auditor's legal liability：Regulation and deregulation	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이상돈(고려대학교)" ]	현재 부실감사의 법적 책임으로 대표되는 외감법상 책임은 민법상의 불법행위책임에 비해 강화된 손해배상책임과 형사책임이다.(이외에도 증권거래법상 책임과 민법의 불법행위 책임 등이 있음) 즉 외감법 제17조 제2항은 민법보다는 완화된 요건으로 감사인의 손해배상책임을 인정한다. 외감법 제20조 제2항 제2호의 벌칙조항에서도 형법의 보충성원칙이 지켜져야 함에도 불구하고 신뢰의 인과관계나 손해발생을 책임의 요건으로 요구하지도 않는다. 이러한 상황에서 부실감사의 법적 책임은 어떻게 구성될 때 적정한 수준의 규제가 되는지가 문제된다. 먼저 원인이 된 법적 책임인 ‘정의’와 경제적, 행정학적 규제의 ‘적정성’ 사이의 틈새를 좁히는 것이 중요한 과제이다. 이를 극복하기 위해서는 부실감사를 발생시키는 모든 요인들을 고려하고, 그 요인들과 관계되는 모든 사람들 사이에 책임을 분배하는 법개혁이 필요하다. 여기서 경제학적 적정규제는 법적인 위험을 자본시장에 참여하는 모든 주체들에게 골고루 분산시키고, 책임을 공평하게 짊어지게 하는 데에 있다. 이와 같은 위험의 합리적 분산과 책임의 공평분배는 단일한 법제가 아니라 매우 다층적인 법제로써 가능할 것이다. 즉 민법과 형법만이 부실감사를 통제하면 과소규제가 되고, 외감법과 증권거래법의 책임규정이 부실감사를 통제하면 과잉규제가 된다. 이 과소규제와 과잉규제의 딜레마를 극복시키는 것은 절차주의적 법패러다임이다. 이 패러다임은 분쟁의 당사자들 사이의 합의지향적인 의사소통과 상호작용에 의해 당사자들이 분쟁을 자율적으로 해결하도록 하는 법제이다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154425	oai_dc	규제영향분석상의 쟁점과 해소방법	Issues and Techniques for Regulatory Impact Analysis	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이성우(한성대학교)" ]	규제영향분석은 비용편익분석을 기본으로 하고 있다. 그러나 비용편익분석만이 규제영향분석 방법의 전부는 아니다. 비용편익분석기법의 적용을 위한 기본적 요건들이 충족되지 않을 때에는 분석방법상의 변용이 이루어져야 한다. 본 논문은 이러한 경우 다양한 규제영향분석 방법들에 대하여 그 적용을 위한 전제조건들에 대하여 설명하고 있다. 또한 규제영향분석 시에 있어 자주 부딪히게 되는 계량화의 문제, 화폐화의 문제, 다목적 문제, 불확실성의 문제, 복잡성 문제 등을 해결해 주는 다양한 기법들에 대해서도 체계적으로 정리하여 제시하였다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART000948596	oai_dc	해고규제완화에 관한 연구	A Study on the Deregulation of the Employee Dismissal	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김희성(고려대학교)" ]	현재 우리나라의 노동시장의 상황은 전통적 노동법이 고려에 넣지 않았던 「기업의 생존과 경쟁력」이라는 것을 노동법의 중요한 핵심적 가치로 자리잡게 하였다. 「기업의 생존과 경쟁력」이라는 가치는 종래의 전통적 노동법이 약자로서의 근로자보호에 일방적으로 치중해 오던 것으로부터 근로자보호의 한계설정, 예를 들면 해고규제의 완화를 요구하고 있다. 결국 우리나라의 노동시장이 가지고 있는 문제의 해결과 경제의 효율성 확대를 위해서는 획일적이고 엄격한 해고규제는 완화되어야 하는 것이다. 특히 이제는 기업의 발상으로 뒷받침된 해고법리가 추구되어야 한다. 노사관계의 개별적 구성단위인 근로계약관계를 살펴볼 때에 개인 근로자의 채용·배치·해고는 노동의 생산성과 관련해서 매우 중요시되지 않으면 안 된다. 적어도 기업의 경쟁력을 강화하기 위해서는 기업단위의 자치능력을 확보해 줄 수 있는 가능성을 모색해야 하는 동시에, 사용자와 근로자 사이의 개별적 근로관계의 차원에서 보다 폭넓은 계약의 자유Vertragsfreiheit를 확보해 주어야 할 것이다. 바로 여기서 문제되는 것이 노동법(특히 근로기준법)의 경직된 규정의 완화Deregulierung 문제이다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154482	oai_dc	수도권 공간구조의 적정성 분석 : 인구분포를 중심으로	The Optimality of Population Distribution within the Seoul Metropolitan area	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "정창무(서울시립대학교); 이춘근(서울시립대학교)" ]	이 글은 수도권 공간구조의 적정성을 집적의 이익과 비용이란 측면에서 일본 동경도의 경우와 비교·검토한 글이다. 수도권이 과도한 집중과 혼잡으로 경쟁력을 상실해 가고 있으며, 과도한 집중은 교통혼잡, 환경오염, 토지 및 주택부족 등 집적의 불경제를 발생시켜 국가경쟁력을 잠식하는 요인이 되고 있다는 주장을, 인구와 고용분포를 통해 본 공간구조의 적정성이란 견지에서 실증적으로 검토하였다. 집적의 이익과 비용을 측정할 수 있는, 임금과 주간인구밀도간, 가구수입과 야간밀도간의 관계식을 도출하였으며, 분석자료는 1998년을 기준연도로 하는 서울과 인천, 경기도내 66개 시군구의 소득과 임금, 인구수 등을 활용하였다. 집적의 이익을 나타내는 주간인구밀도와 임금간의 관계, 집적의 비용을 나타내는 야간인구밀도와 주민 일인당 소득간의 관계를 검토한 결과, 수도권 전체적으로 집적의 이익이 집적의 비용보다 크게 나타났다. 수도권 공간구조를 일본의 동경권과 비교할 경우, 동경권의 공간구조는 도심지역에서 집적의 이익보다는 비용이 크게 나타나지만, 외곽에서는 이익과 비용이 균형을 이루는 자연스런 모습을 보이는 데 반해, 우리나라의 경우는 수도권 외곽에서도 집적의 이익이 비용보다 커서, 향후에도 수도권에 대한 인구와 산업집중의 경제적 유인이 작용할 것으로 예상된다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154664	oai_dc	우리나라 금융감독 및 자율규제체계에 관한 연구	Study on Financial Supervision and Self-Regulatory Organization in Korea	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "강병호(한양대학교)" ]		행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154663	oai_dc	퇴직의사결정의 자율성을 보장하기 위한 연금수급제도의 개선방안	Reform Strategies to Boost the Flexibility in the Retirement Decision of the Elderly	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이정우(인제대학교)" ]	우리나라의 인구구조는 세계에서 가장 빠른 속도로 고령화 사회로 진행을 해 오고 있는 것으로 알려지고 있다. 이러한 고령화의 문제는 근로세대의 감소로 인하여 국민경제의 인력수급에 차질을 가져다줄 수 있으며, 동시에 노인부양비의 증가로 인하여 국민연금제도를 포함한 전체 사회보장제도의 재정부실을 초래하게 될 위험도 있다. 퇴직연령과 연금수급연령의 상향조정은 고령화 사회에서 예상되는 노동인력의 부족문제와 연금재정의 불안문제를 해결할 수 있는 중요한 방안으로 간주되고 있다. 그러나 노령계층의 고용환경이나 근로조건이 선행적으로 개선되지 않은 상태에서 단순히 정년연령만을 상향조정하게 될 경우 고용기회의 제약으로 인한 실업문제 또는 신체적 노화에 따른 작업부담의 증가문제가 발생할 수 있다. 이러한 상황에서 연금수급연령의 인상은 자칫 소득공백기간만을 단순히 확대시키게 되는 부작용을 초래할 수도 있다. 본 연구에서는 고령화 사회에 대비하여 퇴직연령과 연금수급연령 상향조정의 필요성을 살펴보고, 대신 그로 인해 발생할 수 있는 제반의 충격을 흡수할 수 있는 사회정책적 완충장치로서 자율연금수급제도와 점진적 퇴직제도의 도입방안을 제안하였다. 이러한 방안들은 개인별로 신체적 상황이나 선호에 따라 근로모형이나 퇴직형태의 선택이 유연하게 이루어질 수 있도록 함으로써 노령인력의 장기근로를 위한 제도적 환경을 조성하고, 동시에 그 과정에서 발생할 수 있는 소득의 변동문제를 연금수급제도를 통하여 해결할 수 있도록 한다는 점에서 본연의 의의가 있다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154662	oai_dc	구조개편 이전과 이후 전력사업의 사회적 후생 손실규모	The Welfare Loss in Korea Electric Industrial before and after Industrial Restructuring	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "전영서(한양대학교)" ]	본 연구에서는 전력시장에서 발생한 구조개편정책을 계량적으로 평가하기 위해 첫째, 한국전력이 구조개편을 하지 않았다고 가정하여 정부의 규제요금으로 인해 발생하는 경제적 손실규모를 계량적으로 계측해 보고, 둘째, 정부규제 없이 전력시장이 가상적인 독점시장으로 구성되었다고 가정하였을 경우 예상되는 독점요금을 계산해 보고, 이 경우의 경제적 손실을 계량적으로 계측해 보고자 한다. 셋째, 발전부문과 송배전 부문이 구조개편의 3단계로 분할되어 과점경쟁시장으로 변모하게 됨으로 인해 발생하는 사회후생 손실을 계산하여 분할의 효과를 실증적으로 추정하고자 하였다. 실증결과에 따르면 먼저 독점공기업인 한전이 부과한 규제요금과 가상적인 완전경쟁시장하에서의 경쟁요금을 서로 비교해 보면 경쟁요금은 정부가 부과한 규제요금에 비해 82년도에는 약 68% 수준으로 낮게 나타났지만 2000년도의 경쟁요금은 규제요금의 89% 수준으로 높아짐에 따라 규제요금이 시간이 경과함에 따라 경쟁요금에 접근되고 있었음을 볼 수 있었다. 또한 규제요금하에서 발생하는 총 사회후생 손실규모를 계측해 보면 1982년도에는 2,293억원 수준으로 한전 총 매출액에 대비하여 약 7.61% 수준인 것으로 계측되었다. 그런데 2000년도에는 2,280억원 수준으로 매출액 대비 약 1.15% 수준을 차지하는 것으로 계측되었다. 다음으로 구조분할의 1단계에서 전력산업에 대해 정부가 가격규제를 하지 않았을 경우를 가정하여 가상적인 독점기업인 한전이 독점요금을 부과할 경우 예상되는 독점요금을 계측해 보았다. 가상적인 독점요금은 1982년도에 153.77원/kwh로서 완전경쟁요금인 46.99원/kwh보다 무려 3배나 높게 나타났다. 또한 1997년도에 예상되는 가상적인 독점기업인 한전이 부과할 전력요금은 339.64원/kwh로서 완전경쟁시장의 전력요금인 63.82원/kwh보다 무려 5배 이상으로 부과하는 것으로 나타나 독점기업은 전력요금을 일관성 있게 독점가격으로 인상되었을 것으로 예상된다. 이로 인해 1997년도에 예상되는 사회손실규모는 34,013.6억원 수준으로 매출액 대비 약 23.84% 수준으로 계측되었다. 마지막으로 구조개편의 3단계에서 발전과 배전분할이 성공적으로 진행되었다고 가정하였을 경우 2000년도의 과점적 경쟁시장하에서 총 사회적 손실규모는 약 32억 74백만원 규모로서 독점시장규모인 4조 4,587.71억원에 비해 1/1000 이하 수준으로 현저히 감소하는 것을 살펴볼 수가 있다. 또한 총 사회적 손실규모는 규제하에서 독점공기업의 사회적 손실규모는 2,280,26억원과 비교해 볼 때 사회적 손실규모가 약 70분의 1 수준으로 감소하는 것을 볼 수 있다. 이 같은 결과는 전력시장에 대한 정부의 요금규제가 독점의 피해를 방지하는 데 엄청나게 기여하지만 민간기업들이 자율적으로 경쟁하도록 유도하는 과점체제에 비해서 열등하다는 것을 볼 수 있다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART000964120	oai_dc	대기오염물질 배출규제의 경제적 파급효과: 경유자동차의 Nox배출규제를 중심으로	Comparison of Economic Impacts Across Local Emission Regulations	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김영덕(부산대학교); 조경엽(국회예산정책처)" ]	본 연구는 특정 자동차에 특정 연료가 사용되고 대체 가능한 수송서비스 옵션이 다양하게 존재하는 부문을 대상으로 시장메커니즘을 통한 환경정책과 연료품질규제 등 강제적 규제를 통한 환경정책의 차이점을 분석하였다. 본 연구에서 소비자가 직면한 수송서비스에 대한 선택은 ① 신형자동차 & 기존 연료 ② 신형자동차 & 저유황연료 ③ 기존 자동차 & 기존 연료 ④ 기존 자동차 & 저유황연료를 사용할 것인가로 구분된다. 이는 다시 차종․차량별(승용차, 승합차, 화물차), 연료별(휘발유, 경우, LPG), 자동차 크기(소형, 대형), 신․구형 자동차로 세분되기 때문에 총 수송서비스 옵션은 72가지에 달한다. 이와 같이 자동차와 사용연료를 세분함으로써 환경규제로 인한 기존 자동차간 대체효과뿐만 아니라 기존의 자동차에서 신형자동차로의 대체효과를 포괄하여 분석할 수 있는 연산가능일반균형모형을 구축하였다. 본 연구결과는 GDP 손실을 최소화하면서 환경목표를 달성하기 위해서는 강제적 규제(Command and Control; CAC)보다는 배출권거레제와 같은 시장메커니즘을 활용하는 것이 바람직함을 보여준다. 시장메커니즘에서도 기존의 조세왜곡이 존재한다면 이를 완화하기 위해 정부의 추가 수입을 환원하는 것이 보다 바람직한 정책으로 평가된다. 게다가 배출권거래제하에서도 고품질 연료가 시장을 통해 도입될 수 있음을 보여주고 있다. 따라서 정부의 목적이 고품질 연료도입이 아니라 배출규제를 통한 환경목표를 달성하는 데 있다면, 경제적 비용을 최소화하는 방향인 시장메커니즘 활용정책의 추진이 바람직할 수 있다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154723	oai_dc	부실금융기관의 관리인에 관한 연구	A Study on the Administrator of Troubled Financial Institutions	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "노혁준(단국대학교)" ]		행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART001154606	oai_dc	출자총액규제의 근거와 소유-지배 괴리지표에 대한 비판적 고찰	Restrictions on Equity Investment and Ownership-Control Disparity	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "최충규(한국경제연구원)" ]	본 논문에서는 최근 제시된 출자총액규제의 이론적 근거와 의결권 승수 등의 소유-지배 괴리지표를 비판적으로 검토한다. 본 논문은 임영재(2003)가 제시한 출자규제의 이론적 분석에서 기업의 출자행위가 정태적인 1기 모형으로 묘사되고 주요 가정에 대한 논거가 취약하며 모든 출자가 동질적인 것으로 간주되었음을 지적한다. 또한 본 논문은 소유-지배 괴리지표에 근거한 규제가 지배주주와 소수주주간의 분배왜곡을 해소할 수 있다는 이론적인 장점에도 불구하고 출자규제를 대체하거나 출자규제의 졸업기준으로 활용될 경우 발생되는 문제점을 지적한다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART000964021	oai_dc	지방자치단체 규제정비 방식의 현황과 개선방안에 관한 연구	Study on Regulatory Reform System in Local Governments in Korea	{ "journal_name": "한국규제학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "최유성(한국행정연구원)" ]	본 연구는 현재 중앙부처 중심으로 이루어지고 있는 규제개혁의 상황에서, 지방자치단체 규제개혁의 현황을 파악하고, 이에 대한 문제점을 근거로 개선방안을 제시하여 지방자치단체의 규제개혁이 효율적이고 내실 있게 이루어질 수 있도록 기여하는 데에 그 목적을 두고 있다. 이를 위해, 본 연구에서는 지방자치단체 현행 규제정비의 방식 및 현황을 소개하고, 이들의 문제점을 ‘규제등록상의 문제점’과 ‘규제내용상의 문제점’으로 구분하여 지적하였으며, 다음으로 이러한 문제점들을 개선할 수 있는 구체적인 정비 지침을 유형별로 제시하고, 이러한 지침에 따른 사례 법안들을 제시하였다. 특히, 이러한 규제정비 지침에서는 규제의 등록 여부를 판단하는 지침과 규제의 폐지를 결정하는 지침을 구체적으로 제시하였으며, 마지막에서는 이러한 지침의 개정 및 보완을 포함한 우리나라 규제정비의 전반과 관련된 정책적 제언을 하였다.	행정학	null		kci_detailed_000015.xml
ART002049308	oai_dc	태블릿PC용 e매거진 영상의 역동성 연구	A Study on the Dynamics of E-magazine Images for Tablet PC	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "명국녕(순천대학교)" ]	개인성과 이동성이 요구되는 현대는 새로운 단말기 보급에 있어서도 그 영향을 발휘하게 되었다. 멀티미디어 콘텐츠의 원활한 이용을 위해서 고성능 태블릿pc의 등장이 현실화된 이후, 가장 먼저 이용가치 여부의 실험대에 오른 콘텐츠가 있다면 단연 e매거진이다. 기존 인쇄매체로부터 또 퍼스널 컴퓨터를 통해서 이미 익숙하게 매거진 경험을 한 사용자들은 새로운 장치에 걸맞은 콘텐츠 도입을 강하게 요구하고 있다. 이러한 배경에는 사용자가 단지, 정보의 습득만을 목적으로 하지 않는다는 점이 있다. 정보 습득과 쾌감의 공존이 관건인데, 그 제작에 있어서 영상물의 적절한 가공이 제일 중요한 역할을 한다. 그 방법의 핵심은 기존 영상물 제작 방식에서 탈피하여 역동성을 배가시키는 것이다. 그 역동성의 중심에는 실재감과 속도감이 자리 잡고 있다. 실재감을 전달하기 위해서는 영상물의 조밀성, 즉 해상도와 풍부한 컬러 확보가 우선이다. 이미 태블릿PC는 2천 픽셀 이상의 해상도를 수용하고 있고, 컬러의 수도 육안이 구분할 수 없는 수준까지 이른 시점에 와 있다. 인쇄 매체와는 다르게 RGB 컬러스페이스를 영상 촬영 당시와 동일하게 이용할 수 있다는 것도 실재감을 위한 중요한 요소다. 그리고 e매거진이 아날로그 시대의 콘텐츠와 차별화하기 위해서는 무엇보다 영상물을 통해 가상체험을 할 수 있게 하는 것이 필요했다. 디지털 콘텐츠도 기본적으로는 평면성을 띄고 있지만, 가상 체험 방식의 도입으로 입체적 감각을 느끼게 한다. 또한 실재감 표현에 있어서 확대, 축소 등의 인터페이스에서 비롯된 콘텐츠에 대한 개인화 부분도 빼놓을 수 없다. 이 모든 것이 실재감을 극대화하는데 필요한 요소다. 실재감을 충실히 표현한다는 것은 사용자로 하여금 대상물 또는 대상지에 최대한 근접한 느낌을 갖도록 노력하는 것인데 비해, 속도감을 배가하는 것은 자칫 지루하기 쉬운 콘텐츠의 흐름을 효과적으로 차단하고, 새로운 생기를 불러 일으켜 전달력을 최대한 끌어올리는 것이다. 속도감의 주된 요소는 비디오 매체에서 볼 수 있는 동적 구조다. 기존 비디오 영상물을 단순히 재생하게 하는 데 그치는 것이 아니라, 화면 가득히 표현되는 콘텐츠 디자인의 배경으로서의 동영상도 하나의 예가 될 수 있고, 고속촬영을 통한 속도 조절을 함으로써 부가되는 대비감도 그 요소에 해당된다. e매거진 영상물 제작에 있어서 이러한 실재감과 속도감의 구현은 디바이스의 발전과 더불어 계속 향상될 전망이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.197	kci_detailed_000015.xml
ART002049310	oai_dc	다학제간 융합 기반의 디자인 교육에 대한 연구	A Study on The Possibility of The Convergence Education in Design	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "송만용(동서대학교); 김수화(동서대)" ]	본 연구는 디자인 분야에서 다학제간 융합교육의 가능성을 분석하고자 하였다. 이를 위하여 디자인 분야의 연구참여자 4명에 대하여 단일학문의 고유 직무내용 분석, 간학문적 융합 가능한 학문분야 분석, 간학문적 융합 가능한 학문내용 분석 등으로 일련의 결과를 제시하였다. 1차 초점면접을 약호화하여 분석한 결과, 디자인 분야의 고유한 직무능력은 창의적 문제해결력, 실험설계 수행능력, 창의적 발상과 표현, 디자인 기획능력, 조직화 능력 등으로 나타났다. 그리고 융합 가능한 학문분야는 디자인·산업디자인분야, IT분야, 경영학분야, 심리학분야, 인문학 분야 등으로 나타났다. 또한 디자인 분야에서 융합인재를 양성하기 위하여 가장 중요하게 교육시켜야 할 요소는 기획능력, 상상력, 도전정신, 의사소통능력, 문학적 창조력, 인간에 대한 이해, 배움에 대한 열린 사고와 열정, 타인의 견해를 수용하는 능력, 마케팅, 조직화능력, 컴퓨터 사용능력 등으로 나타났다. 다음으로, 1차 초점면접에서 전사한 내용에 대한 이론적 민감성을 확보하기 위하여 중추적 코딩을 하였다. 그 결과는 디자인 교육에 있어 객관적이고 과학적인 절차, 인간의 내면적 관점을 표현, 통합적 관찰, 창의적 경향성, 심상 등이 학문분야간 수렴된 문제해결방식으로 나타났다. 마지막으로 전문가로부터 의견수렴 분석을 실시한 결과, 미학, 공학, 인문학, 교육학 분야 등의 간학문적 융합의 수렴영역은 18개 항목으로 분류되었고, 그 내용은 연구 참여자 4명이 전사한 내용과 정합성이 있는 것으로 나타났다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.237	kci_detailed_000015.xml
ART002049294	oai_dc	시각예술에 나타난 타인의 고통에 관한 연구	Study on the Pain of Others of Appeared in Visual Art	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김석원(중원대학교 문화환경디자인연구소)" ]	본 논문은 <타인의 고통>에 관한 인문학적인 성찰에서 시작했으며, 쇼펜하우어, 니체, 보들레르, 수잔 손탁, 랑시에르에 이르기까지 타인의 고통에 관한 계보학적인 관계를 추적하고 각각의 사상가들이 어떤 관점에서 타인의 고통을 해석했는지 살펴보았다. 중점적으로 살펴본 내용은 타인의 고통이 주체와 어떤 식으로 밀접하게 연결되어 있는지 알아보았다. 타인의 고통을 철학과 시각예술에서 동시에 살펴보는 이유는 철학적 텍스트가 지닌 주관적인 내용이 시각예술에서 어떻게 현실적으로 실현되고, 해결점을 찾는지 알아보기 위해서였다. 이성 중심적인 철학적 사고가 고통의 문제에 우리의 관심을 집중하게 만든 이유를 추적하며, 고통에 대한 성찰을 통해서 주체와 타인 사이에서 발생하는 인간적인 유대감을 정립시키는 데 중점을 두었다, 쇼펜하우어, 니체, 보들레르, 수잔 손탁, 랑시에르에서 타인의 고통에 관한 관점은 조금씩 다르지만, 타인의 고통이 주체인 자신과 밀접하게 연결되어 있다. 우리는 타인의 고통에 관한 소식을 자주 접했다는 이유로 그들을 쉽게 이해한다고 생각하는 오류를 범하지 말아야 하며 타인의 고통에 공감하는 것과 불행을 구경하는 것을 정확하게 구분하는 태도가 필요하다고 생각한다. 본 논문의 의미는 <타인의 고통에 관한 계보학적 접근>을 바탕으로 인문학과 시각예술을 병행한 연구를 통해서 주변에서 소외당하고 고통을 호소하는 타인의 목소리에 귀를 기울이고, 그들의 고통을 공감하고, 응답하며 관심을 두는 행위가 현대사회에서 시각예술이 추구해야 할 인간의 조건이라는 점을 다시 한 번 재고하는 데 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.37	kci_detailed_000015.xml
ART002049306	oai_dc	<쿵푸팬더>, <업>, <겨울왕국> 캐릭터의정신역동적 성장 구조 - 욕망 왜곡의 변인으로서 방어기제를 중심으로 -	Structure of Psychodynamic Growth in Characters Found in <Kung Fu Panda>, <Up>, and <Frozen> - Focusing on defense mechanism as a variable of distorted desire -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "양세혁(조선대학교)" ]	본 연구는 중심캐릭터의 내적 갈등을 통한 성장의 과정에서 발생하는 연쇄적인 심리 변화의 인과관계를 정신역동적 관점에서 분석하기 위하여 시작되었다. 정신역동은 무의식적 동기나 의도에 의한 역학적인 투쟁을 의미한다. 이러한 내적 갈등으로부터 자아를 보호하기 위하여 무의식적 상호작용에 의해 타협의 과정을 거치는데, 이때 작용하는 것이 ‘자아방어기제’이다. 이것의 원시적 속성은 두려움을 야기하는 현실의 문제를 왜곡함으로써 회피하거나 적응하려하는 자기기만적 대처이다. 따라서 본 연구는 방어기제가 캐릭터의 근원적 욕망을 왜곡시키는 변인으로 작용하며, 캐릭터의 ‘성장’ 여부를 결정하는 정신역동 과정의 핵심이라는데 주목했다. 연구의 진행은 먼저, 자아정체감 회복의 전형적 성장담을 보여주는 애니메이션 세 작품을 선택했다. 성장과 성장 실패의 대조로써 논리를 검증할 수 있도록 ‘주동’, ‘반동’ 캐릭터를 각각 하나 씩 선택했다. 마지막으로, 방어기제 유형의 특성을 분석의 기준으로 활용했다. 이를 통해, 캐릭터의 정신역동은 ① 내재된 결핍에 의해 두려움이 발생하고, ② 방어기제의 작용에 의해 욕망이 왜곡되며, ③ 두려움의 극복을 통해 왜곡되었던 욕망이 회복되는 과정을 거친다는 점을 알 수 있었다. 종합하여, 정신역동적 성장의 구조란 원시적이고 미숙한 방어기제로부터 성숙한 사용으로의 전환을 통해, 스스로의 결핍을 직시하고 포용함으로써 자신의 근원적 욕망과 연결시키려는 노력의 과정이라는 결론을 도출할 수 있었다. 끝으로, 애니메이션 캐릭터의 내면적 변인을 분석하려는 시도의 난점은 캐릭터는 실체적 인간을 온전히 포괄할 수 없다는 점과, 작품 속 대사와 연기라는 정보의 한계였다. 이에, 관련된 타 학문과의 교류와 협업을 통해 보완할 수 있기를 제안하며 연구를 마무리하고자 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.145	kci_detailed_000015.xml
ART002049290	oai_dc	A Continuity without break off between instinct and wisdom	A Continuity without break off between instinct and wisdom	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "베로닉 알렉상드로 쥬르노(Paris-Sorbonne University, France)" ]	A mental space plays a part upstream from the process which converts thought into language, or conceptual principles into rules and practical methods. Inside occurs the transformation of “pre-conceptions” (ennoiai), derived from sensitive perception, into “conceptions” (prolepseis), resulting from their discernment by intellect. Such a course from sensitive images to “comprehensive representation” (kataleptike phantasia), contrary to the more frequent course which goes from the theoretical intellect to the practical one, has its source in Nature, at least for Stoic philosophers in Greece and Daoist philosophers in China, in the observation of natural phenomena and “animated things in themselves”. The mental appropriation (oikeiôsis), ability to memorize an inner representation of the thing, generates a durable track like the impression (tupôsis) made on the soul in the way of marks left by a seal in wax, as said by Zenon to exemplify phantasia, or like the non-verbalised pedagogy, except through metaphorical appreciation, which is the secret in China to guide the “right” gesture and to appreciate its intentionnality and effects. Our presentation focuses on moments and tracks of the back and forth movement (“va-et-vient”) between musical gesture and thought, and shows that the mastery of sensation, third component, is the key-factor of a continuity without break off between instinct and wisdom.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.9	kci_detailed_000015.xml
ART002049298	oai_dc	한국 <AG> 그룹에서의 ‘아방가르드’ 연구	A Study on ‘Avant-garde’ in AG Movement	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김전희(서울대학교)" ]	본 글은 1960년대 한국 미술에 등장한 예술 운동인 <AG>그룹에 관하여 탐구한다. 이들은 한국미술사에서 최초로 전위적인 미술운동을 표방하며 스스로를 아방가르드 운동으로 칭하였다. 또한 당시 서구의 선진 미술 현상을 적극적으로 연구하면서, 한국미술이 나아가야 할 방향에 대하여 이론적이고 실천적인 방식으로 연구하고 활동하였다. 필자는 이들 운동에서 나타나는 독특한 양상들을 연구하는데 있어서 특히나 ‘아방가르드’라는 용어에 집중하여 살펴볼 것이다. 최초로 아방가르드라는 용어가 시작된 19세기 유럽에서부터 20세기 후반의 네오 아방가르드까지, 그 의미와 그 발전 과정을 순차적으로 살펴볼 것이다. 이는 필연적으로 이 용어가 미술로 수용되어 사용된 흐름을 되짚어보는 작업을 필요로 할 것이다. 따라서 아방가르드 미술의 흐름과 그에 대한 비평을 전개한 이론가들을 차례로 살펴보며, 서구 아방가르드에 대한 개략적인 지형도를 만들어 볼 것이다. 이러한 지형도 위에서 한국의 <AG> 그룹에 대하여 연구할 것이다. 이들의 운동은 다양한 양상으로 나타나는데, 본고에서는 다양한 작가들의 작품 중에서도 이들 운동의 특징들을 잘 보여주는 작품들을 선택적으로 설명할 것이며, 무엇보다도 이들 운동의 고유한 특징 중 하나인 이론과 현상의 합일적 실천에 집중할 것이다. <AG>그룹은 작가들과 이론가들이 최초로 함께 하나의 그룹을 형성하여, 실천과 이론의 양상 모두를 선진적인 방향으로 이끌어 나아가고자 노력했다. 이러한 맥락에서 이들 운동의 근거를 제시하고 있는 이론가의 글들을 함께 고찰해 봄으로써, 그룹이 나아가고자 하였던 목표에 대하여 살피고 이러한 이론적 연구를 근거로 AG 그룹의 작품들을 살펴볼 것이다. 마지막으로 이러한 탐구를 바탕으로 하여 필자는 한국의 <AG>그룹의 양상이 서구의 아방가르드와 제도 비판이라는 본질을 공유하고 있음을 주장할 것이다. 또한 당시 한국 아방가르드 운동이 수용하였던 서구의 아방가르드 이론과 현상은 초기 아방가르드 이후의 네오 아방가르드였음을 설명할 것이다. 이러한 설명과 당시 한국의 사회상을 살펴봄으로써 AG 운동에서 ‘아방가르드’라는 용어는 정치적이고 사회적인 맥락과는 별로 부합하지 않으며, 미술의 제도 안에서의 변혁을 목표로 하였음을 설명할 것이다. 그러나 그들이 초기의 유럽 아방가르드가 아니라 동시대의 네오 아방가르드적 양상과 의미를 공유한다고 하여 <AG>그룹의 의의나 의미가 희석되는 것은 아니다. 이 그룹은 당시 한국 미술에서 아카데미적인 기존의 미술제도를 공격하고 선진적이고 현대적인 미술의 한국적 수용에 대한 심도있는 고찰을 이어나갔으며, 그 결과 새로운 실험정신을 한국 미술에 도입했다는 의의를 갖는다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.71	kci_detailed_000015.xml
ART002049307	oai_dc	디지털 미디어에 나타난 디자인 미니멀리즘에 관한 연구	A study on Design Minimalism in Digital Media	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "송만용(동서대학교)" ]	본 소고에서는 현대 디지털 미디어 디자인에 나타나는 단순성과 간결성 그리고 무채색의 사용 이러한 특징을 디자인 미니멀리즘(Design-Minimalism)이라 규정하고 디자인미니멀적 양상과 특징들은 무엇인지에 대한 연구를 수행하는 것을 본 소고의 목적으로 하고자 하였다. 그리하여 기존연구에서 사용하는 ‘확장된 미니멀리즘’이 아니라 디지털적 상황 하에서 디자인미니멀리즘Design-Minimalism)으로 규정하고 그 특징을 ‘형태적 단순성’, ‘색채적 무채색’ 그리고 ‘표면적 투명성’으로 나누어 고찰해보았다. 그리하여 디자인 미니멀리즘의 기원은 미스 반 데 로에(Ludwig Mies van der Rohe)가 ‘보다 적은 것이 보다 많은 것이다Less is more’라는 바우하우스에서 찾아 볼 수 있으며 대표적인 제품은 독일 브라운사(Braun)사와 수석 디자이너 디터 람스(Dieter Rams)와 애플의 조나단 아이브(Jonathan Paul Ive)의 디자인에서 디자인미니멀적 형태와 특징을 고찰해보고자 하였던 것이다. 그래서 미니멀리즘은 단순히 형태적 단순성과 단색의 장르가 아니었다. 미니멀리즘이 표현의 과잉을 추구하였던 추상표현주의에 반하여 물체(질)의 본질에로 이르려는 환원주의를 따랐으며 이러한 물질적 특성이 극단에 이르른 것이 기하학적 단순성이었다면. 디자인미니멀리즘은 오히려 바우하우스의 전통, 즉 장식을 제거하다보니 기하학적 형태에 도달한 것이었다. 또한 색채적 관점에서 보면, 미니멀리즘에서 색채를 절제한 것은 작품안과 밖의 경계를 허물기 위한 전략으로 물체(질)에 이르다보니 그 물체가 갖고 있는 색을 사용한 것이다. 반면 디자인미니멀리즘에서는 미디어의 내부의 다양한 기능을 은폐하기 위해 외부을 극단적인 단색으로 이르게 된 것으로 보인다. 물론 여기에는 재료적으로 메탈과 알루미늄을 사용하였고 이것은 곧 만족감과 미래적 이미지와 디자인 선도의 이미지를 던져주었기 때문이다. 마지막으로 미니멀리즘에서는 작품 내부를 외부와 경계지을 수 있는 틀이라는 물질적 특성을 제거함으로서 시선을 외부로 확장시켰다면 디자인미니멀리즘에서는 내부를 보여줌으로 인하여 빛에 의한 효과를 끌어들인, 즉 투명성이 있다. 즉 “투명한 재료는 시간과 시점에 따라 다른 효과를 나타내기도 하며 불필요한 것은 배제하고 중요한 것을 강조하기도 한다. 투명한 재료의 특성에 따른 작업방법과 구조적 특성의 노출이라는 디자인 원칙의 확립은 현대 디자인이 새로운 제시”였으며 터치스크린은 미니멀리즘과 마찬가지로 관람자 중심의 시간성과 연극성으로 감상되어 진다면 디자인미디어의 미디어표피는 사용자와 미디어간의 상호작용으로 존재하게 된다. 이상과 같이 디자인미니멀리스트들은 미니멀리스트과 마찬가지로 서구의 근대화·산업화 과정에서 새로운 시대에 부합하는 새로운 미학을 꿈꾸었던 아방가르드의 이상이 반영되어 있음을 알 수 있었다. 그래서 현상보다는 본질을, 결과보다는 원인을, 외면보다는 내면을 중시했던 그들은, 절제된 형식과 간결한 조형 언어를 통해 이상적인 유토피아를 실현하고자 하는 초기 디자이너의 꿈을 현재화하는 것이었다. 그러므로 디자인미니멀리즘은 'Less is More' 미스 반 데 로에(Ludwig Mies van der Rohe)의 바우하우스 정신을 잇는 또 하나의 디자인 경향이면서 현대 디지털 미디어의 다양성을 시각적 통일성을 주는 경향이라는 결론을 얻을 수 있었다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.171	kci_detailed_000015.xml
ART002049299	oai_dc	한국영화 속 다문화 가정의 재현 방식에 관한 연구 - 영화 <완득이>를 중심으로 -	Study on the manner of representation about multi-cultural families in Korean Films - Majorly focus in the film <Punch> -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이도균(경기대학교)" ]	최근 한국 사회에서의 가족문제는 다양한 형태로 급변하고 있으며, 이러한 가족 문제는 사회문제를 불러오는 근본적 원인을 야기하기도 한다. 또한 가족문화에 대한 담론은 예술분야와 대중문화와도 연결고리를 형성한다. 대중문화의 중심에 있는 영화는 영상언어를 바탕으로 가족문화의 변화에 대해 재현한다. 특히 최근의 한국 영화의 경향을 살펴보면 이러한 현상은 더욱 두드러지게 나타난다. 영화를 이끌어가는 중심 내러티브에 있어 가족문제를 서사의 중심에 위치시키며 사적영역의 성격이 강한 가족문제를 공적영역으로 확장하며 새로운 시각으로 접근을 시도 한다. 영화에서 드러나는 서사와 양식체계를 통해 가족의 해체적 원인과 위기, 그리고 문제의 해결을 통한 재결합 과정을 통해 현재 한국사회가 안고 있는 가족문제를 스크린 밖으로 꺼내어 재생산해 냄으로써 이를 사회적 담론으로 이끌어 낸다. 영화 <완득이>에서 재현되고 있는 다문화가정의 모습을 통해 바라본 한국사회의 가족문화는 결국 사회체제가 안고 있는 해체의 위기 속에서 가족집단의 화해와 봉합을 통해 다양한 문화의 충돌과 사회적 문제를 해결하려고 한다. 일반적인 정상성에서 벗어난 다문화가정을 비롯해 장애인, 이주민, 외국인 노동자 등 사회적 타자로 인식되는 소외계층과의 사이에서 발생할 수 있는 사회적 문제를 우회적으로 지적한다. 이에 영화는 모든 계층이 하나 되는 통합과정을 결말로 제시함으로써 사회적 통합을 이끌어 내며, 모든 이들이 제도권 안에서 함께 할 때 비로소 완성된다. 영화에서 표현된 다문화가정의 재현은 우리 현실사회의 다양한 문화성을 재생산해 낸 하나의 사회구조를 의미한다. 영화 <완득이>를 관람하는 행위는 단순한 영화관람 형태를 지나 우리가 다문화가정, 혹은 영화에서 드러내는 다양한 사회문제를 바라보는 자신들의 시선이 된다. 시선은 곧 우리의 사회적 현실을 뒤돌아보게 만드는 계기가 되며, 새로운 시각으로의 접근을 가능하게 만드는 원동력이 된다. 우리는 사회를 되돌아보는 과정 속에서 전통성이라는 관습과 규범에 가려 진정한 의미를 찾지 못한 것은 아닌지 고민해야 할 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.97	kci_detailed_000015.xml
ART002049303	oai_dc	인물 동선과 배열쇼트의 동적 장면화 - 영화 <어웨이 위고>와 <도베르만>을 중심으로 -	Dynamic Scene Making of Arrangement Shot & Character Flow -Focusing on the Film ‘Away We Go’ & ‘Dobermann’-	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김동현(동서대학교)" ]	단일 쇼트에서 이뤄지는 장면화에는 정적 장면화와 동적 장면화가 있다. 이것은 항시 인물과 카메라의 움직임 조합으로 장면화 된다. 본고에서는 동적 장면화에 직접 관여하는 동적 요소 중 인물에 집중한다. 더 나아가 인물 동선과 인물 배열의 변화에 의해 만들어지는 동적 장면화는 가능한가? 가능하다면, 어떤 유형의 인물 동선쇼트와 배열쇼트가 있는가? 라는 의문에서 본고를 출발한다. 이를 통해 카메라 움직임과 항시 연관되는 인물이 아닌 인물의 동선과 배열의 변화만으로 동적 장면화가 가능하다는 것을 밝히는 것이 본고의 목적이다. 수평 배열은 인물의 정적인 가독성을 높여 시선의 관심도를 유지하지만, 닫힌 공간으로 운동 활성화 정도는 약하다. 수직 배열은 인물과 인물 간의 거리를 만들어, 프레임에 공간을 주입시키고, 이를 통해 인물의 운동성을 활성화 시킨다. 움직임의 공간 거리인 인물 동선은 시선 주목도에 따라 중심인물과 배경인물로 나뉜다. 이들은 서로 관계하여 쇼트의 동적 장면화를 만든다. 샘 멘데스(Sam Mendes) 감독의 영화 <어웨이 위고(Away We Go, 2009년)>의 장면 분석 결과, 인물 동선쇼트에는 첫째, 중심인물-정지, 배경인물-움직임, 둘째, 중심인물-움직임, 배경인물-정지, 셋째, 중심인물-움직임, 배경인물-움직임이 있다. 얀 쿠넹(Jan Kounen) 감독의 영화 <도베르만(Dobermann, 1997년)>의 장면 분석을 통해 나타난 인물 배열쇼트에는 규칙적 변화의 인물 배열쇼트(단독 쇼트→투 쇼트→쓰리 쇼트, 투 쇼트→쓰리 쇼트→집단 쇼트), 불규칙적 변화의 인물 배열쇼트(투 쇼트→쓰리 쇼트→투 쇼트→쓰리 쇼트→투 쇼트) 그리고 동일한 인물 배열쇼트(투 쇼트→투 쇼트→투 쇼트)가 있다. 결론적으로, 인물의 동선과 배열의 변화만으로도 동적 장면화가 가능하다. 단 프레임을 채우는 인물의 수직 이동으로 인물 근접도에 변화를 주어 인물의 운동성을 활성화시킨 후, 인물 동선에 의한 인물 배열 변화가 불규칙적으로 일어나야 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.125	kci_detailed_000015.xml
ART002049309	oai_dc	노년기 삶의 질 향상을 위한 컬러링북 연구 - 화투를 소재로 한 컬러링북을 이용한 미술 치료 -	Coloring Book to Improve the Life Quality of the Elderly -Art Therapy with a Coloring Book Based on Hwatu-	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이경연(한양여자대학교); 이지희(한양여자대학교)" ]	우리나라의 인구분포가 갈수록 고령화로 접어들고 있다는 것은 익히 알려진 사실이다. 이러한 노인 인구 증가에 따라, 노인의 정신건강의 중요성이 점점 더 중요하게 여겨지고 있으며 노인 삶의 질을 향상시키고 인지기능의 악화를 예방하거나 개선시킬 수 있는 방법에 대한 연구가 다각도로 진행되어 왔다. 그중의 일환으로 미술치료에 대한 관심이 높아졌으며 여러 기관에서 미술치료를 시행하고 있고, 노인들의 우울증 완화 및 치매에도 효과적이라는 결과가 보고되고 있다. 미술치료에 대한 연구는 활발하나 교재는 거의 없는 상태이므로 노인을 중심으로 한 활발한 미술치료 중 하나인 색칠하기와 대중적인 놀이인 화투를 접목한 컬러링북을 제안하려한다. 책의 구성은 색칠 작업과 활동지 작업으로 되어 있다. 색칠하기 부분은 오른쪽에 완성본의 그림을 넣고 왼쪽에는 그 달에 속하는 4개를 패를 함께 넣어 컬러를 선택하거나 채색 시에 가이드 역할을 할 수 있게 했다. 완성된 컬러링 결과물은 잘라서 실제 화투 패처럼 쓸 수 있게 만들었다, 각각의 패는 유사한 것을 그룹 짓는 것부터 화투놀이까지 다양한 규칙을 정해 여러 방법으로 미술치료에 사용할 수 있다. 활동지 작업에서는 그림 따라 그리기, 엽서 만들기, 스티커 붙이기, 퍼즐 맞추기 등 재미를 줄 수 있는 요소를 첨가하였다. 그림 스타일은 노인의 신체적 인지적인 특성에 맞추어 면의 분할을 큼직하게 하여 이미지들이 잘 구분 되게 하였으며 화면의 구성도 여백을 주어 시원한 느낌을 살렸다. 이미지를 식별하는데 혼란을 느끼지 않도록 꽃이나 새 등 특정 이미지를 확대하여 쉽게 눈에 뜨일 수 있게 배려하였다. 그림의 윤곽선은 단순하게 하되 동일한 두께로 만들기 보다는 선의 두께의 변화를 주어 각각의 이미지 그룹이 구획되어 보이도록 하였다. 컬러링북이면서 활동지로의 역할을 같이 할 수 있어 지루하지 않고 개인이나 집단 미술치료에 사용될 수 있으며 어디서나 할 수 있다. 앞으로 이것을 인터랙티브가 가능한 미디어 교재로 발전시키려 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.4.219	kci_detailed_000015.xml
ART002108826	oai_dc	하이퍼리얼리즘에 나타난 파생실재이미지(Image of Hyperreality) 연구	A Study on the Image of Hyperreality appeared in Hyperrealism	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "박 경 애(동의대 미술학과)" ]	현대미술에서 실재에 관한 논의가 자리하는데 있어 하이퍼리얼리즘(Hyper- realism)은 중요하다. 하이퍼리얼리즘이 관여하는 실재는 하이퍼리얼리티이다. 다른 말로 ‘파생실재’라고도 불려지는데, 이는 인위적으로 만든 가상실재이다. 가상실재는 현대미술의 한 언저리에서 파생실재이미지를 전면에 내세운다. 파생실재이미지의 특이점은 원 실체에 주목하지 않는 것이다. 이러한 이유로 파생실재이미지에 관한 논쟁은 ‘리얼리즘 이상의 리얼리즘’이 제시하는 화면으로 시선이 집중된다. 이제 “이미지는 실재와 무관하다”는 보드리야르식의, 실체와 관계없음에 대한 사유는 이미 많은 이들의 논쟁거리가 되고 있다. 이러한 문제의식은 하이퍼리얼리즘을 연구하는데 있어 중요하다. 본고에서는 하이퍼리얼리즘을 초기적 측면과 동시대적 관점으로 구분해 각각의 파생실재이미지를 분석한다. 초기 하이퍼리얼리즘이 세상을 객관적으로 보는 것에 관한 것이라면, 동시대 하이퍼리얼리즘은 작가의 내적 공간에 관한 것이다. 때문에 이 글은 하이퍼리얼한 이미지의 시대적 관점에서의 재해석, 즉 파생실재이미지에 대한 재고찰이 중심을 이룬다. 하이퍼리얼리즘에서 창조된 초현실(하이퍼리얼리티)은 또 다른 기호를 산출하며 기호 스스로가 하나의 주체가 된다. 여기서의 기호는 어떠한 근원도 어떠한 지시대상도 찾을 수 없는 하이퍼리얼리티의 기호이다. 본고는 하이퍼리얼리즘의 역사성과 현재적 의미를 이해하려는 목적으로, 초기 하이퍼리얼리스트인 리차드 에스테스와 척 클로스의 주요 작품과 동시대 하이퍼리얼리스트인 마크 데니스의 작품을 분석하고자 한다. 에스테스와 클로스 등의 초기 하이퍼리얼리스트들은 객관적으로는 현실을 건조하고 냉엄하게 바라보고 주관적으로는 감정을 철저히 배제한 이미지를 구사해, 오로지 감상자의 눈과 정서로만 화면을 읽어내도록 하고 있다. 이에 반해 동시대 하이퍼리얼리스트인 마크 데니스의 화면에서는 작가의 감정적 텍스트가 확연히 보이는 자세를 취한다. 도시의 무의미한 거리를 빛의 반사를 통해 자신의 프레임으로 새롭게 화면을 구성해낸 에스테스와, 회화의 오랜 주제인 초상화를 하이퍼리얼리즘으로 번역한 클로스는 감상자에게 새로운 미적 경험을 선사한다. 사진을 작업의 도구이자 수단으로 사용한 이들 작가들의 작품에선 사진과 복제, 실물과 복제의 구분이 사라진다. 데니스의 그림은 우리에게 이미 익숙한 유명 작품이미지를 차용해 자신의 의미론적 해석을 덧붙이는 방식으로 작업을 한다. 데니스의 이미지에서 읽혀지는 환영적 방식은, 여러 대가(大家)들의 원작이 지니는 의미를 해체하고 왜곡시키면서 자신의 시뮬라크르한 코드를 입력시키는 방식을 취한다. 그의 화면에서 보여 지는 시뮬라크르한 이미지는 차용된 화면 위에 작가의 감정이 추가된, 원본과는 전혀 상이한 파생실재이미지다. 이들이 만들어낸 새로운 화면은 원래의 대상을 소멸시키며 시뮬라크르를 잉태한다. 다시 말해 에스테스와 클로스, 데니스가 보여주는 극사실적 화면은 원래 대상이 가지고 있는 실재 그 이상의 실재를 보여주며 스스로 실재가 된다. 이는 모사된 이미지가 실재를 대체하는 상황을 시뮬라시옹의 공간으로 정의하면서 모사할 실재가 없어진, 실재보다 더 실재 같은 세계를 하이퍼리얼리티의 세계로 언급한 보드리야르의 개념과 그 맥을 ...	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.2.63	kci_detailed_000015.xml
ART002108828	oai_dc	경관디자인에 있어 부산지역 이미지조성을 위한 가로조명시설에 관한 연구	A Research Study for Understanding the Actual State of Street-lighting Facilities of Municipality of Busan From the View of Environment Design	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "노지화(부경대학교)" ]	부산의 가로조명시설에 대한 현황 분석을 통한 경관 디자인적 관점에서의 기본적 고찰과 연구를 진행하여 도시이미지조성에 있어 가로조명디자인의 공간적 역할에 대한 방향을 제시하고자 한다. 이를 통하여 다차원적 복합화 되고 있는 도시화의 현실에서 21세기를 향한 부산만이 가질 수 있는 개성이 넘치고 매력적인 도시환경 만들기에 기초자료를 제공하는데 연구목적이 있다. 가로조명시설은 거리구성의 중요한 시설물로써, 주간의 도시공간에서는 부분적 경관구성의 핵일 뿐만이 아니라 하나의 미적 조형물의 역할을 한다. 또한 야간의 도시공간에서는 활동시간대의 확장 및 안정성의 제고를 위한 효용적 기능과 함께 야간경관의 중요요소로 작용되고 있다. 따라서 도로의 특성, 도시구조, 인간 활동의 행위 등을 모두 포괄하는 복합된 디자인이 적용되어야 한다. 가로조명시설은 반영구적 시설이며 공사비 및 설치비가 비싸기 때문에 재설치 및 철거가 어렵다는 문제점이 있기 때문에 가로조명 설치 시에는 지역적 특성, 도로관계, 타 시설물과의 관계, 보행공간, 도시의 경관 등에 유의하여 개체에 따른 조명의 특성 및 거리이미지로서의 가로조명에 대한 철저한 계획을 세워 진행하여야 할 것이다. 특히 야간에 있어서 도시공간의 역할과 도시의 조망 등 여러 가지 요인들을 연구 검토하여 쾌적한 도시환경과 아름다운 도시이미지 형성을 위한 경관 디자인적 관점에서의 가로조명의 역할과 중요성을 다시 한 번 재고해 보아야 할 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.2.115	kci_detailed_000015.xml
ART002108824	oai_dc	디지털 아카이브 그리고 파라-인덱스: 왈리드 라드의 아틀라스 그룹	Digital Archive and Para-Index : Walid Raad’s the Atlas Group	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "최종철(미야자키 국제대학)" ]	본 논문은 레바논 출신의 미디어 작가 왈리드 라드(Walid Raad)의 아카이브 프로젝트, <아틀라스 그룹 (the Atlas Group, 1989-2004)>을 중심으로 오늘날 새로운 예술 매체로 부상하고 있는 디지털　아카이브의 예술적, 정치적, 기술적 가능성을 탐구한다. 라드의 <아틀라스 그룹>은 1975부터 1991년까지 대략 15년간 지속된 레바논 내전에 관한 기록이다. 레바논 국내외의 다양한 기록물 보관소에서 수집된 아카이브의 사진, 텍스트, 비디오 등은 그러나 객관적인 역사적 사실에 기반한 것이 아니라, 그러한 사실들을 다양한 상상의 인과관계 속에서 재구성한 허구적 내러티브에 기반한다. 라드는 이 조작된 아카이브를 통해 레바논 내전에 대한 역사의 오인과 망각, 비극과 외상의 지속성을 드러내고자 한다. 라드의 허구적 아카이브에서 사진 이미지의 역할은 매우 중요하다. 왜냐하면 사진들은 고유한 매체적 특성인 인덱스성(지시/지표적 기호기능)에 의해 라드의 역사적 상상물들에 어떤 사실적 개연성(현전적　지시성)을 부여하기 때문이다. 특히 이러한 개연성은 <아틀라스 그룹>이 소통되는 디지털적 공간에서 더욱 유의미하고 광범위한 파급력을 생산한다. 반복과 확장, 상호성과 가상성에 기반하는 디지털 기술-이미지들은 라드의 조작된 기억들을 무한한 데이터의 연접기능에 편입시킴으로써, 허구를 그럴듯한 것으로, 소통 가능한 것으로 만들어 주는 것이다. 조르쥬 디디-위베르만이 ‘지시성의 환상(fantasy of referentiality)’이라고 부른 이러한 인덱스의 디지털적 확장이 라드의 아카이브 전반에 드러난다. 논자는 실재보다 더한 실재감으로 망실된 역사적 외상을 집요히 지시하는 이러한 디지털적 인덱스들을 파라-인덱스(para-index)라는 용어로 부를 것이다. 파라-인덱스란 디지털이라는 기호 체계의 보다 큰 몸 안에 기생(parasite)하는 지표적 기호이자, 사진-인덱스의 분열과 편집증적(paranoid) 귀환 속에서 기능하는 심리적 기호이다. 논자는 이 용어를 통해 라드의 디지털 아카이브가 어떻게 레바논의 역사적 외상을 망각과 오인으로부터 귀환시키는지, 그리고 이러한 귀환이 어떻게 한 국가의 여전한 외상을 징후화하고 치유를 예기하게 되는지 살펴볼 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.2.11	kci_detailed_000015.xml
ART002108825	oai_dc	선(禪) 사상과 예술 행위	Zen thought and the artistic act	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김현숙(파리8대학교 조형 미술과)" ]	인간의 손과 신체적 움직임은 생각의 연장선 위에 놓여 있거나 생각을 확장시킨다. 그 움직임과 생각의 연장선은 작가가 작품을 제작할 때 나타나고, 그 결과물인 제작된 작품을 통해 우리는 예술가들의 사고나 철학을 살펴볼 수 있다. 그 움직임은 선사들이 자신의 제자들을 가르칠 때 몸으로 표현(행위)하는 방법을 선택하는 것과 비교할 수 있는데, 그것은 행위가 불입문자(不立文字: 법은 언어나 문자를 내세워 말하지 않고 마음으로 전함)의 원칙에 부합하는 직접적인 표현이기 때문이다. 생각이나 마음 상태의 표현은 조형 예술 공간 안에서 다양한 방법으로 나타난다. 그 방법 중에 하나로, 자연스럽게 액체를 흘리는 드리핑(dripping)이 있다. 그 방법은 나무토막이나 큰 붓을 이용해서 캔버스에 물감을 흘리거나 뿌려, 수많은 선으로 제작한 잭슨 폴록(Jackson Pollock, 1912-1956)의 그림 안에서 볼 수 있다. 의식적이거나 혹은 무의식적으로 흘린 잭슨 폴록의 드리핑은 캔버스와 가깝게 위치한 작가의 몸의 움직임에 따라 딱딱한 직선이 아닌 자연스러운 곡선을 만들어 준다. 또한 오니시 야수아키(Onishi Yasuaki, 1979-)의 설치 조각 작품에서도 드리핑 방식을 볼 수 있다. 캔버스가 아닌 공간 속으로, 수백 개의 뜨거운 접착제(hot glue)를 가늘게 흐르게 하거나 떨어뜨려 제작된 선들은 춤을 추는 듯한 몸의 움직임에 의해 나타나는 곡선이 아니다. 천장의 높이에서 부터 떨어지는 액체 접착제(핫 글루)는 중력으로 인해 떨어지는 직선이다. 지속적이고 반복적인 행위 속에서 수많은 선들을 만드는 그 두 작가의 작업 방식에서, 우리는 명상의 구성 요소들인 집중에 의한 통찰력과 무상(無想)을 찾아볼 수 있다. 작가들의 행위는 때때로 고행하는 수행자들의 모습과 닮아있다. 잭슨 폴록의 <Number 14 (Gray)>와 오니시 야수아키의 <입체의 역 전환(Reverse of volume)> 작품에서 우리는 수직과 수평의 조합인 격자를 공통적으로 찾아 볼 수 있다. 그 격자는 음과 양의 움직임처럼 균형과 조화를 나타내며, 균형과 조화가 있는 곳은 바로 명상의 공간이다. 명상은 고요한 본연의 마음을 찾음이다. 그 본연의 마음은 자유로움이고, 본래의 깨끗한 마음을 직관하고 깨달음을 얻어 자유로워지는 현상이 바로 선(禪, zen)이다. 생각, 꿈, 철학, 등, 작가의 상태를 표현한 조형 예술가들의 행위는 작품 위에 고스란히 나타나고, 작가들 본연의 마음이 담겨진 작품들을 통해 예술가들의 마음과 관객들의 마음이 서로 만난다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.2.33	kci_detailed_000015.xml
ART002108827	oai_dc	The Challenge of Colour, Yokihi, The Empress Yang kwei-fei (Kenji Mizoguchi, 1955) - Colour and Film -	The Challenge of Colour, Yokihi, The Empress Yang kwei-fei (Kenji Mizoguchi, 1955) - Colour and Film -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "쟈크린 모리소(프랑스 쎄브르 국제교육학교)" ]	Kenji Mizoguchi directed more than eighty films before 1954. He enjoyed full recognition from his peers and from audiences in Japan as well as in Western countries. In 1952 his Saikaku ichidai onna earned the Silver Lion in Venice in 1952 and so did his Ugetsu monigatari in 1953. Masaichi Nagata, president and founder of the film production firm Daiei offered him a contract for Yokihi (Empress Yang Kwei-fei) which was to be Mizoguchi’s first colour film. This co-production with the Hong-Kong based firm Run Run Shaw is about an episode from the history of China and Japan: the tragic fate of Empress Yang Kwei-fei and her noble death. The tragedy had grown into a legend when two monks, Po Chu-Yi (772-846) and Tou-Fu wrote songs about the heroine, respectively known as “The Song of the Long Regrets” and “The Ballad of the Luth”. Though the political context in 1955 was a period of hostility between China and Japan, the film was made successfully and became known as Mizoguchi’s first colour film. How developed was the research in film and colour at the time? What was Mizoguchi’s own opinion of colour in film then? How did colour contribute to the transformation of the real figure of the Empress?	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.2.91	kci_detailed_000015.xml
ART001991911	oai_dc	그래픽의 이미지와 시각 커뮤니케이션	Graphic Images and Visual Communication	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "심희정(홍익대학교)" ]	19세기를 진입하며 인쇄된 이미지를 제작하는 기술은‘리토그래피’(lithography, 단색석판화)와 ‘크로마리토그래피’(chromolithography, 다색석판화)를 통해 포스터, 전단지, 매거진, 일러스트레이션, 만화 등, 새로운 시각 형식을 배양하기 시작한다. 보다 정교하게 다듬어진 이들의 생산은 모방을 넘어서 낡음과 새로움을 잇고 낯선 것들을 연결하고 유입하는 시각 정보의 정립을 의미한다. 이러한 정황은아카데미적 모방을 뒤로 물러서게 하고 압축, 중의, 왜곡, 편집 같은 새로운 시각성과 함께 대중적 표현을 등극시키는데 새로운 시각고안물은 근대 사회에 문화적 인공물로 안착한다. ‘인쇄된 이미지’는 생산과 수요의 관계, 시각적 속성 자체의 변화에 영향을 주는 사회 변혁을 모체로 새로운 기능을 정초한다. 19세기 중반의 크로마리토그래피의 확산은 근대 사회 변혁에 대한 대중의 반응을 수용하여 새로운 시각 고안물을 배양한다. 정보적 이미지들은 개인과 집단을 연결하며 대중의 의견을 수용하는 의사소통의 기능을 안착시킨다. 발신자와 수신자, 그리고 자극과 반응의 기초한 시각 커뮤니케이션의 장을 열며 당시의 문화 현상인 센세이션의 공명을 흡수하였다. 크로마리토그래피는 의미론적이고 구문론적인 시각 문법의 변화, 및 기술적 파생이 발생시키는 대중적 시각 문화 및 새로운 미학적 준거 틀을 반영한다. 아이빈스(W.Ivins), 맥루한(M.Mcluhan), 디디-위베르만(J.DiDi-Huberman)은 시각 커뮤니케이션, 매체, 미술사적인 반경에 이론적 입지를 마련하면서 방법적으로 기호학, 심리학, 정신분석학 같은 인접학문을 수용하였다. 단선에 그치지 않는 융복합적 접근은 지각적 관점에서 이미지를 미적 정보 유입 및 유출, 그리고 집단적 정서와 상상력을 조명한다. 그래픽 이미지는 재현 방법의 전환을 의미하며 대중과시각 문화의 관계를 함축한다. 이로부터 ‘현재를 현시’하는 이러한 특성은 근대시민의 자유를 수호하는 ‘파수꾼’, 즐거운 몰입을 이끄는 ‘즐거움의 기계’, 주의를방해하는 ‘주의 기계’가 되었다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.2.35	kci_detailed_000015.xml
ART001991913	oai_dc	프로젝션미디어의 융합디자인의 사례연구	Case study of Convergence Design using Projection Media studies	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "원하연(국민대학교)" ]	프로젝션 미디어를 이용한 융합디자인은 디자이너의 창조적 상상력과 기술, 사회의 이슈와 그에 적합한 실험적 결합 방식을 통하여 다변하는 사회의 요구에 알맞게 제안된다. 본 연구는 현대의 프로젝션 미디어를 활용한 융합디자인의 분류를 통한 디자인의 기능과 표현방법은 무엇일까라는 질문에서 출발한다. 따라서연구자는 2000년대 이후 프로젝션 미디어를 활용한 실험적 융합형 디자인의 국내외의 사례를 조사하여 분석하고, 융합디자인의 개념 및 특성을 규명하고 표현방법 및 융합의 원리 관점에서 분석해보았다. 연구는 다음과 같이 진행되었다. 프로젝션 미디어가 이용된 융합디자인의 국,내외 사례 및 선행연구를 문헌연구와 온, 오프라인의 잡지, 신문, 학술지 및 논문 자료 수집을 통하여 조사하였고, 디자인의 현장 조사를 통해 프로젝션 미디어의 작품에 적용된 융합디자인을 조사하여, 디자인의 기능, 원리 및 표현방법으로 분석한다. 결론적으로 본 연구는 2000년대이후 프로젝션 미디어를 활용한 융합디자인의 사례 연구 및 분석을 통해서 혁신적 성격을 지니며 사회적 흐름에 의해 진화되고 변화될 수 있는 프로젝션 미디어에 적용된 융합의 원리 및 특성을 파악하기 위한 이론적 토대를 수립한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.2.95	kci_detailed_000015.xml
ART001992290	oai_dc	물리적 공간으로부터 감각적 공간으로의 전이 - Anish Kapoor와 Olafur Eliasson의 작품을 중심으로 -	Transference from physical space to sensorial space - Focused on the Works of Anish Kapoor and Olafur Eliasson –	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이수홍(홍익대학교); 신승연(홍익대학교)" ]	인간의 감각을 통해 물리적으로 지각 되어지는 공간과 더불어 그 안에서 발생하는 모든 것은 인지의 대상이 될 수 있고, 이것을 통한 공간의 특징지어짐은 공간 내의 정보와 이전의 경험에 따라 달라질 수 있다. 인간의 지각을 통해 새로이인식되는 공간은 유클리드적 공간의 정의를 벗어나 관람자의 경험에 따라 새로운가치를 부여받는 감각적 공간으로의 전이를 통해 관계적 특성을 갖는 공간으로탈바꿈한다. 아니쉬 카푸어는 작업을 보는 행위와 지각하는 것을 관객에게 동시에 요구하는작가로, 관람자의 정신적인 개입과 참여를 통해 자신의 작품세계로 들어갈 수 있도록 유도한다. 그의 작품에서 압도적 규모로부터 느껴지는 감각경험은 관객으로하여금 자신이 알고 있는 물리적 공간에 대한 개념을 변화시키는 계기를 만들어낸다. 실험적인 설치미술 작업을 하는 올라프 엘리아슨은 관람객이 작품을 보는행위를 넘어 체험을 통해 작품에 하나가 되어 완성시키도록 만드는 하나의 실험실과 같은 장을 전시장 안에 만들어낸다. 원래의 공간을 익숙하지 않은 공간으로탈바꿈시켜 기존 사고의 틀을 확대시키고, 공간의 확장을 경험을 통해 공간을 재인식하게 만드는 경험을 유도하는 것이다. 물리적 시각 요소만으로 이루어진 공간 연출과 그를 통해 발현되는 공간에서의 경험은 관람자가 느끼는 감정이 인지적, 지각적 요소로 확대되어 더욱 풍부하고 다양한 경험이 가능한 감각적 공간으로 재탄생 될 수 있는 것이다. 카푸어와 엘리아슨의 작업에서 보여지는 관람자의 적극적 침투를 이끌어내는작업방식은 관객의 입장에서 보다 다양한 경험을 가능케 하여 인간의 감각을 통해 조각과 인간, 그리고 공간 사이의 관계를 보다 사색적인 경험으로 이끌어낸다. 인식의 과정을 통해 함께 만들어가는 이러한 공간 구성은 더 이상 절대 공간을추구하지 않고 우리가 바라보는 이 시간과 공간을 공유하며 보는 행위에 대한 우리의 인식을 바꾸고 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.2.55	kci_detailed_000015.xml
ART001991912	oai_dc	현대판화의 개념과 표현 확장	The Concept of Contemporary Printmaking and Extension of Expression	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "신상우(충북대학교 조형예술학과)" ]	우리사회는 물질 만능주의적 자본주의의 경제 이데올로기와 디지털 기술의 급격한 발달로 인해 기존의 작품 이미지가 대량으로 복제되어 대중매체를 통해 확산되고, 작품이 가지는 고유성이 일상적 의미로 전이되는 아이러니한 시각적 융합과 대중적 소통이라는 뉴미디어(New Media)의 시대에 들어섰다. 문화․예술 분야에서도 다양한 매체(사진 및 영상, 인터렉티브 설치, 인터넷, 스마트폰, 3D디지털기기)들의 활용을 통해 현실을 투영하는 예술가들이 주목을 받게 되었으며, 탈근대주의 개념인 주체의 상실로 인한 예술의 종말론과 더불어 창조자의 죽음, 대중의 탄생이라는 보다 일상화된 미시서사적 해석방법이 제시되고있는데 이는 곧 예술은 일상과 격리된 별개의 것이 아닌 그 시대의 창의적 방식에 따라 무한하게 재창조되어 나타난다는 사실을 의미한다. 특히 판화라는 장르는 그 특성 및 표현방식이 다른 예술분야보다도 더욱 현재그리고 나아가 미래지향적인 삶과 밀접한 관계를 가진다. 대량생산 및 복제가 가지는 복수성, 기법의 상충과 간접적인 매체적 변형의 접목을 통한 우연성, 정보의확장 그리고 전달 기능을 통한 대중과의 소통체계 또한 판화 예술만의 독특한 복합적 양식이며, 이러한 점이 다른 미술 분야보다 판화가 가지는 미래적 가능성과진보성의 가치가 더욱 특별함을 입증해 주고 있다. 이처럼 다양한 장르를 하나의 흔적과 지표로 묶어 또 다른 실험적 장르로 재탄생하게 하는 판화미술의 현대성은 판화가 표현이라는 피상적 가치를 초월해 현대미술의 중심에 있으며, 복제와 첨단으로 대변되는 포스트모던(Post Modern) 시대를 거쳐 미래지향적인 또 다른 순수한 열정의 근원으로서 다시 연구되고 조명되어야 한다는 필요성을 제시하고 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.2.75	kci_detailed_000015.xml
ART001991910	oai_dc	쩡판즈의 작품에서 나타나는 권력으로의 성찬	The banquet as a global figure of power in the work of Zeng Fanzhi	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "Christine VIAL-KAYSER(프랑스, 카톨릭 대학 미술사 석사)" ]	The work of Chinese contemporary artist Zeng Fanzhi (b. 1964 in Wuhan, who lives and works in Beijing since 1993), is marked by an acute sense of the loneliness of the individual confronted with all powerful institutions when collective life (gong) invades personal life (si) and forces everyone to conform to social norms, or collective dark forces, a situation enforced in China during the Cultural Revolution, but still largely in place despite the economic reforms of 1978 onward. It is not surprising then that eyes and masks figure prominently in his works, either as the large eyes on the still faces of onlookers, in the Hospital series of the early 1990s, or as puppet eyes, marked with a cross on a white mask figure, in the Masks series of the late 1990s. The motif of the mask in Zeng’s painting emulates the actual strategy of Chinese people, both during his childhood and in contemporary China, to eschew social exclusion by melting into the crowd, by making one’s opinions invisible, but also the neurosis that this induces, between facial harmony and hidden violence. His work The Last Supper is a striking example of this concern. With its focus on the table of the banquet and on the masked figures’ emphatic gestures, it foregrounds this psychological split. Conflating markers of a classroom (figures wearing school uniforms and walls covered with blackboards) with that of a conclave, taken from the construction and historical meaning of the Last Supper mixed with the settings of the Chinese Communist Party’s congresses, it suggests that this neurosis is at play both within individuals and within institutions and is instilled through the emotional manipulation of gullible people. This essay will consider how the artist has used this Western representation of a crisis (a betrayal that leads to the death of Christ) to express a sense of inner crisis which origins stem from the internalization of official lies. It will be argued that in his transformation of Da Vinci’s Last Supper the artist displays a profound understanding of its spiritual meaning during the Renaissance. Zeng also aptly coalesces this representation with the mundane meaning of the banquet, as a locus of power struggle, a symbolism that is alive in Chinese culture, in multiple ways: through that of the banquet offered as a gift, related to guanxi practices, through the congress of the Communist Party, captured by the medias through the image of party members seated together behind wooden tables under the golden stars of the Congress ceiling, and even through the mythical image of the “Banquet of the king”, related to the founding of the Han Dynasty. For all its political underpinning, the work also manifests a questioning of the concept of individual self, separate from the collective, its aim and psychological implications. The presence of multiple Christian references in Zeng’s works suggests a Nietzschean refusal of the spirit of sacrifice in favor of an hedonistic individualism, combined with a sense of malaise regarding the meaninglessness of this individualism that can be related to Kierkegaard’s, as expressed in his own In vino veritas, yet another work in which the theme of the banquet is convened….	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.2.9	kci_detailed_000015.xml
ART002019182	oai_dc	'엮기'의 조형을 통한 '매달기' 설치오브제의 생명 개념에 관한 연구 - 박홍필의 작품을 중심으로	A research for the conception of 'Hanging' on installation object through the modeling of 'Weaving' - By Park Hong Phil's work of art -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "박홍필(홍익대학교)" ]	박홍필의 매달기의 조형개념은 설치미술의 영역을 확장하는 작업으로서 인체에서 벗어나 생물과 인간 사고의 대상인 사물과 유기적으로 연결되어 있는 생명의실체를 탐구하고 있다. 박홍필의 ‘엮기’는 들뢰즈의 리좀과 같이 인간과 자연의생명들을 보이지 않게 연결시키는 망을 표현하고 있다. 엮기는 지속적인 반복을통하여 형태를 만들어 내며, 형태는 원초적인 단순한 고리의 형태를 벗어나 새로운 형태를 만들어 낸다. 이러한 형태는 들뢰즈의 리좀의 개념과 같이 형태와구조상에서 위계적이지 않고 어느 것이 먼저고 어느 것이 나중이라는 개념으로서원초적인 단순한 고리의 형태를 벗어나 새로운 형태를 만들어 낸다. 박홍필의 매달기의 조형 개념은 엮기의 오브제의 개념과 밀접한 관련을 맺고있다. 박홍필의 조형 개념은 공산품보다는 자연 재료를 소재로 가느다란 그물망으로 제작한 엮기의 오브제에서 비롯된다. 박홍필의 엮기 오브제와 매달기의 조형 개념은 엮기의 형태가 끊임없이 반복되며, 바람에 흔들리는 순간 움직임이 있으며 관람자가 그 앞을 지나는 순간에도 움직임이 있다. 그렇기에 박홍필의 엮기의 오브제는 니코스 스탠코스가 현대미술의 특징이라고 말한 ‘우연’의 요소를 지니고 있다. 엮기 오브제의 매듭에 있는 원형의 사각형과 설치를 통해 생기는 그림자의 형태 또한 박홍필의 매달기의 조형 개념을 구성하는 주된 요소이다. 원형의 사각형은 생명체의 상징을 의미하며, 그물망은 생명체 간의 보이지 않게 연결되어 있는유기적인 선들을 표현 한 것이다. 그림자는 생명체의 죽음 이후의 세계 이다. 이러한 조형의 상징은 들뢰즈의 개념을 수용하였으며, 살아있는 생명의 이미지를상징적으로 표현하고 있는 것이다. 그것은 들뢰즈. 가타리의 생명의 개념을 차용한 것으로써 생명인 동시에 죽음으로써의, 생명의 실체라고 말할 수 있는 데, 들뢰즈의 의미에서 해석하자면 이 신체나 저 신체의 죽음은 전혀 부정적인 것이 아니며, 유기체의 죽음이 없다면 변화도 진정한 생명도 그 근본적인 의미에서 존재하지 않는다는 것을 의미하는 것이다. 즉 박홍필의 매달기의 조형 개념은 인체에서 벗어나 유기적으로 연결되어 있는생명의 실체를 엮기의 오브제를 통해 상징적으로 표현한 것이며, 현대 미술의 주된 주제가 되는 생명의 개념을 인간 중심에서 벗어나 생물을 비롯하여 인간사고의 대상인 사물과 죽음이후의 세계까지 확장하고 있는 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.3.57	kci_detailed_000015.xml
ART002019184	oai_dc	살가도 사진의 도상성과 다큐멘터리 휴머니즘	Sebastião Salgado's Iconography and Documentary Photography Humanism	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김민정(숭실대학교); 윤준성(숭실대학교)" ]	마크 로스코가 비극의 경험이 예술의 원천이라고 말하는 것처럼 사진작가 세바스치앙 살가도(Sebastião Salgado, 1944∼)의 작업도 아프리카와 중남미 그리고 세계 곳곳에서 일어나는 인류의 비극적 서사장면을 포착하고 있다. 살가도는1944년 브라질에서 태어나 경제학 수학 후 국제커피기구 출장 중 일하는 노동자들을 찍은 사진들로 사진의 길은 시작되었다. 이후 일련의 긴 시간을 요하는 장기 프로젝트로 이어졌으며 곳곳에서 포착한 사진들은 인류의 고통을 보여준다. 세계화의 이면에 있는 소외되고 보이지 않는 인류의 가난과 고통에서 삶을 지탱하는 사람들의 멜랑콜리를 통하여 휴머니즘 사진을 이끌어낸다. 인류의 비참함안에서 삶의 근원인 생명력을 끌어가는 개인과 사회의 처절한 현실을 기독교적도상성을 이용한 아름다움으로 승화시켜 사진으로 말한다. 언어로서의 사진이고드라마로서의 사진 작업은 전율과 아름다움이 공존하는 이미지의 창출이며 비극적 상황을 예술이라는 매체를 통하여 순화시켜 인류에게 고하고 생각하게 하는메시지이다. 그의 사진은 하나의 행위가 아니라 삶이며 생각을 나타낸다. 지구와 인간과의관계, 인간과 인간과의 관계를 통하여 현실의 어두움을 살아있기에 움직이고 움직이는 것이기에 살아있는 것으로 보여주는 사진이며 인류에게 보내는 각성의 소리침이고 휴머니즘의 표현이다. 노동으로 살아가는 인간의 처절함에 대한 그의경의는 산업사회 속에 감춰진 어두운 현실 속에서 아름다움과 생명력으로 승화된다. 개인과 사회가 갖고 있는 멜랑콜리의 정서로 절망을 이겨내고 부정의 정서안에서 빛을 발하는 명랑성으로 치환되어 전진하는 전사의 힘으로 버티고 살아내는 개인들의 모습에서 희망을 전한다. 인류전체가 나아갈 방향을 예술사진 방식으로 멜랑콜리 정서는 다큐멘터리사진을 매개체로 하여 휴머니즘에 이르는 사유와 개인의 사상을 대중에게 설파하고 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.3.77	kci_detailed_000015.xml
ART002019180	oai_dc	공공미술에 나타난 조각의 장소특정성 활용방안연구	A Study on methods for site specific uses of public art focused on sculpture	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이수홍(홍익대학교); 김범수(홍익대학교)" ]	글로벌리즘 시대, 각 나라의 도시공간들이 균질화되어 가는 추세 속에서 장소특정성(site-specific)은 특별한 의미를 지닌다. 장소 특정적 공공미술은 이러한몰개성적인 도시공간에 활력을 불어넣고 그 도시만의 정체성을 부여한다. 이렇듯공공미술에서 장소특정성의 개념이 중요하게 대두되면서 대표적인 공간예술인 동시에 장소적 맥락을 중요시하는 조각에 대한 집중적 논의가 전개되고 있다. 하지만 제대로 조율되지 않은 장소특정성에 대한 무분별한 개념의 확대와 혼용은 이에 대한 소모적 담론과 혼란만 가중시켰다. 본 연구는 이제까지 진행되어온 이전 장소 특정적 공공미술의 한계와 문제점을되짚어보고 보다 한국사회에 적합한 통합적 패러다임으로서 공공미술이 기능하기위해 어떠한 접근방식과 논의가 필요한가에 대한 의문에서 시작한다. 이러한 의문에 근거를 마련하고자 본 연구자는 우선 장소개념에 대한 재규정과함께 20세기에 다양한 ‘대안적 장소’담론에서 자주 언급되는 질 들뢰즈(Gilles Deleuze)의 장소론에 등장하는 사건(event) 개념과 안느 수리오(Anne Souriau) 의 디에제티크(diégétique)의 공간을 철학적 관점에서 접근함으로써 장소 특정적미술이 각 시대에 나타난 장소 담론들과 어떠한 접점을 가질 수 있는지에 대해집중 분석한다. 그리고 위 담론의 대표적 실천 사례인 리차드 세라의 <기울어진 호>와 독일의뮌스터 조각프로젝트의 장, 단점과 특이사항을 분석함으로서 향후 우리나라 공공미술 프로젝트가 어떠한 방향으로 전개되어 나아가야 하는가에 대한 시사점을 제공하고자 했다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.3.37	kci_detailed_000015.xml
ART002019179	oai_dc	제임스 터렐과 빌 비올라의 작품 안에서 감동과 정화	The Emotion and catharsis in works of James Turrell and Bill Viola	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김현숙(파리8대학교 조형 미술과)" ]	예술 작품 안에서, 우리의 감각과 감성적 의식은, 미학적 개념과 경험을 바탕으로, 글이나, 시, 음악, 이미지, 또는 춤, 등에 독특한 느낌을 받았을 때 활동한다. 미학적 감동에 관한 표현은 아름다움을 기준으로 반응하는 감정과 관련이 있는용어들이며, 관객이 작품을 보면서 느낄 수 있는 감성적 체험은 각 개인의 경험에 연관되어 다르게 나타난다. 더욱이, 미적 감각에 사용되는 용어들은 각 나라의역사적, 철학적인 배경에 영향을 받아, 그 나라의 고유한 언어로 표현된다. 서양의 사상가들은 미학적 시점에서 감각적 지각을 구성하는 감정들에 대해 연구하고, 아리스토텔레스(Aristote)는 『시학, 포에틱스(Poetics)』에서 격동적으로 생성되는 심적인 동요의 반영은, 비극의 중심에 있다고 하며, ‘이러한 감동(마음의 동요)들의 카타르시스(catharsis)’라는 표현을 사용한다. 이 논문은 감정, 감동, 감수성등, 감각과 감성의 여러 가지 느낌들을 표현할 때 쓰이는 한국어의 ‘감’이라는 단어와 연관이 있는 총칭적인 용어를 나열해 보고, 설치 작품과 비디오 영상 작품들을 분석한다. 그와 같은 감정 표현들로부터 시작해서 감동, 감정이입, 공감대와이심전심, 정화와 ‘카타르시스’ 개념에 접근하고, 정화의 의미와 연관이 있는 물에대해 알아본다. 먼저, 제임스 터렐(James Turrell)의 설치 작품인, <건즈펠드 아파니(Ganzfeld APANI)>의 눈부신 빛으로 가득한 공간 속에서, 오감의 경험을 통한 감성의 변화는 나타난다. 그 빛이 상징하는 의미는 자연의 빛도 있지만, 내면의 빛, 즉 우리자신 안에 있는 깨달음의 빛을 상기시킨다. 민감한 감성의 경험들은 여러 가지다른 감정으로 표현되는데, 우리는 그것을 빌 비올라(Bill Viola)의 <놀라는 5중주(The Quintet of the Astonished)>, 비디오 작품에서 찾아 볼 수 있다. 그 영상은 아주 느리게 상영되고, 예기치 않은 상황으로 인해 변화하는 배우들의 표정들로 읽을 수 있다. 마지막으로, 빌 비올라(Bill Viola)의 <세 여인 (Three Woman)>, 또한느리게 상영되는 작품 안에서, 세 여인이 ‘물로 된 얇은 베일’을 지날 때, 저화질의 흑백 영상은, 갑작스럽게 선명한 고화질의 컬러 영상으로 전환되는데, 그 영상속에 ‘물로 된 얇은 베일’은 순수, 정화, 세례와 같은, 여러 가지 의미를 상상하게하며, 특히 그 색의 변환은 이중성의 의미를 연상시킨다. 감정은 어떤 현상이나 상황에 따라 나타나는 마음의 표현이다. 물의 파동처럼움직이는 인간의 감성과 우리 몸 안에 가득한 물은 서로 어떤 상관관계가 있을까? 물은 담기는 그릇의 모양을 따르듯이, 외부의 영향에 의해 끊임없이 그 모습을 바꾸면서 순환하지만, 사실, 물의 본질은 변하지 않는다. 스스로 정화하는 물은 진흙 연못 속에서 피는 순수함을 상징하는 연꽃처럼, 선(Zen, 禪) 사상, 도(Tao, 道) 사상과 통한다. 마음의 그릇은 정제되어 있는 순수한 물과 닮았다. 물의 본질을 인지하고, 예술 작품을 통해 전해지는 감동, 정화, 그리고 지각의 의미에 대해 생각해본다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.3.9	kci_detailed_000015.xml
ART001902136	oai_dc	지나라자다사의 ‘원형’의 의미와 예술의 개념	The Import of Archetype and the Concept of Art by C. Jinarâjadâsa	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "조관용(동아대학교)" ]	이 논문은 지나라자다사(C. Jinarâjadâsa)의 원형의 의미와 예술의 개념을 다루고 있다. 지나라자다사의 원형 개념은 블라바츠키(H.P. Blavatsky)의 신지학 이론을 계승하여 근원적인 실체를 예술의 행위를 통해 인식하고 자각하는 데에 있다. 지나라자다사의 원형 개념은 융(C. G. Jung)이나 엘리아데(M. Eliade)와 같이플라톤의 이데아의 개념을 계승하고 있으나 융의 원형 개념이나 엘리아데의 원형개념과는 다르게 정의하고 있다. 지나라자다사의 원형 개념은 '인간 의식의 근원적 실체를 파악'하고자 하는 융의 원형 개념이나, 또는 '원초적인 시간(illud tempus)속으로 투사된 신화적 모델을 제의를 통해 반복'하는 엘리아데의 원형 개념과는 다르다. 다시 말해 지나라자다사의 원형 개념은 '의례와 재현'을 통해 인간의 근원적 의식을 자각하는 융의원형 개념이나, 또는 제의를 통해 '신화적인 모델을 반복'함으로써 자신의 근원적실체를 자각하는 엘리아데의 원형 개념은 아니다. 그리고 융의 원형 개념과 같이인간의 의식으로 경험될 수 없거나, 또는 포착되지 않는 실체는 아니다. 지나라자다사의 원형의 개념은 블라바츠키의 신지학의 이론에서 정의하는 '근원유형'의 개념을 의미하며, 물질적으로 아무것도 존재하지 않지만 잠재적으로 자연의 모든 것을 생성시킬 수 있는 공간이 지니고 있는 사유이자 상념을 의미하는것이다. 달리 말하자면 그의 원형 개념은 인간이 창조자의 사유이자 상념을 자신을 통해 구현시킴으로써 자신의 근원적 실체를 인식하는 행위이다. 예술의 행위는 지나라자다사에게 예술의 매체를 통해 원형을 계시하는 것이며,그럼으로써 자아의식을 진화시키는 것이다. 진화는 그에게 생물학적인 발전이나의식의 상승을 의미하는 것이 아니라 초월적인 세계의 것을 현실에서 내재화시키는 것, 즉 자기 자신이 지닌 신성을 해방시키는 것을 의미한다. 지나라자다사는 예술의 장르를 시간 예술과 공간 예술로 구분하고, 시간 예술은 드라마와 시와 음악으로, 공간 예술은 회화, 조각, 건축으로 나누고 있다. 시간 예술은 표현 방식에 있어서 드라마에서 시로, 시에서 음악으로 발전하며, 공간예술은 회화에서 조각으로, 조각에서 건축으로 발전한다고 말한다. 또한 각 예술장르는 시간과 공간으로 표현하는 매체에 따라 차이를 지니고 있을 지라도 원형의 개념을 중심으로 서로 상호 작용을 한다고 말한다. '드라마'와 '회화'는 그에게 '사건'을 중심으로 성격으로 인해 일어나는 '행동'의전형적인 유형을 계시한다는 점에서 서로 상호성을 지니고 있으며, '시’와 ‘조각'은 시가 상상력의 재료로부터 이미지에서 이미지를 조각한다는 점에서 서로 상호지나라자다사의 ‘원형’의 의미와 예술의 개념 83성을 지니고 있다. 또한 음악과 건축은 괴테와 레싱이 건축이 ‘결빙된 음악’이라고 한 것처럼 음악은 율동을 통해 원형을 계시하며, 건축은 음악적인 율동의 느낌을 공간에서 물질적으로 구축을 함으로써 원형을 계시하는 것이다. 지나라자다사의 원형의 개념은 블라바츠키의 신지학의 이론을 계승하여 발전시킨 개념으로 인간의 근원적인 실체를 인식하고자 하는 융의 원형 개념이나 또는제의를 통해 신화적인 모델의 행위를 반복하는 엘리아데의 원형 개념이 아니라인간뿐만 아니라 자연의 모든 사물들의 보편적인 특성을 의미하는 원형 개념이다. 인간은 지나라자다사에게 예술의 행위를...	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.3.81	kci_detailed_000015.xml
ART001902154	oai_dc	필름 큐레이팅의 실천 방법에 대한 고찰 - 90년대 이후 필름 전시와 상영 프로그램 분석을 중심으로 -	Investigation of Film Curatorial Practices - Analysis of Film Exhibitions and Programming since the 1990s -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "송지현(서강대학교); 오준호(서강대학교)" ]	본 논문은 필름 큐레이팅의 실천 방법에 대해 고찰한다. 필름은 본래 16mm,35mm 등 셀룰로이드로 된 필름 자체를 지칭하는 용어이나, 현대에서는 일반적으로 영화적 문법을 차용하는 움직이는 이미지를 폭넓게 지칭한다. 필름 큐레이팅은 영화, 미술과 미디어의 접점에서 필름 작품의 고유한 역사적 맥락과 미학적가치를 제시하기 위한 제도적 실천이다. 본 논문은 우선 현대예술에서 필름의 영역을 확장한 예술가들의 실천 과정을 검토한다. 그리고 1990년대 이후의 필름 전시와 상영 프로그램들의 분석을 통해 필름 큐레이팅의 실천적인 방법론을 모색한다. 아방가르드 영화와 비디오 아트는 영화가 현대미술의 맥락에서 수용되는 계기가 되었다. 1960년대 이후 필름을 중심으로 한 예술적 실천들은 스크린이라는평면을 넘어서, 관람객에게 건축적 경험을 제공하였다. 고전영화라는 틀을 깨고자끊임없이 탐험한 예술가들의 실천과 같이, 필름 큐레이터는 미술제도 안에서 수용할 수 없었던 필름 작품들의 역사적 맥락을 제시하기 위해서 제도를 새롭게 규정하고 확장할 수 있어야 한다. 그 실천은 공간을 새롭게 재구성하고, 전통적인상영 프로그래밍의 확장을 통해서 전개될 수 있다. 필름 큐레이터는 공간적 실천을 통해 관람객들이 공감각적으로 작품을 재구성할 수 있는 기회를 마련해주어야한다. 또한 전시 공간을 미술관이라는 제도적 공간 밖으로 확장할 수 있는 가능성을 모색해야 한다. 동시에 상영 프로그램을 통해서 관객층을 형성하고 관심을유지할 수 있도록 해야 하고, 개별 필름 작품들과 전시, 상영 공간의 역사적, 장소적 맥락들을 유기적으로 형성할 수 있는 방향을 모색해야 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.3.129	kci_detailed_000015.xml
ART001902130	oai_dc	김홍도 자화상의 자기서사(self-narrative) 방식	Form of Self-narrative on Kim, HongDo's Self-portrait	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "엄소연(한국외국어대학교 인문한국(HK) 세미오시스 연구센터)" ]	서사(narrative)는 이야기이다. 시공간에서 벌어진(또는 벌어질 만한) 사건이나인물의 행동을 서술하는 방법이다. 이때 인물이 ‘나’인 ‘자기서사(self-narrative)’의 경우, 자신의 이야기를 1인칭 서사자(敍事者)이자 주인공이 되어 말하게 되며‘나’는 대상화되어 ‘자신을 알게 되는 방식’으로 작동한다. 이러한 ‘자기서사’를 회화에 적용한 것이 자화상(self-portrait)일 것이다. 한국전통회화에 있어 자화상은 조선후기 특히, 18세기에 두드러졌는데 초상화 형식(윤두서와 강세황의 자화상)과 인물화 형식(정선과 김홍도의 자화상)으로 구분할 수있었다. 본고는 인물화 형식의 자화상 중에서 김홍도의 작품에 주목했다. 작가 자신의삶을 스스로 그린(기록한) ‘자기서사’를 자화상으로 봤으며 그 구성방식을 규명하기 위해 김홍도의 실제 삶의 궤적과 상응시켜 그의 30대의 자화상인 <사인(士人)초상>, 40대의 자화상인 <단원도(檀園圖)>, 50대의 자화상인 <포의풍류도(布衣風流圖)>를 분석 대상으로 삼았다. 아울러 이들 자화상에 표현된 시공간, 기물(器物), 인물(작가)의 구체적 행동 등의 도상적 구성이 작가의 심리적 측면인 자의식, 자기 성찰, 욕망 등을 반영한다고 여겼고, ‘명시적 공간’, ‘부연적 공간’, ‘암시적 공간’, ‘징후적 공간’의 4가지서사적인 공간을 설정하여 그 구성방식을 통해 작가의식 및 내면 심리를 보다 심층적으로 파악해 보고자 했다. 그 결과, <사인초상>은 관직에 진출한 ‘사인(士人)’ 김홍도의 자긍심과 자아의식을 극명하게 표명하는 ‘명시적 공간’과, 이를 설명하여 강조해주는 화면 왼쪽의기물들로 구성된 ‘부연적 공간’으로 볼 수 있었다. 또한 <단원도>는 40대 초반김홍도의 여유와 시(詩)·서(書)·화(畵)·음(音)을 통유한 문사(文士)로서 사대부들이전유했던 ‘아회(雅會)’를 능히 수행할 사회적, 경제적 역량의 자신감을 기물들과행위 묘사가 내포한 ‘암시적 공간’을 통해 표현했다. 50대 중반 김홍도의 자화상인 <포의풍류도>에서는 중인(中人)의 신분 이상으로 누렸던 ‘외면(外面)의 나’가아닌 ‘내면(內面)의 나’에 충실한 김홍도를 만날 수 있었다. 여기에 등장하는 기물들은 도가적, 탈속적 삶을 표상하는 ‘징후적 공간’을 구성함으로써, 김홍도가 궁극적으로 지향한 탈속적, 예술적 경지의 자기선언적 절대공간을 나타냈다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.3.65	kci_detailed_000015.xml
ART001902159	oai_dc	자크 오디아드 영화 연구- 히치콕 스릴러의 반복과 변주를 통한 장르의 재창조 -	A study of Jacques Audiard Film - Recreation of Genre by Repetition and Variation of Hitchcock Thriller -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "신정범(서경대학교)" ]	장르영화는 성공으로 인해 확립된 관습의 단순한 반복이 아닌 변용과 변주에의한 창조성과 다양성이 반영된 반복을 통한 재창조를 이루어내야 관객의 기대를만족시켜 줄 수 있다.즉 장르의 변주는 장르가 불모화되지 않도록 하는 데 절대적으로 필요하며 장르의 변주는 장르진화의 가장 큰 원동력이라 할 수 있다. 이러한 장르의 진화가 거듭될수록 장르영화는 직선적인 스토리텔링에서 불투명한자기반영성을 드러내기 시작한다. 이는 장르영화의 진화과정 중 형식과 형식의장식 그 자체가 ‘실체’이며 ‘내용’이 되는 과정을 통해 보다 화려한 스타일 지향적으로 발전해 나가는 모습을 잘 드러난다. 장르영화의 진화는 명백한 사회적 재확신에서 불투명한 자기성찰로의 진화과정을 보이는데 이는 내러티브의 강조점이 사회적 가치에서 형식의 미학적 가치로점차 이행하는 모습을 보여준다. 계속된 변주로 인해 관객들이 장르의 사회적 메시지에는 민감해지기 쉬우므로 관객들과 영화 제작자들의 관심사는 메시지 자체에서 분절화로, 이야기에서 스토리텔링을 위한 내러티브의 시각적 예술성으로 확장된다. 오디아드는 히치콕의 <이창>에 대한 오마주와 기존 장르의 주제와 컨셉트에 대한 재해석, 그리고 그것에 기인한 창조적 변주를 통해 직선적인 스토리텔링에서모호한 자기반영성을 드러내는 보다 스타일지향적인 장르진화과정의 특성을 잘보여주고 있다. 그는 장르진화과정의 변주 그 자체가 내러티브에 관한 예술성이며 영화의 환영성을 일깨워주는 환기의 방식으로 자기반영성을 드러내는 모더니즘적 색채를 <내 마음을 읽어봐>에서 잘 보여준다. 오디아드의 <내 마음을 읽어봐>는 <이창>의 장르적 반복과 변주를 통해 장르의 고전적 관습들이 세련화되며직선적인 스토리텔링에서 자의식적인 형식주의로 변화하는 장르의 진화과정을 잘드러내고 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.3.151	kci_detailed_000015.xml
ART001902037	oai_dc	명상과 진정한 공(空)의 미학	The Meditation and the Aesthetic of absolute Emptiness (空)	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김현숙(프랑스, 파리 8대학교 조형미술과)" ]	바람처럼 보이지도 잡히지도 않는 진공(眞空)이란 무엇인가? 그것은 물질적으로 비어있는 상태를 의미하는 완공과 관련이 있는 것일까? 완공을 허무주의에 비교한다면, 그와 반대로 바람처럼 보이지도 잡히지도 않는 진공은 청명함에서 일어나는 큰 지혜를 닮았다고 할 수 있다. 진공의 개념은 인도의 산스크리트어 순야(Sunya), 순야타(Sunyata)가 그 기원이 되고, 중국 한자 空 (kong)으로 쓰여지며, 한국에서는 공(空)으로 발음한다. 한글 발음으로 공은 또한, 운동 기구의 공이라는 뜻도 있지만, 숫자 ‘0’(공, 영)을 의미하기도 하는데, 우연의 일치로, 순야(Sunya) 또한, 숫자 ‘0’을 의미하기도 한다. ‘0’은 긍정과 부정, 그 어느 곳에도 치우치지 않는 중용의 이치와 일치하며, ‘0’의 모양은 선방(명상의 장소)에서 볼수 있는 일원상(一圓相, 공(空)의 상징)을 닮았다. ‘0’(공, 영)의 모양은 세상의 조화를 표현하는 음과 양을 선행하는 천극의상징으로 주역 도표에서도 찾아 볼 수 있다. 도덕경 42편에; ‘도는 하나를 낳고,하나는 둘을 낳고, 둘은 셋을 낳고, 셋은 만물을 낳는다’는 노자의 말씀처럼, 공(空)은 도(道)와도 통한다. ‘0’과 같이, 대립되는 두 가지 요소 사이에 놓여 있는 것들을 우리 주위에서도찾아볼 수 있다. 예를 들어, 문들은 외부와 내부를 나눠주는데, 특히, 한국 전통주택의 한옥 문 나무 창살 위에 붙여 있는 창호지는 중립적인 ‘0’을 상기시킨다. 창호지는 희고 비어있는 동양화의 여백처럼 쉼, 울림을 지닌 공간을 닮았으며, 그희고 ‘빈’ 공간은 쌀, 빵, 물이 다른 재료와 혼합될 때 입안에서 새로운 맛을 만들어 내듯이, 중립적인 ‘0’처럼 양쪽을 이어주는 매개체에 상응한다. 중립적인 ‘0’과 같은 물은 선(禪) 사상에 비유되며, 프랑소와 쥴리엉(FrançoisJullien)의 개념인 무미한 맛(la fadeur)과도 비교된다. 그 무미한 맛은 공기를 만지는 듯한 느낌과 비슷하며, 우리가 초연해질 때 느낄 수 있다. 우리의 삶 속에서, 오감으로 느끼는 습관적인 감각들을 던져 버리고, 우리가 소유하고 있다고 믿고 있는 모든 물질적인 것에 대한 집착에서 벗어날 때, 우리는 겨울 나무 속에숨겨져 있는 봄의 향기처럼, 우리 내면 깊은 곳에 있는 ‘절대적 침묵’과 만난다. 그 ‘절대적 침묵’은 명상을 통해 접할 수 있다. ‘나는 생각한다 그러므로 나는 존재한다’라는 데카르트의 이론과는 정반대로, 만일 내가 아무 생각도 하지 않는다면, 나는 순순한 상태, 인간 본연의 상태와 만날 수 있다. 고대 힌두교의 전설에 의하면, 인간은 그들 안에 숨겨진 신과 같은 능력을 갖명상과 진정한 공(空)의 미학 11고 있다고 한다. 그 숨겨진 능력은 깨우침과 상응하며, 노자의 도(道), 불교의 선(禪)과 공(空), 모리스 메를로-퐁티(Maurice Merleau-Ponty)의 무엇(chose)이나존재(l’Être), 그리고 질 들러즈 (Gilles Deleuze)의 생성(le devenir), 등과도 비교할 수 있다. 그 이름은 중요하지 않다. 만약 당신이 우주의 조화, 맑은 상태를경험한다면: 그것이 바로 깨우침의 경지이다. 청명한 침묵 속에서, 큰 지혜를 느낄 때, 그것이 바로 진공(眞空)이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.3.9	kci_detailed_000015.xml
ART001902038	oai_dc	현대미술안의 비물질 개념과 동양정신의 관계연구	Relationship Between Immaterial Concepts Within Contemporary Art and Oriental Spirit	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김미진(홍익대학교 미술대학원 예술기획과)" ]	예술은 역사적으로 정신과 물질이라는 큰 주제를 갖고 시대적, 사회적 상황과더불어 발전해 왔다. 현대에 와서는 유물론적인 철학적 발전과 신자본주의 사회적 체계로 인해 예술에서 물질은 더욱 중요한 주제가 되고 있다. 서구전통예술의비물질적 개념은 물질성에 대한 상대적 의미로 표현방식의 내용에 해당되었다. 동양은 정신이 중심이며 사람과 우주, 예술은 일체의 생명성에 종속된다. 즉, 모든 사물들과 사건들은 서로 연결되고 통일되어 있다는 것이 동양적 세계관이다. 따라서 서구는 실체가 언제나 근본이 되어 실체의 본질을 인식하는 것으로부터개념을 발전시켜왔다. 미술은 서양철학의 계보에 따라 수많은 형태와 내용을 만들어 냈고 미술사의 새 담론들을 탄생시켰다. 본 연구 안에서의 비물질 개념과‘도’는 구체적 사물도 아니며 형태도 없는 예술가의 일상의 실천이고 정신이며 물질이다. 서양의 ‘실체’ 안에서 ‘무(無)’의 개념을 찾아가는 것과 동양의 ‘무’안에서‘유(有)’가 탄생되는 것은 결과적으로 같은 맥락일 수 있다. 하지만 역사적으로 발전해 나가는 과정 중에서 수많은 차이를 생성해 냈다. 예술작품은 작가의 환경의영향에 따른 지각과 감각의 상호작용으로 만들어진다. 서양에서 미술은 유물론차원에서 재료와 도구의 정신적인 접촉을 비물질 개념으로 사용하였다. 비물질성의형이상학적 부분은 동양의 도, 우주의 본질, 풍경화의 여백과 같은 정신적 부분과관계가 있다. 이 연구는 현대미술 중 추상표현주의, 아르테 포베라, 대지예술 안에서 시공간에 따라 자유로운 형식을 갖는 비형식선상의 작품들을 작가의 태도까지 예술의 범주에 넣어 살펴보았다. ‘유’와 ‘무’, ‘실체’와 ‘기’는 정체공능 예술의중요한 요소다. 본 연구에서 비물질 개념은 물질뿐만 아니라 정신까지 내포하고있어 미술의 본질과 현상, 작가의 삶까지 이해할 수 있는 잠재적 차원으로 해석된다. 그리고 이는 서양예술철학의 분석적 방식과 동양의 작품과 문헌에서 추출할 수 있는 정신적 본질을 대입한 문화의 융합과 비교를 다룬다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.3.37	kci_detailed_000015.xml
ART001902144	oai_dc	디지털 상호작용예술에서 재현과 해체의 문제- 아르토와 데리다의 관점에서 보기 -	Representation and Deconstruction in Digital Interactive Art - Reading through Artaud and Derrida -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김원방(홍익대학교 미술대학원)" ]	이 논문은 디지털 매체예술 중 특히 상호작용예술(interactive art)과 인공생명예술(artificial life art)의 두드러진 특징이라고 이야기되는 '재현주의의 해체'와 '닫혀진 서사의 개방', '창발'(創發, emergence)의 문제를 비평적으로 재검토하려는시도이다. 특히 앙토냉 아르토(Antonin Artaud)의 '잔혹극'(Theatre of Cruelty)이론, 그리고 이에 대한 자끄 데리다(Jacques Derrida)의 해체주의적 논평을 빌어서 그 문제를 성찰한다. 그간 디지털예술에 대한 대부분의 이론들은, 상호작용예술이 관객에게 적극적개입을 가능하게 하고 이를 통해 이미지가 지닌 고정된 서사와 재현작용을 와해시킨다고 보며, 바로 이 점이 과거의 물질적 매체에 기반한 예술과의 중요한 차이라고 보아 왔다. 이 논문에서 우리는 그러한 기존의 관점이 경계 저편으로의초월을 지향하는 낭만주의적 관점이라 비판하고, 잔혹극에 관한 아르토와 데리다의 논의를 빌어 그러한 관점을 수정하려 시도한다. 아르토는 잔혹극이라는 연극 실험을 통해, '인위적 재현'에 갇혀진 연극의 한계를 벗어나려 시도했지만, 결국 그것은 불가능한 시도였음을 자각한다. 자끄 데리다는 그것을 해체주의적 관점에서 심화시켜 논하였으며, 그 결론은 바로 '예술에서의 재현의 폐쇄성은 결코 벗어날 수 없는 숙명' 같은 것이라는 사실이다. 고착된 서사, 의미, 형식을 벗어나려 반복 노력하더라도, 그 시도는 역시 반복적으로그 자신의 재현 안에 갇히고 마는 무력한 시도일 뿐이다. 형식의 파괴와 저항은외부를 향한 폭발이 아니라 한계 내에서의 내파와 같은 것이다. 이러한 관점을 디지털 상호작용예술과 디지털 인공생명예술에 적용해 보면, 시뮬레이션을 통해 실행되는 변화, 우연, 창발의 효과들은 연극적 재현 속에 갇혀있는 효과, '非재현의 재현'에 불과하다. 이러한 상황에서 가능한 유일한 시도는잔혹극의 경우에서처럼, 비록 무의미하지만 멈출 수 없는 반복이다. 따라서 디지털 상호작용예술은 낭만주의적 저항의 미학이 아니라, 고착된 형태와 재현을 추구하면서 파괴하는 '역설의 미학', 혹은 '위반의 미학'으로 이해되어야 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.3.105	kci_detailed_000015.xml
ART001876398	oai_dc	동시대 예술에서 ‘장치(Dispositif)’개념의 분석	Analysis of the notion of ‘Dispositif’ in Contemporary Art	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "노영훈(홍익대학교 환경미술연구소)" ]	‘장치(Dispositif)’개념에 있어, 기술문명 발달은 도구에서 장치로의 외형적인 기계적 진화와 더불어, 개념상 ‘의미의 진화’를 거듭하였다. 미셀 푸코의 학교, 병원, 군대의 의미로 회자되었던 규율 장치의 개념은 조르지오 아감벤(G.Agamben)을 통해 ‘생명체들의 담론, 의견, 행동 등을 규제하고 통제하는 능력을 가진 장치’로 해석되며 그 범위를 확대하였다. 특히, 이것은 조형예술의 역사적 맥락 속에서 ‘설치’ 개념과 관계되어, «허구장치»(1985)라는 제목의 전시에 이어 «장치-조각»(1981)라는 제목의 전시로 프랑스와 독일에서 각각 개최된 전례가 있다. 수잔 파제(Suzanne Pagé)가 “속임수들, 가식, 은유적 외관, 은폐의 형태로 허구 속에서 점진적으로 미끄러지며 언어와 공간의 분절에 개입하는 정신적이고 형식적인 장치” (Dispositif-Fiction, éd. Musée d’art Modern de la ville de Paris, 1985, p.3)라고 전시 카탈로그 서문에서 밝혔던 것처럼, ‘장치’의 개념은 그 활용과 정의가 특정한 정의를 위해 사용되거나, 여러 사용자들에 의해 빈번하게 수정되고 확대되며 오늘에 이르렀다. 또한, 장치 개념은 인간 사유의 기저에 자리잡은 언어와 텍스트로부터 사물, 공간, 환경, 관계의 개념에 이르기까지, 주체를 의도적으로 배열·배치하여 통제하는장치만의 특이한 ‘전략’을 구사하며 일상 속에 그 본연의 모습을 감춘다. 이는 플로랑스 드 메르디외(Florence de Mѐredieu)가 로버트 아르디안(Robert Ardien)을 거론하며 밝힌 ‘화면의 저편에 있는 공간에 접속하기’ 위한 화면 위의 아이콘에서 파악 가능한 것처럼, 주체의 인식과 지각은 눈앞의 배치물에 의해 이쪽에서저쪽으로 넘나들기도 하는 ‘가상적’이고 ‘잠재적인’ 장치의 영역에 직면한 것이사실이다. 동시대 예술영역에서 ‘장치’를 사유한다는 것은, 보이지 않는 장치의힘으로 가득한 세상의 발전에 따른 기술적 고려만이 아닌, 지각과 그 지각을 자각하는 주체에 대한 질문이기도 하다. 이러한 맥락에서, ‘비장치’(non-dispositif)’의 특성은 학습되지 않은 미완의 인격으로서 전문적 교육을 받지 않은 브리꼴라주 하는 사람((Bricoleur)의 특징을의미한다. 다시 말하면, 이러한 개성은 장치의 속성에 내포된 부정적 속성을 띄지않는다. ‘장치적 인간성’는 근대 교육 시스템 및 기관에 의해 효율성의 전략 위에서 생겨났으며, 통제되고 획일화된 개성의 개념은 비인격화 및 인간 소외를 지시할 뿐 아니라, 개성들의 다양성이란 점에서 위험을 경고한다. 위의 설명들은 실제적인 예술 작품의 전시에서 ‘가상’에 기초한 전시에 이르기까지 전시적 주체의 특성에 적용 될 수 있다. 특히 가상에 기초한 주체의 몰입과 몰두는 ‘비장치’적인 관점에서 ‘탈선의 맥락’, 즉 ‘경계 위의 사건’이라 할 수 있으며, 주체의 작동을 설명하는 또 다른 유형일 수 있다. 결국, 장치의 제거를 위한 끊임없는 주체의 허구성에 대한 ‘자각(自覺)’과 ‘각성(覺醒)’은 예술과 삶의 영역에서 항상 ‘창조적’인 삶의 주체로 거듭나게 할 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.2.53	kci_detailed_000015.xml
ART001876400	oai_dc	전문가 시스템에 기반한 추상화를 이해하는 인공지능엔진 설계- 몬드리안 추상화 이해 인공지능 엔진 -	A Design of Artificial Intelligence Engine to Understand Abstract Art based on Expert System - An Artificial Intelligence Engine to Understand Mondrian's Abstract Art -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이은미(숭실대학교 미디어학과); 이강희(숭실대학교)" ]	추상미술은 색채, 질감, 선, 창조된 형태 등의 추상적 요소로만 작품을 표현하므로 전문적 식견이 없는 일반인들이 이해하기가 어렵다. 본 연구에서는 추상화를 감상하고 분석하는 전문가들의 지식 체계와 규칙을 활용함으로써 추상화에 대한 이해가 낮은 일반인들의 추상 미술에 대한 접근과 이해를 높일 수 있는 전문가 시스템 기반 인공 지능을 설계하고 제안한다. 일반적인 모든 추상화를 이해하기 위한 초기 연구 단계로서 본 연구에서는 추상화의 중요한 선구자 중 하나인몬드리안의 추상화를 중심으로 시스템을 설계하였다. 제안된 시스템은 추상화에대한 식견이 없는 일반인 감상자에게 자신의 성격과 성향에 맞는 몬드리안의 작품을 추천해 주는 전문가 시스템 기반의 인공 지능 엔진이다. 전문가들의 지식을얻기 위해 문헌 분석을 수행하여 몬드리안의 추상화를 구성하는 조형 요소를 다섯 가지로 분류하고, 이를 사용자의 성향과 성격에 대해 정형화하여 전문가 시스템을 구성하기 위한 지식 베이스와 추론 엔진을 설계한다. 추론 엔진은 5개 그룹의 15가지 규칙을 바탕으로 규칙 점화를 조합하여 사용자에게 추천 작품을 제시한다. 설계된 지식 기반과 추론 엔진은 몬드리안의 대표작에 대해 검증하고 평가된다. 논문에서는 추상화를 이해하는 인공지능 엔진의 초기적인 연구 단계로서 추상화의 구성 요소들을 독립적으로 평가하고 이해하는 추론 엔진을 설계한다. 제안된 시스템이 몬드리안의 작품이 내포한 모든 의미와 다양한 해석을 제공할 수는없지만, 다양한 문헌에서 제시되는 핵심적이고 공통적인 조형 요소의 해석을 포함하고 있다. 제안한 인공 지능엔진은 추상화의 구성 요소들을 독립적으로 평가하고 이해하고 있으나 향후 연구에서는 각 조형 요소들의 복합적인 관계를 고려한 더 일반화된 규칙 체계를 설계함으로써 연구의 내용을 발전시켜 나갈 계획이다. 본 연구를 통해 추상 미술에 대한 접근과 이해를 높이고 더 나아가 감성 컴퓨팅과 같은 예술의 영역을 확장하기 위한 미래 지향적 연구의 토대를 마련하고자 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.2.103	kci_detailed_000015.xml
ART001876401	oai_dc	유아들의 형태와 색채 인지과정에서 스트룹효과 실험연구	A Experimental Study on the Stroop Effect of Children's Color and Shape Recognition	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "신지은(홍익대학교)" ]	본 연구는 서울의 유치원의 아동 연령별 3개 반의 아동 60명을 대상으로 색채조건과 형태조건의 지각에 대한 실험을 시행한 결과 첫째, 피실험 아동들은 일치조건, 불일치조건, 중립조건 모두에서 일관되게 컬러조건에 대한 반응이 빠르게나타났다. 둘째, 5.30세와 6.50세의 연령대에서도 색채반응이 형태반응에 비해 높았고, 일치, 불일치, 중립 자극에 따라 색채에 대한 반응시간이 빨랐으나 5.30세이하와 5.70세 이상의 연령집단에 따라 색채 반응시간에 차이는 없었다. 셋째, 색채 중립의 반응시간이 가장 빨랐고, 형태 불일치가 가장 느렸고, 색채자극에 대한반응이 형태자극에 대한 반응에 비해 빨랐으며 불일치와 중립 간 반응시간의 유의한 차이가 있었다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.2.119	kci_detailed_000015.xml
ART001876402	oai_dc	빈곤을 재생산하는 도시빈민 가족의 아비투스- 영화 <똥파리>를 중심으로 -	A Study On A Urban Poor Family Habitus Which Reproduces Poverty - Focused on the film <Breathless> -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "신윤진(고려대학교 언론학과)" ]	이 논문은 빈곤의 악순환이 어지고 그 결과 기존의 사회구조를 재생산하는 장으로서 기능하는 근대 가족, 특히 빈민가족의 현실을 영화 <똥파리>에 대한 내러티브 분석을 통해 살펴보고 있다. 가족은 사회경제적 구조와 특수한 역사적 배경 속에서 구성된다. 자본주의 사회에서 가족은 사회구조를 재생산하는 역할을 하는 동시에 냉혹한 시장으로부터의 벗어난 안식처와 같은 역할을 요구받는다. 이러한 복합성으로 인해 한국사회의 가족에는 유교적 가족이념, 도구주의 가족이념, 서정주의 가족이념, 개인주의가족이념, 개인주의 가족이념이 공존한다고 볼 수 있다. 이 영화에서 의미 있게 표현되고 있는 가족 이데올로기는 서정주의적 가족이념이다. 기존 사회구조를 재생산하는 역할을 담당하는 가족이 아이러니하게도 자본주의 사회의 냉혹한 현실에서 벗어난 ‘피난처’로서 인식된다. 즉, 가족은 정의롭지 못하고 삭막한 시장으로부터 차단하는 도덕적 안식처로 받아들여지는 것이다. ‘정상가족’은 그러한 가족의 사회적 기능이 보편적이고 정당한 것이라는 인식을심어준다. 가족은 삶의 구체적인 조건들을 제공하며, 계급에 따라 특징적인 취미, 기호,기질, 이데올로기적인 정향 등을 형성시키는 구심점이 된다. 부르디외의 아비투스는 이러한 현상을 설명하는 개념 도구이다. 근대의 희생양인 도시빈민가의 가족은 그들의 독특한 생활양식을 가지고 있다. 2009년에 개봉한 영화 <똥파리>는 자본주의 사회의 구조적인 배제 속에서 일상적인 폭력과 욕설, 무기력과 같은 독특한 생활양식이 형성되고 이러한 도시빈민의 아비투스는 빈곤 계층을 재생산하는 기반이 되고 있음을 보여준다. 이 영화는산업사회의 가족 이데올로기에 기반한 정상가족은 빈민가족에게는 다다를 수 없는 신기루일 뿐이라는 점을 잔인할 정도로 생생하게 고발하고 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.2.137	kci_detailed_000015.xml
ART001876394	oai_dc	물성으로서의 한국현대판화 연구	A study on the Korean contemporary printmaking as materiality	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이지현(홍익대학교); 임영길(홍익대학교)" ]	본 연구는 한국현대판화에서 다양한 물성의 양상을 고찰하려는 시도이다. 이는 한국현대판화의 역사적 맥락을 고려하면서, 물성의 동시대성과 그 이론적 가능성을 모색하는 것이다. 판화는 전통적으로 다양한 물성을 실험하면서 성립한 예술이다. 판화는 자신의 ‘패러다임’ 안에서 다양한 물성 변화를 함축하고 있으며, 현재 그 변화는새로운 차원에서 전개되고 있다. 이에 현대판화사에 내재한 물성을 탐색하고 논의를제기하는 것은 판화의 예술 형식, 존재방식에 대한 근본적인 물음과 같다. 그러나 물성에 대한 연구는 한국현대미술사에서 1970년대 모노크롬회화에 집중되어 있을 뿐,그 중요성에 비해 판화의 물성은 국내외 선행연구의 부재와 이론적 토대가 마련되어있지 않은 것이 사실이다. 따라서 본 연구는 물성의 정의와 범주를 규정하고 하나의방법론으로써의 가능성을 제안한다. 협의적으로 물성은 예술작품의 질료적 속성으로 정의하지만, 광의적으로 매체의 물리적 속성을 너머서 그것이 함축하고 있는 다양한 정신적인 가치들을 포함한다. 여기서 물성은 경험적이면서도 초월적인 관점의 메타 개념으로서, 그 범주는 예술작품의실존적 양식인 예술 형식에서부터 조형 이념까지에 이른다. 그래서 물성에 대한 접근방법은 다각적인 측면이 요구된다. 이러한 관점에서 본문은 물성을 하나의 축으로 삼아 현대판화사를 크게 세 시기로 구분하고, 각 시대에서 보이는 두드러진 물성의 양상을 주제별로 기술하고 있다. 예컨대 서구와 일본에서 유입된 한국현대판화가 정착하는 시기는 전후 대략 50~60년대이며, 목판, 석판, 동판 등 매체의 고유한 물성을탐구하던 시기이다. 다음으로, 판화의 현대적 기틀이 잡히는 동시에 산업이 발달하면서 물성의 다변화 양상이 드러나는 시기이다. 이 시기는 다시 주제에 따라 네 시기로구분하였고, 사물의 본질 추구, 평면의 물성 탐구, 사회적 소통과 이념의 생산, 산업사회를 표상하는 물성적 표현이 그것이다. 비록 이것은 연대기적인 서술을 의도한 것은 아니지만 한국현대판화사와 궤를 같이 하며 60~ 80년대를 형성한다. 마지막으로,90년대 이후 동시대까지, 현대기술매체는 물성을 가장 극명하게 변화시키고 있는 요인이다. 디지털 가상공간에서 물성은 비물질적으로 존재하며, 판화는 그것을 다시 3차원의 공간에 실재적인 물성으로 실현시키고 있다. 요컨대 물성의 새로움을 발견하는 것은 예술 작품의 새로운 존재방식을 발견하는것과 같다. 예시 작품들은 되도록 현대적 관점으로 해석하였고, 그것은 한국현대판화내에 존재하는 물성의 동시대성을 살펴 한국현대판화의 새로운 정체성에 대한 물음을제기한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.2.9	kci_detailed_000015.xml
ART001876399	oai_dc	쟝 뒤뷔페의 ‘조각’과 ‘예술적 창조’ - 『네그루의 나무』와 『굴뚝 있는 보일러』를 중심으로 -	The ‘artistic creation’ and the ‘sculpture’ of Jean Dubuffet - around 『Group of four trees』and『Boiler with chimney』	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김성하(삐꺄디 쥘 베른 대학교 예술-미학연구센터)" ]	조형예술가로서 뿐만 아니라 이론가로서 쟝 뒤뷔페는 ‘앵포르멜(Informel)’과 ‘아르 브뤼(L’Art Brut)’개념으로 잘 알려져 있다. 또한 『반문화적 입장(PositionAnticulturelle)』 (1951), 『질식시키는 문화(Asphyxiante Culture)』 (1968) 등의 글을 통하여 서구문화를 강하게 비판한다. 이러한 사상적 배경에서 뒤뷔페는 1940년대에 ‘오뜨-빠뜨(hautes-pates)’라는, 1950년대에 ‘아쌍블라쥬(assemblages)’라는조형기법을 주로 사용하여 기존의 전통적 회화양식을 거부한다. 그리고 1962년부터‘우를루프(l’hourloupe)’라 불리는 뒤뷔페 자신의 고유한 조형언어를 통하여 캔버스의 이차원적 평면으로부터 벗어나 3차원 공간에 입체 조형 작품을 선보이게 된다. 하지만 뒤뷔페 자신은 이를 조각이라 부르길 원하지 않는다. 그래서 자신의 글을 통하여, 회화도 아니며 조각도 아닌 예술적 창조로서 조형 작품일 뿐이라고 밝힌다. 뒤뷔페는 인간 이성에 대한 지나친 믿음으로부터 발생한 서구문화의 잘못된 발전을 강도 높게 비판한다, 그에 따르면 위계적 질서에 고착화 된 문화구조가 예술을 오염시킨다. 그리고 문화에 감염된 예술은 일반 대중들로부터 멀어져 일상에서 만나는, 즉 거리의 사람들이 사용하는 ‘세속언어’가 아닌, 폐쇄적이고 위계적인 교회의 사제들이 사용하는 ‘의식언어’를 사용할 뿐이다. 그래서 뒤뷔페는 이를 두고 ‘죽은 언어’를 사용하는 예술 혹은 ‘문화적 상’이라고 비판한다. 반면, 문화로부터 감염되지 않고 ‘세속언어’를 사용하는 예술이 진정한 의미에서 ‘예술적창조로서의 상’이라고 강조한다. 『네그루의 나무(Groupe de quatre Arbres)』(1972)와 『굴뚝 있는 보일러(Chaufferie avec cheminée)』 (1996)를 중심으로‘예술적 창조로서의 상‘이 어떻게 전통적 조각과 다르게 해석될 수 있는 지를, 닮음, 사유, 시선, 보는 주체와 보여 지는 대상간의 일정거리, 현실 공간, 재료, 색등에 대한 물음을 통하여 살펴본다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.2.85	kci_detailed_000015.xml
ART001876396	oai_dc	색면(Color Field)을 사용한 작품에서의 숭고미	The Sublime in the Works Using Color Field	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이지희(한양여자대학교)" ]	조형예술에서 색은 매우 중요한 요소이다. 색은 물체의 완벽한 묘사를 위해 필요하고 색 자체가 가지고 있는 성격에 따라 그림의 분위기가 변화된다. 추상화가 나오면서 색은 사실적인 표현을 위한 도구에서 벗어나 독립적인 요소로 부각되었으나 여전히 조형적인 목적이나 작가의 감정을 표현하기 위해 사용되었다. 뉴먼과 로스코는 색면을 통해 미를 추구하기보다는 숭고한 감정을 일으키는작업을 하였고, 로버트 어윈이나 제임스 터렐 등 라이트 아트 작가들도 빛의 색을 이용하여 숭고미를 표현하였다. 물감과 빛이라는 재료는 다르지만 이러한 작업들은 색을 통해 관객에게 숭고의 감정을 일으키고 있다. 롱기누스에서부터 수사학이나 연설과 관련하여 논의된 숭고에 대한 개념은 칸트에 이르러 미와는 다른 개념으로 분류한다. 아름다운 것과 숭고한 것은 모두그 자체로 만족을 준다는 점에서 일치하나 숭고는 무한정성이 대상에서 또는 대상의 자극에 의해 표상되고 몰형식적 대상에서도 찾아볼 수 있는 것이다. 미는직접적으로 생을 촉진하는 감정을 함유하고 있으나 숭고의 감정은 오직 간접적으로 일어나는 쾌감으로 자기보존과 관계있는 것으로 보았다. 리요타르에 이르러포스트모더니즘과 연결되면서 숭고미에 대한 재인식이 이루어지게 되었다. 관객에게 숭고의 감정을 일으키기 위해 색이나 빛은 2차원 평면의 틀이나 3차원 공간 전체에 제한되지 않고 확산된다. 안료에 비해 더 선명하고 비물질적인성격을 갖고 있는 빛은 테크놀로지의 발달과 LED 개발로 수백만 가지의 색을표현할 수 있게 되면서 빛에 의한 작품들은 다양한 매체와 기법을 바탕으로 발전하고 있다. 숭고미를 주는 색면 작품들은 거대한 크기의 대형 화면과 빛으로 채워진 공간의 크기로 인해 숭고의 감정을 일으킨다는 공통된 특징을 가지고 있다. 색면과색면 사이의 모호함이나 빛 번짐으로 인해 생겨난 블러(blur) 효과는 정확한 경계를 모호하게 하여 결과적으로 무한한 관념을 형성시키고 상상력을 불러일으킨다. 색과 빛만 남고 모든 것이 사라진 화면과 공간에서 표현 할 수 없고 인식될수 없는 것의 암시를 통해 숭고를 나타낸다. 이러한 작품에서 색은 존재를 암시하는 도구로 사용되었을 뿐 색 그 자체가 커다란 의미를 가진다고 할 수는 없다. 색면 작업에서의 캔버스는 빛을 수용하는 공간과 같은 역할을 하며, 빛의 색은비워있는 공간을 시각화한다. 숭고함을 느끼게 하는 색면 작업들은 비록 그것이오브제일지라도 그 사물자체에 집중하기보다는 시간 개념이 들어간 사건 즉 상황에 집중하게 만들었으며 작가보다는 그것을 감상하는 관객에게 더 많은 비중이 옮겨가게 된다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.2.33	kci_detailed_000015.xml
ART001876403	oai_dc	SNS토론에 나타난 논증구조와 SNS토론의 특징- 네이버 밴드를 활용한 모바일토론을 중심으로	The Argumentation Structure of SNS Debate and Its Character -Focusing on Mobile Debate on the NAVER BAND-	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "홍숙영(한세대학교 미디어 영상학부)" ]	본 연구는 학생들에게 친숙한 매체인 SNS를 활용하여 모바일 토론을 진행함으로써 학생들의 소통 능력과 논리력을 향상시킬 수 있는지 그 가능성을 모색해보고자 하였다. 이를 위하여 소셜미디어 가운데 폐쇄적 SNS의 하나인 네이버 밴드를 이용하여 모바일 토론을 진행한 뒤 토론의 논증 구조를 분석하여 민주적 의사소통 도구로서 SNS의 활용 가능성을 타진하고, 토론 참여자들의 자기 평가를 통해 어떠한 능력들이 향상되었는지 고찰하였다. 그 결과 SNS토론의 논증법에 있어 근거를 제시하기 보다는 근거가 없는 주장이 여전히 많이 나타나고 있었다. 한편 SNS토론에 있어 특징은 크게 신속한 자료검색과 제시, 정서적 표현도구의활용을 들 수 있는데, 원활하고 정서적인 소통을 위한 도구로 그래픽 이모티콘과텍스트 이모티콘이 빈번하게 사용되고 있었다. 토론의 능력과 관련하여 SNS토론참가자들은 소통과 비판력, 논리력, 정보력, SNS의 새로운 기능에 관한 이해, 흥미, 자신감 등을 얻게 된 것으로 나타났다. SNS토론 관련 강의 수강자를 대상으로 한 이번 연구를 시작으로 향후 SNS토론의 효과를 검증하기 위한 보다 광범위하고 철저한 방식의 후속 연구가 뒤따라야 할 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.2.157	kci_detailed_000015.xml
ART001963502	oai_dc	혜강惠崗 최한기崔漢綺 인물감평人物監坪이론의 현대 과학적 해석과 응용 - 스마트폰 중독 진단 척도의 자기통제감과 인물감평 변인과의 관계-	An integrative review of scientific analysis and application on Hyegang Choi Han-Ki’s human-evaluation theory -The relationships between human-evaluation and self-regulation variables in smart -phone addiction scale-	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "문만기(중앙대학교); 장성갑(중앙대학교 첨단영상대학원)" ]	본 연구는 기존 문헌의 체계적 고찰을 통해 조선후기 사상가 혜강 최한기의 측인사상(測人思想)의 인물감평이론(人物監坪理論)에 대한 현대 과학적 해석과 응용을 모색함으로써 새로운 지식창출에 기여하려는 의도이다. 혜강에 의해 제안된 인물감평이론은 행동과 심성적 특성을 포함하는 인물평가에 대한 과학적 측정방법을 제시한 것이다. 현대의 실용학문에서 응용되고 있는서구의 대인지각론은 인물의 외모, 행동 등의 인지정보에 의해 성격, 감정, 의도,욕구, 능력 등 인간내면의 특성과 심리적인 작용을 유추하는 개념이지만, 인물감평은 서구의 대인지각이론의 한계인 초출효과(初出效果)적 지각측정에 머무르지않고, 인물의 심층의 마음과 타고난 기질의 청탁, 환경까지를 관측하여 계량화 할수 있도록 설계되어있다. 이러한 관점에서 본 연구자가 주목하는 첨단 현대과학과 인물감평 이론과의 첫번째 연결고리는 한국인의 스마트폰 중독 기제분석과 척도개발 연구이다. 스마트폰 중독관련 연구는 게임중독과 마찬가지로 인간의 심리적, 인지·행동적 특성을복합적으로 검토하는 분야라는 측면에서 인물감평 측정 모형의 과학적 검토를 통해 학문적 파급효과를 기대할 수 있는 매우 적합한 연구영역이라 할 수 있다. 이에 본 연구에서는 그 첫 단계로 혜강이 제시한 인물감평적 속성이 스마트폰중독 진단척도의 핵심 인자인 자기통제감 변인에 미치는 인과관계를 파악하기위해 132명의 샘플을 대상으로 실험을 실시하였다. 연구에서는 감평이론에서 제시된 인물측정 항목이 기술통계적인 일관성과 신뢰성을 가지고 있으며, 인물의인지적 특성에 따라 자기통제감은 차이가 있다는 기존의 선행연구와 일치하는 결과를 얻었다. 이것은 혜강의 인물감평측정 항목이 현대의 과학적 실증연구에 적용하기에도 매우 용이하게 구성되어 있다는 것을 의미한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.1.113	kci_detailed_000015.xml
ART001963501	oai_dc	예술 창작과 선(禪)	Creative Arts and Zen	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김현숙(파리8대학교 조형 미술과)" ]	우리는 선(禪)이란 단어를 흔히 사용하고 그 개념을 어렴풋이 느낌으로 알고 있다. 하지만 선을 정확하게 이해하고 한마디로 표현하는 것은 쉽지 않다. 선에 관해 공부한 사람이라 할지라도 선 사상의 역사와 정신에 대한 질문에 대답은 할수 있지만, 선을 한마디 말로 정의 하기는 쉽지 않을 것이다. 왜냐하면 선은 스스로의 체험에 의한 깨우침이기 때문이다. 더욱이 불교에서는 ‘문자를 앞세우지 않는다’ 라는 뜻의 불입문자(不立文字)를 논하고 있으며, 선이 ‘말로 표현이 될 때,그것은 이미 선이 아니다’ 라고 한다. 우리가 명상을 통해 알수 있는 선(禪)은 무엇이며, 명상이란 무엇인가? 명상이란 생각이 멈추거나, 생각하지 않고 있을 때시작된다고 하는데, 언제나 끊임없이 모든 것에 생각을 하며 살고 있는 우리에게,생각을 멈추라는 말에 의문을 갖게 된다. 서양에서는 선(禪)의 뜻을 명상(meditation)으로 번역하고, 일본식 발음을 따라젠(zen)으로 사용하고 있다. 또한 선은 종교적인 의미보다는 철학적인 의미로 해석되며, 프랑스의 일상 생활 속에서, ‘soyez zen(쑤와이에 젠)’은 ‘침착해라’라는뜻으로 사용된다. 철학적인 의미에서, 명상과 선이 예술 작품과 어떠한 관계가 있는지 알아보기 위해, 선의 의미와 그 선의 근원인 디아나(dhyãna)를 구성하고 있는 삼매, 사마타(samatha)와 비파샤나(vipasyãna)의 의미를 살펴본다. 우리를 편안하고 고요하게 해주며, 생각을 잠시 멈추게도 해주는 제임스 튀렐(James Turrell)의 작품, <몰입(Mol-Ip)>과 김현숙의 작품, <고요(Calm)>에서 우리는 사마타의 의미를 살펴보고, 수행하는 사람들이나 내면의 세계를 연상시키는Giusseppe Penone의 작품, <베르사이유의 삼나무(Versailles di Cedre)>에서비파샤나의 의미를 해석해 본다. 또한 명상하는 사람들을 연상케하는 필립 라메트(Philippe Ramette)의 작품, <비이성적인 관조(Comtemplationirrationnelle)>에서는 선(禪)과 예술 작품, 그리고 명상과 예술 행위와의 연관성에 대해 생각해 본다. 선(禪) 사상처럼 말로 표현되지 않는 여러 쟝르의 예술 작품들은 우리에게 다양한 의미를 전한다. 때로는 작품의 의미들은 선 사상이 전수되었던 방식처럼 마음과 마음을 통해 (이심전심 以心傳心) 그 의미가 전달 되기도 하고, 이해할 수 없는 선사들의 선문답이나, 혹은 달을 가리키는 부처님의 검지를 바라보는 것 처럼,우리의 생각보다 훨씬 앞서 가는 작가의 의도를 우리가 알아채지 못할 때도 있다. 선은 명상을 통한 스스로에 대한 공부이며, 매 순간마다 새로움을 인식하는것이다. 그래서 예술가들이 개인적으로 불교의 영향을 받지 않았다 하더라도, 그들의 작품이 현실 자체, 있는 그대로의 실체를 바라 볼 줄 아는 현명함을 담고있다면, 그 예술 작품들은 선 사상과 비교될 수 있다. 더욱이 디아나(dhyãna)의의미처럼, 묵상과 몰입 속에서 이뤄지는 작품 제작과 순간적인 직감에 의한 예술창작 행위는 어딘가 선 사상과 닮아있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.1.85	kci_detailed_000015.xml
ART001963506	oai_dc	Moving Image 설치미술에서 상호작용성(Interactivity)의 소통적 요소 연구	In the interactive installation art of the Moving Image communication factors research	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "심준섭(경성대학교 미술학과)" ]	오늘날의 현대미술에서는 관객과 작품의 ‘관계’(relationship)에서 상호작용(Interactive)이 중요하다는 인식을 하고 있지만, 상호작용이 무엇인가라는 질문에는 선뜻 대답하기 어렵다. 상호작용은 현대미술에서 그 중요성이 크게 부각되고있기에 본 논문은 그동안 상대적으로 연구가 부족했던 상호작용 미디어 아트에 대한 상호작용성(Interactivity) 연구의 영역에서 Moving Image가 설치미술 영역에서 어떻게 소통의 도구로서 상호작용하는지를 분석해서 다루어 보고자 한다. 또한 작품과 관객의 상호작용이 어떻게 이루어지고 있으며, 그 곳에 담긴 미학적 의미가 어떻게 부여되고 있는지 일부 작품들을 통해 논증하고자 한다. 상호작용(Interactive)의 미디어아트는 테크놀로지를 이용하여 작품과 관객의 관계를 연결시켜 의사소통이 이루어지게 하는 수단으로 제작된 작품이고, 연구자는 미디어아트와 상호작용성(Interactivity)의 원리로 제작된 Moving Image 작품만을 통해작품과 관객의 소통에 관한 제반 이론적 접근을 정리하고 제시하고자 한다. 이로써 보다 풍부한 현대미술의 유형을 다양한 형식에서 살펴보고, 작품과 관객 사이에서 이루어지는 상호소통(尙弧疏通)의 본질에 좀 더 가까이 접근하는 데 연구의초점을 맞추고자 한다. Moving Image 설치미술에서 상호작용성(Interactivity)의 소통적 요소를 연구하고, 보다 풍부한 현대미술의 유형을 다양한 각도에서 살펴보며, 작품과 관객 사이에서 이루어지는 상호소통의 본질에 좀 더 가까이 접근하는 데 연구의 초점을맞추고 있다. 상호작용성의 소통적 특성에 대한 분석은 현실 환경의 가상성, 작품과 관객의 참여성, 테크놀로지와 미술의 융합. 놀이적 유희성, 새로운 공간의 확장성으로의 역할까지 모두 다섯 항목으로, 또한 이러한 분류와 구성방식의 분석을 통해 미디어 아트는 과거의 미술형식과 다르게 디지털기반의 동적인 예술형식으로 여러 유형의 정보가 하나의 통일된 형식 또는 관객과의 상호 소통 안에서자유로운 논리적 활용과 처리가 가능하고, 새로운 특성들을 규명하기 위한 다각적인 방식을 제시한다는 목적이 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.1.157	kci_detailed_000015.xml
ART001963505	oai_dc	미니멀리즘 미술과 인터랙티브 미디어 아트의관객 신체성 비교 연구	A Comparative Study on Audience's body aspect for Minimalism art and Interactive media art	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "하임성(강남대학교)" ]	20세기 중반 이후 미니멀리즘, 대지미술, 개념미술, 페미니즘 등 현대 미술 양식들은 시각뿐 아니라 다중감각을 요구하며 전통 미술의 시각중심주의를 해체하고있다. 본 논문은 다양한 포스트모더니즘 미술 양식들 가운데 '관객의 작품 공간 내 함몰 및 작품과의 일체화를 지향’하는 특징을 공유하는 미니멀리즘 미술과 인터랙티브 미디어 아트의 관객 신체성을 비교하여 상호 공통점 및 차이점을 분석하고, 그함의를 고찰하였다. 그 이유는 현대 미술에서 부각되고 있는 '관객 신체를 통한소통' 이라는 주제를 양자 간, 혹은 여러 장르간의 비교를 통해 각 미술양식들의차이를 명료화시키고, 그 관계에 대한 연구의 지평을 확대하고자 하는 것이다. 이를 위해 여러 선행 이론가들의 담론과 다양한 미술 작품 사례들과의 비교, 분석을 통해 다음과 같은 결론을 도출하였다. 미니멀리즘 미술과 인터랙티브 미디어아트 관객 신체성의 공통점은 양자 모두 관객이 실제 공간과 현존적 시간 속에서작품 내 배회하며 참여 및 거주하는 특성을 지니고 있었으며, 작가는 작품과 상호소통 하는 방법을 기획하여 관객신체를 일부 훈육시키고 있었다. 차이점은 관객신체 움직임이 작품 내 반영되는 범위가 달랐으며, 미니멀리즘 미술은 특정 부분에 집중해야 하는 내재적 공간논리를 파괴하고 있으나, 인터랙티브 미디어 아트는오히려 특정 장소에 대한 몰입을 요구하고 있었다. 이러한 결과를 통해 제한된 공간 내에서 관객의 일부 감각을 훈육시키는 공통점은 여타 포스트모더니즘 미술 장르들 보다 양자가 관객과 접촉하는 소통 구조에더욱 집중하고 있음을 알 수 있었다. 또한 양자의 차이점은 그것을 구성하는 매체적 특성에서 도래한 것이기에, 현대 미술에서 매체의 속성이 감상방법, 작품의 구조 형성에 영향을 미치고 있음을 고찰할 수 있었다. 그럼으로 많은 작품 분석 요소 가운데 ‘관객신체성’ 이라는 독립적인 관점으로 포스트모더니즘 미술 장르들을분석할 수 있었다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.1.133	kci_detailed_000015.xml
ART001963497	oai_dc	‘우정의 내러티브’로서의 정선(鄭敾)의≪경교명승첩(京郊名勝帖≫	Jeongseon’s ≪Album of Gyeonggyomyeongseung, Scenic Beauty in the Suburbs of Hanyang≫ as ‘Friendship Narrative’	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "엄소연(한국외국어대학교)" ]	본고는 화가 정선과 시인 이병연의 특별한 우정관계에 주목하고, 그들의 ‘우정의 내러티브’가 ≪경교명승첩≫제작의 주요 동인이자 특성을 형성했음을 밝힌 것이다. 두 예술가는 18세기 ‘백악사단’의 일원으로서, 천기론(天機論)을 시론(詩論)으로 발전시켜 ‘진시(眞詩)’를 주창한 김창협과 김창흡의 영향을 받아 ‘진경(眞景)/진태(眞態)’를 형상화하는데 몰두해 새로운 예술장르인 진경산수화와 진경산수시의 거목으로 성장했다. 이념적·학문적·예술적 동반자였던 정선과 이병연은‘시화환상간(詩畵換相看)’의 약속을 통해, 대상을 직접 체험하는 산수관법(山水灌法)의 한계를 극복한 시화병치(詩畵竝置)의 ≪경교명승첩≫을 공동창작·비평으로완성했다. ≪경교명승첩≫은 정선과 이병연의 ‘상보적 우정’이 반영된 ‘우정의 내러티브’로 가능했다고 볼 수 있다. 즉, 두 작가의식의 재현은 상호매체(그림시/시그림)를통한 우정의 재현인 것이다. 이러한 ‘우정의 내러티브’의 특성은 문화기호학적인관점의 서사이론을 변용한 ‘지속성’, ‘상징적 현실성’, ‘사교성’, ‘상호작용적 서사성’, ‘비동시성’으로 분석될 수 있었다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.1.65	kci_detailed_000015.xml
ART001963487	oai_dc	초기 기하학적 추상화, 신-기하학적 추상화와 메타-미메시스	Early Geometric Abstraction, Neo-Geometric Abstraction and Meta-Mimesis From Utopia to Dystopia	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "디에고 스칼코(프랑스, 파리 1대학교 조형미술과)" ]	형태성으로부터 동떨어진 회화는 추상적인가? 무엇보다 우리가 주목해야할 점은추상 회화의 근본적인 단초가 발생초기부터 시각적 실재에 대한 형상적 재생산으로부터 만들어졌다는 것에 있다. 칸딘스키(Wassily Kandinsky,1866-1944), 몬드리안(Piet Mondrian,1872-1944), 그리고 말레비치(Kazimir Malevich, 1879-1935)는작업 초기에 “모방적 재현”(imitative representation)을 크게 벗어나지 않았으며그들의 목표는 즉각적인 외존을 넘어서 시각성의 차원에서 그림적 실재로의 전환을추구하였다. 상호보완적이라기보다는 오히려 대안적 개념으로서 추상 과정은 현재,할리(Peter Halley, 1953~) 및 블랙커너(Ross Bleckner, 1949~)의 작업에 근간이되었다. 재현이란 용어로서 이들의 접근은 추상 기하하적 패턴의 사용이 두드러지며,이 특징들은 “문화적 모방”(Cultural imitation, 고대 그리스의 미메시스)의 관습과 비교 가능하다. 그러나, “문화적 모방” 과 함께 “모방적 재현”(imitativerepresentation)으로서 미메시스(Mimesis)의 개념은 기하학적 추상의 모든 다채로움을 연결하고 개별 그 자체의 특별함을 강조한다. 여기서 논의된 그림 그리기(회화)의 관습은 지금 여기의 조건 및 존재의 양상으로서 기하학적 추상에 대한질문을 확장하고 공간과 행위의 실체적 개진으로서 유토피아 미학 및 이에 잠입한 문화적 이데올로기라는 디스토피아에 기초한 이론들의 이율배반에 대한 고찰이라 할 수 있다. 초기 기하학적 추상과 마찬가지로 유토피아에 대한 관점은 메타-미메시스의 작동 과정으로 적용되었는데 풀이하자면 이들은 내 ·외적인 자동제작을 뜻하는 미메시스에 의거한다. 여기서 접두사 “메타”의 뜻은 미메시스의모방이라는 의미를 넘어선다. 다른 맥락에서 이것은 자가 생산의 방식으로서 경험적으로 결정된 대상에 대한 실재적 미메시스로의 이동을 드러낸다. 이러한 입장은 네오-기하학적 추상에 의해 마련되었고 유토피아와 대조적으로 반유토피아적 특성을 지닌 메타 미메시스의 경우로서 서양에서 문화 및 공간 구성 모델로서자동적 제작 과정으로서의 기능을 뜻한다. 이러한 세부사항들은 추상 예술이라는 관습에 있어서 이중적 국면으로 이해되었고 조형적 재료 및 변형된 존재의 의미로서 기하학적 기호에 대한 해석으로의의미심장한 이동을 나타내며 추상 기하학적 형태의 자율성 및 타율성의 쟁점과비슷한 쟁점을 입증한다. 사실상, 상황에 의거하는 메타-모방적 접근은 유토피아적 또는 반유토피아적 개념의 통합 부분으로서 추상 과정을 출현시키며 이 안에는 초기 기하학적 추상으로부터 네오 기하학적 추상에 이르는 이행에 대한 이론적 함축과 미학적 탐사에 대한 관심이 어려 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.1.9	kci_detailed_000015.xml
ART001963492	oai_dc	미적 경험에 대한 현상학적 접근의 가능성	Possibility of Phenomenological Approach on Aesthetic Experience	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "홍옥진(서울대학교)" ]	동시대 미술의 표현 내용과 형식은 나날이 다양하게 전개되고 있다. 특히 관람자의 적극적인 참여를 요구하는 작품들이 증가하고 있다. 이러한 현상에 부응하기 위해 미학의 영역에서는 미술에 대한 미적 경험을 재고할 필요성이 제기되고있다. 근대 미학에서 현대 미학에 이르기까지 주류를 형성하고 있는 미적 경험이론들은 대부분 주관의 심리에 주목한다. 이러한 이론들이 지닌 문제는 주관의내적 능력을 강조하고 주관을 대상으로부터 분리시킴으로써 주관주의에 치우친다는 점이다. 이러한 문제를 극복하기 위해서 우리는 미적 경험의 근원인 지각을재고해 볼 필요가 있다. 메를로-퐁티의 지각에 대한 현상학은 지각에 대한 편견을 극복하고 현상으로돌아가 우리의 구체적이고 직접적인 지각 경험에 주목하도록 한다. 지각적 차원에서 주관은 외적 자극에 인과적으로 반응하는 존재 혹은 내적 세계에 고립된 존재가 아니라 몸을 통해 직접적이고 실제적인 방식으로 세계에 참여하는 존재이다. 따라서 미적 경험의 주관도 육화된 의식으로 세계에 적극적으로 참여하는 존재로 간주되고, 미적 대상은 지각하는 주관으로부터 분리되는 것이 아니라 상호작용하는 대상으로 이해된다. 이러한 새로운 지각 개념을 토대로 할 때 미술 작품에 대한 우리의 경험은 새로운 시각에서 조망될 수 있을 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2015.14.1.37	kci_detailed_000015.xml
ART002081275	oai_dc	1980년대 중국의 다다운동 연구- 황용핑의 샤먼 다다 활동을 중심으로 -	A Study of Dadaism in 1980’s China - Regarding Huang Yongping’s works during Xiamen Dada Period -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김홍중(홍익대학교); 김도연(홍익대 미술학과)" ]	샤먼 다다는 1983년부터 1986년까지 중국 푸젠성의 샤먼에서 일어났던 현대미술 운동이다. 1980년대 중국은 문화혁명 이후 새롭게 문화와 예술이 피어나는 시기였다. 이 시기에 전국에서는 수많은 예술운동이 일어났으며 이들은 이후 89년 현대예술전을 통해 하나의 조류로 정리되었다. 85신조라고 이후 이름 붙여진 예술운동 중 하나였던 샤먼 다다는 황용핑, 린춘 등의 작가들을 중심으로 20세기 초 스위스에서 일어났던 다다이즘을 표방하여 반예술을 주장했다. 때문에 이들의 작품과 전시 활동은 85신조의 많은 예술운동 중에서도 가장 파격적인 형태였다. 특히 1986년 샤먼 신예술관에서 열린 《샤먼현대예술전》과 전시 후의 “전시작품개조, 훼손과 소각활동” 퍼포먼스는 중국 현대미술에 유래가 없던 극단적인 예술 활동이었다. 86년부터 89년까지 샤먼 다다는 여러 전시와 퍼포먼스 등을 통해 당시 주류였던 전통적인 평면 회화나 조각과 완전히 다른 작품 세계와 기존 시스템에 대한 전복을 꿈꾸었다. 본고는 1980년대 중국에서 샤먼 다다라는 현대예술운동이 일어났던 배경부터 성립과 전개를 당시 발표되었던 사진 자료와 보도를 통해 살펴본다. 이들의 전시와 작품은 『중국미술보』등의 매체를 통해 중국현대미술계에 알려져 큰 반향을 가지고 왔다. 특히 황용핑은 자신의 글을 통해 샤먼 다다의 이론을 정립하는 등 주도적인 역할을 하였다. 샤먼 다다는 유동적인 단체였고 활동기간 또한 아주 짧았다. 하지만 문화혁명이 끝나고 막 예술과 문화가 표현을 시작하던 시기에 다른 많은 예술운동들이 중국의 정치적 상황과 초기적인 작가들의 표현문제를 중점으로 다루었던 것과 달리 샤먼 다다가 예술과 작가의 근원적 문제에 접근하려 하였다는 것은 이들과 85신조의 다른 예술운동과의 가장 큰 차이였다. 또한 황용핑은 비트겐슈타인과 선종의 이론을 바탕으로 다다이즘의 재해석을 시도 하였다. 때문에 샤먼 다다는 비록 짧은 기간과 한정된 작품 수에도 불구하고 이후의 중국현대미술에 큰 영향을 주었다. 이에 본고는 샤먼 다다에 대한 연구가 중국현대미술의 다양성을 이해하고 새로운 시각을 제공하는데 큰 도움을 주리라 생각된다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.1.83	kci_detailed_000015.xml
ART002081254	oai_dc	작품 제목에 대한 미술사적 고찰 - 제목의 기원과 발달사 -	Title of Art Works in the Western Art History - Origin and art historical development of title -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김석모(경북대학교 미술학과)" ]	본 논문의 연구주제는 미술 작품의 ‘제목’이다. 제목은 작품에 붙여진 고유한 이름으로 특정한 작품을 ‘지칭(Identification)’함으로 이를 다른 작품으로부터 ‘구별(distinction)’ 짓게 한다. 이러한 ‘지칭’과 ‘구별’은 제목이 고유명사(proper noun)로서 수행하는 기본적인 두 가지 기능이다. 하지만 작품과 감상자 사이에 위치하는 제목은 단순한 중립적 명칭(designation)으로서만 작용하는 것이 아니라 감상자가 작품을 수용하는 방식에 직접적인 영향을 끼친다. 일반적으로 감상자는 언어적 형태로 작품에 대한 정보를 제공하는 제목에 의존하여 작품을 읽으려는 경향을 보인다. 감상자가 이러한 태도를 가지는 것은 제목이란 작품에 대한 이해를 돕기 위해 작가에 의해 주어진 일차적인 설명이라는 ‘기대(expectation)’와 ‘신뢰(confidence)’가 무의식적으로 전제되어 있기 때문이다. 제목의 수용미학적 작용에 대해 철학자 아서 단토(Arthur Danto)는 자신의 저서 『일상적인 것의 변용 Transfiguration of commonplace』(1985)에서 제목을 “해석을 위한 길라잡이(a direction for interpretation)”로 설명하였고, 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 제목을 “보이지 않는 색(invisible color)”으로 규정한 바 있다. 본 연구는 이 같은 맥락에서 제목에 대한 개념을 규정하고 그것이 작품과 감상자 사이에서 작용하는 방식을 이론적으로 고찰하고 있다. 본 연구가 다루고 있는 두 번째 주요 논제는 제목의 발생과 발달에 대한 미술사적 규명이다. 예컨대, 종교적 맥락에서 제작된 중세의 미술작품에게는 개별적 제목을 통해 지칭될 필요성이 존재하지 않았다. 이들은 감상의 대상이 아니라 그리스도교적 세계관을 현현(顯現)하는 매개체(Medium)였으며, 교회라는 종교적 공간 내에서 독립적인 위치를 차지하고 있었음으로 제목을 통해 지칭될 필요가 없었다. 하지만 하나의 작품이 원래적 맥락에서 분리되어 다른 작품들과 함께 동일한 공간에서 보여 지는 전시의 맥락과 결합됨으로 제목에 대한 필요성이 대두된다. 본 연구는 제목의 기원을 근대적 형식을 갖춘 전시회의 출현 그리고 도록의 발달에서 찾고 있고 있으며, 제목의 형태적, 의미적 그리고 기능적 확장을 모더니즘의 ‘미술현상’으로 규정하고 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.1.9	kci_detailed_000015.xml
ART002081265	oai_dc	회화적 재현의 지각에 대하여 - 월하임의 “seeing-in”에 대한 인지신경과학적 비판 -	On the perception of Pictorial Representation -Cognitive Neuro-Scientifical criticism on Richard Wollheim's concept of "Seeing-in"-	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김진엽(서울대학교); 엄정아(서울대학교)" ]	월하임은 지각 능력을 ‘즉각적인 지각’과 ‘특별한 지각적 능력’으로 구분 한 후 회화적 재현의 지각을 ‘특별한 지각적 능력’에 의한 seeing-in으로 설명한다. 즉각적인 지각이 눈앞에 제시된 대상을 지각하는 능력이라면, 특별한 지각적 능력은 눈앞에 제시된 대상에서 눈앞에 제시되지 않은 대상까지 지각하도록 해주는 특별한 능력이다. 이러한 특별한 지각적 능력이 발현된 seeing-in은 회화적 재현의 경우 눈앞에 놓인 캔버스에 칠해진 물감들에서 캔버스에 칠해진 물감들 뿐 아니라 눈앞에 없는 어떤 대상까지 지각하게 된다. seeing-in 즉, seeing y in x는 매체에서 대상을 보는 것으로, 지각자는 눈앞의 매체와 눈앞에 없는 대상을 동시에 지각할 수 있다. 월하임에게 있어서 회화적 재현을 지각한다는 것은 캔버스에 칠해진 물감을 어떤 대상으로써 지각하는 것이 아니라, 캔버스에 칠해진 물감과 어떤 대상에 대한 동시지각의 경험이다. 그리고 이로부터 매체와 대상을 동시에 지각한다는 이중성이 요구된다고 하였다. 월하임은 seeing-in의 이와 같은 현상을 ‘두 국면을 지닌 하나의 경험’으로 설명하였다. 그리고 곰브리치가 잘못된 비유에서 비롯된 잘못된 전제로 회화적 재현의 지각을 캔버스(물감)와 자연(대상)에 대한 대안적인 지각으로 설명하였다고 비판하였다. 하지만 월하임이 이와 같은 생각에 근거로 제시한 두 종류의 지각능력의 존재여부와 이중성 이론에 대한 설명을 인지신경과학적으로 검토해본 결과 회화적 재현의 지각이 직접 대면의 경우와는 다른 특별한 지각적 능력에 의한 것이라는 점을 발견할 수 없었다. 그리고 월하임이 비판했던 곰브리치의 회화적 재현의 지각 논의가 오히려 동시대의 인지신경과학적 근거에 더 부합함을 알게 되었다. 월하임은 인간의 시지각 메커니즘에 대한 이해가 부족했기 때문에 회화적 재현의 지각을 시감각의 차원으로 생각하는 오류를 범했다. 지각은 단순히 대상의 외양을 파악하고 그것이 무엇인지 재인하는 정도의 것이 아니라, 해석의 과정이 처음부터 개입되는 것이다. 곰브리치는 회화적 재현의 지각이 해석의 문제와 결부된다는 것을 이해하고 있었고, 그렇기 때문에 그의 회화적 재현의 지각 논의는 동시대의 인지신경과학적 성과에 어긋나지 않을 수 있었다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.1.41	kci_detailed_000015.xml
ART002081289	oai_dc	모바일 미디어와 공간적 실천 - 파올로 소렌티노 영화 중심으로 -	Mobile Media and Spatial Practice - Focusing on the films by Paolo Sorrentino -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "문안나(고려대학교)" ]	이 연구는 모바일 미디어(mobile media)를 이용한 공간적 실천에 대해 탐구했다. 이를 위해 우선 오제(Augé)의 비장소(non-place) 개념을 통해 현대의 공간과 장소에 대해 고찰했다. 오제가 제시한 <슈퍼모더니티> 사회는 <비장소>라는 물리적 장소를 만들어낸다. 소렌티토 감독은 영화 <그레이트 뷰티>에서 <비장소>의 일시적이고 고독한 이미지를 영상으로 잘 표현했다. <비장소>에서 개인의 정체성은 계약 관계로 환원된다. 이름, 직업, 출생일, 주소에 대한 신원 확인 후 공간 점유가 승인되어 공유된 정체성(shared identity)을 갖게 된 개인은 소비 공간인 <비장소> 공간에 들어가 정체성이 상실된 수동적인 즐거움(the passive joys of identity-loss)을 즐긴다. 하지만 <아버지를 위한 노래>, <유스>를 통해 탐색했듯 결국 <비장소>, 공간을 규정하는 것은 물리적 장소 그 자체라기보다 사람의 인식과 경험, 기억의 역사라는 것을 확인했다. <걷기 행위>로 물리적 공간을 전유하는 공간적 실천을 일상적 전술로 활용할 수 있다는 드 세르토의 이론은 유효하다. 내가 직접 걷고, 그 곳에서 숨쉬고 느껴본 공간의 궤적은 ‘이야기’로 의미가 드러난다. 하지만 이러한 실천이 사회 구조적 공간의 역학 관계를 전복할 수는 없다는 점에서 이론의 한계가 있다. 이 논문은 모바일 미디어를 통한 일상에서의 감성 공간 실천을 대안으로 제시했다. 모바일 미디어를 통한 자기 경험의 공감각적 기록은 공간에 대한 경험을 인지적, 지각적 요소로 확대하여 감각적 공간으로 실천하는 행위이다. 손가락을 이용한 ‘탭 행위(the act of tapping)’는 모바일 미디어를 통해 공간적 실천을 시도하는 실천적 측면이란 점에서 ‘걷기 행위(the act of walking)’를 통해 공간적 실천 이론을 제시한 드 세르토 이론의 연장 개념이 될 수 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.1.133	kci_detailed_000015.xml
ART002081270	oai_dc	다니엘 뷔랭의 트래바이 시튜에(Travail situé) 연구 - 상호의존성과 지각성을 중심으로 -	A Study on the 'Travail situé' of Daniel Buren - the Mutual Interdependence and Perceptivity of 'Travail situé' -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이봉욱(홍익대 미술학과)" ]	다니엘 뷔랭은 프랑스 현대 미술가이며 제도비판 1세대 작가로서 1960년대 초 부터 ‘인 시튜(in situ)’ 방식으로 작업을 하였다. 그는 모더니즘 미술을 지향하는 미술관 제도에 대해 저항하며, 전시 관람자에 대한 태도와 공간에 대한 인식의 관점을 실험적인 새로운 방식으로 작업을 한 작가이다. 그의 작품인 ‘인 시튜’ 개념은 작품이 전시 장소와의 긴밀한 관계를 강조하고 작가 자신이 현장에서 작업하는 방식으로 일정기간 동안 전시하고 곧 파괴해 버리는 특징을 가지고 있으며, 장소 특정적 미술(site-specific art)로 볼 수 있다. 초창기 ‘인 시튜’ 작품은 미술제도에 대한 비판적 성향을 강조한 작품이었다. 또한 시각적 도구로서 줄무늬 모양을 사용하였다. 이 단순한 줄무늬 모양은 단순히 그려지기 위한 소재가 아니며, 어떠한 의미를 내포하고 있는 회화가 아닌 오로지 그 존재 자체만을 강조한 하나의 기호(signe)로써 의미를 가진다. 이러한 작품들은 미술관 제도 속에서 전시된 작품에 대해 관람자들이 비판 할 수 있도록 만들며, 기존에 작품을 관람하는 방식들에서 벗어나 새로운 방식의 작품으로 구성된다. 다니엘 뷔랭은 일정기간 동안 전시하고 파괴되는 ‘인 시튜’에서부터 반영구적이고, 이동 가능한 ‘트래바이 시튜에(‘travail situé)’ 개념의 작품으로 확장되었다. 즉 ‘인 시튜’ 개념은 다양한 줄무늬 색채, 유리, 건축물, 건축 공간까지 확장되는 ‘트래바이 시튜에’ 개념으로 진행되었다. 본 연구는 다니엘 뷔랭 작품에서 나타나는 이동성에 대한 작품 개념인 ‘라 카반(la cabane)’의 특징을 통해 ‘트래바이 시튜에’ 개념을 연구하고자 한다. 특히 1980년대 중반부터 나타난 입방체 구조물인 <폭발하는 오두막(Cabanes éclatées)> 연작을 통하여 전시를 위한 이동, 반복의 특징을 알아보고, 관람자들이 작품과 공간을 인식하고 경험하는 주체로서의 가능성들을 살펴보고자 한다. 마지막으로 전시장에 설치된 ‘트래바이 시튜에’ 개념의 작품들이 장소와 작품들 간의 상호의존적 특징들을 알아보고, 작품에 대한 관람자들이 직접 경험함으로써 나타나는 현상학적 특성을 연구하고자 한다. 또한 뷔랭의 2014년 작품인 <Commme un jeu d'enfant(어린이 놀이처럼)>을 통해 작품과 전시장 내부에서 다양한 형태의 변화를 경험하고 작품과의 관계 속에서 관람자들에 지각성에 대한 비평적 고찰과 작품 분석을 통하여 관람자들이 공간에서 작품을 경험하고 지각할 수 있는 시각적 장치들에 대하여 알아보고자 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.1.63	kci_detailed_000015.xml
ART002081281	oai_dc	Genre and Gender, Culture and Ideology - The American Occupation of Japan and Japanese Mélodrame -	Genre and Gender, Culture and Ideology - The American Occupation of Japan and Japanese Mélodrame -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "쟈크린 모리소(Senior research, Centre International d’Etudes Pédagogiques, Sèvres, France)" ]	This chapter attempts to understand what the Japanese melodrama is about and what sort of influence the American Occupation (1945-52) may have had on the genre, it may have been a stimulating challenge but this suggestion calls for some preliminary remarks. First, Japan was not immune to Western influence, even before the Meiji era (1868). From the end of the nineteenth century, the Japanese curiosity about Western technology as well as about culture, literature, theatre, cinema, increased. Intellectuals, artists, actors travelled through Europe, Russia, the United States, sometimes staying for a long time. Upon their return, they began to familiarize their society with new ways of thinking and new ways of life. This influence however stopped quite completely when the Japanese military government restrained more and more the rights of access to freedom in travelling, writing, even thinking. On the other hand, since the European and US influence of the American Occupation proper, in so far as the European and American influence was already apparent in pre-war Japanese melodrama, the actual influence on post-war Japanese melodrama, the exact nature of the influence of Us occupation Forces on post-war Japanese melodrama may be elusive. In fact, it can be said that Japanese melodrama had existed since the beginning of the film industry. However, as the word ‘melodrama’ did not exist in any Asian language at the time, but was taken from the Western tradition, it is necessary to begin by examining the accepted meaning of the term today. In order not to work with an inadequate concept, I will trace its roots and characteristics as a cinematic genre, and how the concept can be applied to Japanese cinema. Was it an equivalent of the main traits of the Western melodrama in general? Or did it present some peculiar features connected to another civilization, different historical, religious backgrounds, social organization, relations between genders i.e. culture and ideology? On the other hand, it might prove interesting to examine the reasons why the American forces were so much interested in melodrama. What cultural and ideological purposes were at stake? What did they propose? How did the Japanese directors deal with American orders and censorship? Some melodramas from the post-war years – mostly directed by Kenji Mizoguchi – will illustrate tensions characteristic of the genre, as well as the complexity of the shock between such different cultures and ideologies. This chapter will try to ascertain whether the American Occupation (1945-1952) changed the Japanese melodrama or altered some of its traits, the degree to which these films became representative of Japanese immediate and later post-war society?	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.1.107	kci_detailed_000015.xml
ART001928972	oai_dc	점묘법(點描法)과 콜라주(Collage)를 활용한 작품표현 -연구자의 작품을 중심으로-	An Artistic Expression by Application of Pointillism & Collage -focused on my recent works-	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "양성원(동서대학교)" ]	본 연구자는 지난 20여년간 본인의 내적·외적 경험과 관념 등을 투영한 대상의이미지를 표현함에 있어, 새롭고 다양한 기법과 재료 등을 적용해 고유하고 참신한 조형언어로 해석하고자 노력해왔다. 근래 본 연구자가 천착(穿鑿)하고 있는 것은 보다 명확한 형태의 표현을 위한 단순하고 본질적인 조형언어의 모색에 있다. 이에 조형요소의 기본인 점(點)에 주목했고, 점묘법에서 착안한 타공 기법으로 화면을 구성했다. 또한, ‘색(色)으로 표현된 점(點)’으로서 타공의 배색을 콜라주로표현함으로써, 점묘적 타공과 입체적 콜라주가 복합된 추상적인 작품표현을 지향해왔다. 이러한 본 연구자의 작품구성과 특징을 규명하기 위해 다음과 같은 3부분으로나눠 논의를 전개했다;먼저 Ⅱ장에서는 19세기 말 신인상주의에서 비롯한 점묘법의 의미와 특징을 살펴보았고, 신인상주의의 색점(色點) 표현을 상세히 고찰했다. Ⅲ장에서는 콜라주의 의미와 함께 피카소, 브라크에 의해 본격화된 콜라주 기법의 특징과 입체파가 추구한 평면의 다면적·다각적 표현양상을 살펴보았다. Ⅳ장에서는 점묘법과 콜라주에서 착안하여 이들을 복합해 색(점)과 형태를 구현한 본 연구자의 작품 9점을 중심으로 종이 타공 기법을 활용한 점묘적 표현, 콜라주를 통한 색의 표현과 화면구성을 논의했다. 즉, 종이에 반복적인 타공 기법을적용해 대상의 느낌, 질감, 리듬 등의 잠재적인 이미지를 표현했고, 다양한 색채와 질감의 섬유원단을 콜라주해 수없이 반복되는 색점(色點)으로 화면을 구성함으로써, 기법의 특성 및 조형표현의 가능성을 시도했다. 이러한 작품들은 본 연구자의 내면적인 이미지의 표출이며 각 점이 이루는 아름다움의 표현이자 추상적인조형언어의 표현이라 할 수 있다. Ⅴ장 결론에서는 본고의 논의를 정리했고, 이를 바탕으로 향후 본 연구자가 지향하는 연구 및 작업방향을 제시했다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.4.67	kci_detailed_000015.xml
ART001928971	oai_dc	현대조각과 일상성 - 시원으로서의 일상성에 대한 전망 -	A Study on the Everydayness in Modern and Contemporary Sculptures - In the Perspective of Everydayness as the Origin -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김경민(홍익대학교)" ]	본 논문은 현대조각에서 일상성에 대한 탐구가 어떠한 방향으로 전개되어 왔는지를 분석하는 한편, 시원으로서의 일상성이 갖는 의미를 이론적 차원에서 전망하고, 이를 조각적 실천에서 전유할 수 있는 가능성을 제안하는데 목적이 있다. 예술적 실천에서 일상성의 문제는 소위 포스트모더니즘의 발흥과 함께 본격적으로 제기되어 왔다. 거대담론이 종식을 고하면서 이 문화적 패러다임은 키치적인것, 일상적인 것, 사적인 것, 지극히 대중적이고 평범한 것들을 다원성의 차원에서 접근할 것을 요청한다. 조각에서 일상성의 요소들은 뒤샹과 다다가 레디메이드를 도입하면서 조각 영역에 들어 올 수 있게 되었다. 이후 일상성이 본격적으로 문제시된 것은 팝아트 이후의 일이며, 특히 포스트모더니즘의 문화적 조류 속에서 삶과 예술이 다시 조우하고, 내러티브와 구상조각이 복귀하면서 중요한 예술적 주제로 부상하였다. 특히 후기 자본주의의 소비사회의 풍경에서 일상적 삶이 그런 사회 역사적 조건 속에 어떻게 종속되어 있는지 비판적인 시각을 보여주는 작품들도 많았다. 그러나 연구자가 보기에, 일상이 사회적 구조와 문화적 틀속에서 작동하고 있다는 것을 부인할 수 없다고 해도, 일상 자체에는 우리의 가장 시원적인 기본적인 삶의 토대가 되어주는 힘이 있다고 생각한다. 다시 말해,일상이 갖는 이 시원성에 대한 탐구는 아직 본격적으로 제기되지 않았다. 여전히예술은 보다 일상 너머에 우리의 인식이 미치지 못하는 세계를 보여줘야 한다는인식이 팽배하기 때문이다. 그러나 나는 그 세계 또한 우리의 일상성 속에 있다고 본다. 여기서 나는 조각적 실천에서 일상성이 어떻게 다루어져 왔는지 산견해보고, 나아가 이론적 차원에서 일상성에 새로운 이해의 필요성을 제기할 생각이다. 이를 통해 예술적 실천이 일상성의 문제를 어떠한 방향에서 다루어야 하는지에 대한 제언적 시사를 할 것이다. 특히 일상성에 대한 심도 있는 연구를 진행시켰던 르페브르와 최근에 일상성에 대한 새로운 시각을 열어주고 있는 마페졸리의시각을 빌어 일상성을 보다 시원적 차원에서 이해할 수 있는 이론적 가능성을 시사할 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.4.37	kci_detailed_000015.xml
ART001928974	oai_dc	과정미술(Process art)에서 나타나는 섬유의 가변성 연구 -로버트 모리스, 에바 헤세 작품연구 중심으로-	Study about the variability of fiber in Process art -centered on the works of Robert Morris and Eva Hess-	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "정경연(홍익대학교); 송윤진(홍익대학교 섬유미술)" ]	미니멀리즘이 주된 경향이었던 1960년대 미국 미술계는 1967년부터 뉴욕을 중심으로 재료와 작가의 존재에 갈증을 느낀 작가들이 생겨났고, ‘과정미술(Process Art)’라는 새로운 경향이 등장했다. 이는 두 차례의 특별전, <레오카스텔리 화랑의 9명의 미술가(9 at Leo castelli)>전, <반일루젼: 절차/재료(Anti-Illusion:Procedure/Material)>전을 통해 미술계에 알려졌다. 과정미술가들은 작품의 제작 과정을 중요시하고 이를 주제의식과 연관시키려 했다. ‘과정’이라는 추상적인 개념을 시각적으로 표현하기 위해서는 시간과 공간에 따라 형태가변하는 재료가 필요했고, 유연하고 환경에 취약한 섬유의 특징은 장점으로 작용하였다. 특히, 로버트 모리스(Robet Morris, 1931-, 미국)와 에바 헤세(Eva Hess,1936-1970, 독일)는 각각 펠트와 실 뭉치, 유리섬유, 라텍스 등 미니멀리즘의 작가들이 사용하던 것과 확연히 다른 특질의 재료를 사용하였다. 이들은 재료에 대해 다각적으로 연구하였고, 여러 형태의 가변성에 대한 생각을 작품에 도입했다. 모리스는 아트포럼지에 ‘반 형태’라는 글을 기고하면서 과정미술의 이론적 배경을수립하는데 큰 역할을 했고, 헤세는 작품이 변형될 뿐 아니라, 해체 되어 소멸되는 과정까지 제작 의도에 포함시키면서 범위를 확장시켰다. 따라서 본 논문은 과정미술에서 활용된 섬유의 가변성에 대해 로버트 모리스와 에바 헤세의 작품을중심으로 연구하였다. 여러 양식이 혼합된 형태로 나타나는 현대미술에서 작가들은 재료와 기법, 형식에 구애 받지 않고 작품을 구상하고 전개한다. 특히, 섬유미술가들은 전통적인섬유의 범위에서 벗어나 다양한 재료를 작품에 반영한다. 때문에 재료의 특성을면밀히 연구하고 전문적인 수준의 지식을 쌓는다. 이러한 섬유미술의 경향에서재료에 대한 본질적인 연구에 본 논문이 선행 연구 자료가 되었으면 한다. 또한재료적 물성을 활용한 작품을 분석하는데 방법론적인 측면의 자료를 제시하고자한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.4.115	kci_detailed_000015.xml
ART001928975	oai_dc	공포영화의 문화정치- <안티크라이스트>에 재현된 여성의 죽음 이미지 -	Cultural Politics of Horror Films - Death Images of Woman Represented in the film <AntiChrist> -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김기정(전주대학교); 김성호(중원대학교)" ]	공포영화는 한계의 경험, 한계의 위반을 특징으로 하며 관객을 그 한계로 초대한다. 무서움, 아슬아슬함, 낯섦, 놀람, 긴장 등은 이 초대에 응한 관객에게 공포영화가 약속하는 보상이다. 하지만 공포영화는 이러한 감각들을 건드리고 일깨우는 것만으로 그 기능을 한정하지 않는다. 공포영화는 또한 낯선 타자 즉, 괴물을등장시켜 상징계 질서가 가진 기능과 가치의 효능과 한계를 시험하고 폭로하는문화정치적 기능을 수행한다. 통상 여성 괴물이 등장하는 공포영화의 대다수는 한 측면에서 사회의 말할 수없는 잠재된 욕망들을 폭로하고 그러한 억압을 요구하는 문화의 부당함과 위선을보여주며, 다른 측면에서 괴물 죽이기를 통해 이전 상태로의 복귀 및 재억압을꾀하는 것을 장르적 관습으로 취한다. 그런데 영화 <안티크라이스트>는 공포영화의 장르적 관습을 일부 이어나가면서도 여성성에 대한 종래의 이해를 해체하고새로운 이해를 실험하여 여타의 여성 괴물이 등장하는 공포영화와는 다른 문화정치를 수행한다는 점에서 큰 차이를 보인다. 본 연구는 <안티크라이스트>가 특히 ‘여성’과 ‘자연’을 동일한 것으로 인식하고, 모성애가 이 영화를 독해하는 주요한 요소라는 점에 중점을 두어 영화를 살펴보았다. 결과적으로 표면적으로는 <안티크라이스트>가 여성의 악마성을 보여주는 것 같지만, 사실 여성이 자연과 마찬가지로 ‘탄생’과 ‘죽음’이라는 양가적 속성을 가지고 있다는 것을 보여줌으로써, 비록 <안티크라이스트>가 매우 폭력적이고잔인한 여성성을 묘사하는데 초점을 맞추고 있다하더라도, 오히려 여성에 대한억압적 담론에 저항하여 여성 해방을 지지하는 텍스트로 독해될 수 있음을 밝혔다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.4.135	kci_detailed_000015.xml
ART001928970	oai_dc	개념판화(Conceptual Printmaking)와 동시대 미술의 장치	Conceptual Printmaking and Apparatus of Contemporary Art	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "권순왕(홍익대학교 판화과)" ]	판화개념의 변화와 확장은 판화 개념을 새로 바라보는 것이며 이러한 인식의토대 위에서 판화는 사고를 중심으로 표현하는 것이며 동시대 미술과 함께 호흡해야 한다는 것이 본 논문의 중요한 지점이다. 무엇보다도 표현에 있어서 재현이 무엇인가는 원본성 논의의 출발점이 될 수밖에 없다. 표현방법이 다양해지는 현대미술에서 무엇을 통해서 재현을 말하고있는가는 어떤 지점에서 창작의 원본을 바라보느냐가 될 것이고 그런 의미에서복수성으로 강조되는 판화의 원본성 논의는 시물라크르(simulacre)시대에 더욱첨예한 논의일 수 밖에 없다. 원작자의 사고는 재현의 시작이요. 복제에서 오는시각물의 차이와 유사성은 현대미술에서 지속적인 과정으로 다가오는 판화적 현상이다. 동시대미술에서 판화성은 오브제로 발견되고 이러한 사물의 반복되는 양상은판화적인 프로세스로 바라볼 수 있을 것이다. 본 논문에서는 개념미술의 주요한전개가 판화개념에 있었고 이러한 것을 설명해 주는 반복체는 연속을 통한 개념적 미술의 축으로써 개념판화라고 제시하였다. 아울러 존재의 문제는 판화적 성찰 안에서 개진해야 되고, 그러한 맥락 속에서 판화적 관념도 새로운 시각으로존재의 문제에 접근하였다. 또한 재현을 만들어주는 복제의 과정은 판화의 주요한 용어로서 현대미술에서 중요한 축이라는 것을 강조하기 위해서 논의 된다. 동시대미술에서 개념은 더욱더 중요해지고 있고 표현에 있어서도 반복되는 과정은 지속적으로 창작물에 영향을 주고 있다. 판화는 현대미술에서 중요한 지점으로서 개념을 만들어주고 형식을 만들어 내기 때문에 하나의 사고는 멀티플 오브제로서 존재하고 의미를 생산해낸다. 이러한 반복과 개념의 판화 메커니즘은관계의 상호작용을 통해서 현대미술에 동력을 제공하고 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.4.9	kci_detailed_000015.xml
ART001928973	oai_dc	후기 사진 시대, 사진 예술의 향방	Photography’s New Turn in the Post-Photographic Era	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "최종철(이화여자대학교)" ]	본 논문의 목적은 21세기 디지털 시대에 들어 더욱 첨예해진 후기 사진 시대에관한 담론들을 되짚어보고, 이를 통해 동시대의 사진 예술의 향방을 가늠해보는것이다. 윌리엄 미첼(William J. Mitchell)이나 프레드 리천(Fred Ritchin) 등과같은 시각 문화 이론가들에 의해 주장된 후기 사진 시대(the Post PhotographicEra)라는 용어는 디지털 이미지 구현 기술의 괄목할 만한 성장과 이 기술의 전방위적 적용 속에서, 사진가들이 진실성이나 객관성 등과 같은 사진의 전통적 가치보다, 이러한 가치들의 해체와 재정립에 몰두하는 시대를 지칭한다. 21세기의 첫 십년은 후기 사진의 담론에 있어서 특히 중요하다. 왜냐하면 이기간동안 사진의 전통적 가치 – 복제성, 현전성, 객관성, 인덱스로서의 기호적 가치 등 – 에 대한 해체가 다양한 디지털 기술들의 지원 속에서 더욱 활발히 진행되었을 뿐 만 아니라, 이러한 전통적 가치의 붕괴를 사진의 종말이 아닌 그것의확장으로 재정립하기 위한 몇가지 주목할만한 담론들이 정초되었기 때문이다. 본 논문은 이러한 후기 사진 시대의 이론과 실천들을 전통적 사진 이론과의 관계 속에서 고찰할 것이며, 이러한 고찰들을 바탕으로 후기 사진 시대의 사진 예술이 어떻게 다양한 기술적, 문화적, 역사적 요구들을 충족시키는지 살펴볼 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.4.85	kci_detailed_000015.xml
ART002134441	oai_dc	수익 창출 측면에서의 유튜브 역사 분석 - 유튜브와 크리에이터 영상미디어 채널의 수익 증진 현황 -	YouTube history analyzed in terms of revenue - YouTube and Creator media - channel's status to increase YouTube's commercial revenue -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이병호(홍익대학교)" ]	현대는 영상 관련 활동가들의 전성시대다. 그러나 현실은 충분한 수익을 보장 받지 못하는 실정이다. 1인 제작 환경인 유튜브 채널 활동을 통한 유튜브와의 수익 공유에 대해 살펴보는 것은 의의가 있다. 오픈 플랫폼인 유튜브의 수익 창출 구조와 역사에 대해 분석했다. 최초로 회사의 수익을 콘텐츠 제작자와 나누는 시스템을 구축한 것은 유튜브의 큰 업적이다. 광고 수익의 공유는 많은 크리에이터가 탄생한 배경이다. 저작권을 갖고 있는 1인 제작자가 공급하는 콘텐츠는 유튜브의 필수 구성 요소이고, 수익을 나누는 유튜브의 정책은 당연해 보인다. 왜냐하면 유튜브 수익의 대부분이 광고료에서 발생하기 때문이다. 오리지널 콘텐츠를 공급하는 크리에이터나 유튜브 모두의 입장에서 최대 수익을 도모하고 있다. 개인들의 자구책과 더불어 MCN과 오프라인 사업을 결합한 채널 JustKiddingFilms를 통해 미국 유튜버들의 수익 증진 현황을 분석했다. 또 수익 다변화를 추구하는 유튜브의 자구 노력에 대해서도 서술했다. 크리에디터가 받는 광고 수익 배분의 정확한 액수는 유튜브만이 알고 있다. 45퍼센트의 구글 컷을 제외하고도 상당한 액수가 유튜브의 내규에 따라 공제되고 크리에이터에게 지급된다는 것은 공공연한 사실이다. 고가의 장비 구입과 제작비에 더해 채널들은 높은 수익을 추구한다. 그래서 유튜브 내의 지명도를 이용해 오프라인에서 사업을 벌이고 있고 활동 폭을 다른 온라인 사이트로 넓히고 있다. 또 유튜브 자체도 광고 수입에서 벗어나 좀 더 다양한 수입 창출 포트폴리오를 만들고 있다. 유튜브 레드는 그 시도의 일환이다. 이를 위해 더 다양한 콘텐츠가 필요하게 됐고, 대규모 저작권 업체들과의 협업은 더욱 확대될 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.3.117	kci_detailed_000015.xml
ART002134437	oai_dc	공간과 관찰의 변증법 : 설치 미술(Installation Art)의 범주설정과 문제의식	Dialectic of space and observation : The Category of Installation Art and Problem Consciousness	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김승호(동아대학교 미술학과)" ]	이 논문은 21세기 전시문화의 중심으로 부상한 설치미술에 초점을 맞추었다. 우후죽순처럼 늘어나는 국제전시에도 불구하고 새로운 장르로서 설치미술에 관한 논쟁과 더불어 비평의 부재는 오늘만의 문제는 아닐 것이다. 시각미술의 오랜 주제였던 공간개념에 관찰개념이 첨가되어 미술작품을 인식하는 기준이 변하는 것이 고찰되지 않았기 때문이다. 설치 미술을 해석하는 방법론은 차치하더라도 그것의 범주설정에는 침묵만 흐르고 있을 뿐이다. 역사적인 문맥에서 설치미술을 연구한 최근의 논문들은(영어권과 독일어권에서 연구되고 있음) 미학, 미술사, 예술철학, 미술비평을 통섭한다. 변화하는 미술계에 적합한 이론적 모델이 확산되고 있을 뿐만 아니라 지각현상의 변화가 설치미술에서 읽혀진다. 최근 서구의 연구서는 방법론적 문제보다는 설치미술이 역사적으로 추진되는 과정과 유형 그리고 카테고리를 들여다보게 한다. 인문학으로서 미술이론이 성립되기 위한 조건은 방법론적 접근에서 시작된다. 관찰자의 역할이 설치미술을 평가하는 기준이 된다는 논리에 방법론적 접근이 성찰되어야 할 것이다. 따라서 이 논문에서는 공간과 관찰이 역사적으로 어떠한 도구와 방법으로 관계를 맺는지 분석을 우선시 했다. 파노스프스키가 중세고딕에서 공간표현을 고찰하여 천상과 지상의 논리가 공간표현으로 포착되었고, 20세기 조각과 회화 간의 장르간의 경계를 해체한 역사적 아방가르드미술을 독해한 네오아방가르드작가들이 공간을 설치하여 새로운 조형예술의 장르로서 설치미술이 수면위로 부상한다. 이러한 역사적인 문맥이 설치미술의 유형을 가늠하는 수단에는 지각과 인식이 바탕을 이룬다. "주관적 전환(Subjektivist turn)"과 “전시가 미술을 생산”하고, 나아가서는 “전시가 관객을 조정”한다는 주장은 설치미술의 범주 설정에 관한 문제의식으로서 기술과 변화의 근원을 하나의 개념으로 포착할 수 없음을 반증한다. 발터 벤야민의 ‘생산자’와 ‘사회변화의 수용‘, 그리고 ‘현대미술시스템을 전시작가‘로 분석한 오스카 뵈치만, 올프강 캠프의 ‘동시대미술의 관찰자’는 미술전시가 담보한 최상의 조건을 인식하고 미적 가치를 평가하는 방법에 속한다. 그들의 이론적 모델들이 설치미술에 한정되지 않더라도 상징성과 은유에서 이탈하여 일상적 삶에 가깝게 밀착하는 설치미술을 방법론적으로 범주화하는데 화두는 남아있다. 설치미술이 미술전시에서 생명력을 획득하는 것은 1970년도에 들어와 본격화되었고, 21세기 최근의 비엔날레와 카셀 도쿠멘타 그리고 뮌스터 조각프로젝트는 새로운 관찰환경을 제시한다. 미술전시는 설치가 경험을 촉발하는 하나의 도구로서 관찰의 대상이 되어 관객을 조정하기 이른다. 공간과 관찰의 변증법은 설치미술을 조형예술로 온전하게 이해하는 길잡이로서 설치미술의 문맥을 재 고찰하는 방법이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.3.33	kci_detailed_000015.xml
ART002134439	oai_dc	사진적 행위와 응시 - 마이클 스노우의 <사진적 자화상>을 중심으로 -	The Photographic Act and Gaze - Focusing on <Authorization> by Michael Snow -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이형우(홍익대학교); 박지나(홍익대학교)" ]	본 연구는 마이클 스노우(Michael Snow)의 작품 <사진적 자화상 Authoriza -tion>(1969)을 자크 라캉(Jacques Lacan)의 응시 개념을 바탕으로 분석했다. 사진은 그 이미지를 존재하게 하는 행위 자체이다. 따라서 그것의 밖에서는 그 이미지를 생각할 수 없다. 그 행위는 이미지를 만들기 위한 촬영의 움직임뿐만 아니라, 이미지를 받아들이고 응시하는 행위까지도 포함한다. 그렇기 때문에 사진은 실행중인 이미지이다. <사진적 자화상 Authorization>(1969)은 무엇이 재현되고, 어떻게 생산되고, 어떻게 지각되는 지에 대한 물음을 사진 그 자체의 행위로 보여준다. 이러한 사진적 행위에서 라캉의 무의식의 욕망적 관계로서의 응시이론이 어떻게 논의되고 적용되는지 살펴보았다. <사진적 자화상>의 거울 장치를 응시로서의 거울 기능으로 고찰하였다. <사진적 자화상>은 거울을 통해 보고 보여지는 관계 속에서 존재한다. 이미지와 지시대상 그리고 이미지와 작동자와의 관계를 포함하는 ‘이미지-생산순간’에서는 거울 장치와 그것을 마주 보고 있는 주체 사이에서 드러나는 응시에 중점을 두었다. 거울과 마주한 주체는 반복되는 촬영과정에서 계속해서 다른 나로 바뀌어 돌아오게 되며, 나를 불완전한 주체로서 욕망하게 한다. 이 분열지점에서 욕망하는 주체는 결핍으로서의 대상a와 연관된다. 그리고 이 지점에서 응시가 나타난다. 여기서 응시는 스스로를 감추면서 드러내는 욕망의 결핍이다. 이미지와 관람자와의 관계로 얘기할 수 있는 ‘이미지-수신순간’에서는 의태의 얼룩 기능 그리고 스크린 기능을 중점으로 응시의 특성을 다루었다. 의태활동은 모방과는 차이가 있고, 이것은 응시와 시선의 차이와 관계한다. 모방이 주체의 눈의 기능을 통한 시선에 의한 것이라면, 응시는 주체가 자신을 드러내면서 감추는 위장술에 의한 것이다. 그리고 스크린은 주체의 삭제되어버린 이미지를 드러나게 해주는 것으로 이해할 수 있다. 스크린은 내가 보는 응시가 아니라 타자의 응시가 드러나는 곳이다. 거울 앞에 선 관람자는 스스로 거울의 얼룩이 되어 그 작품 속을 채워 넣는다. 대상a를 보고자 하는 욕망으로서의 주체는 눈속임에 사로잡히기도 하고, 그 너머에 있는 응시와 유희하기도 한다. 이러한 ‘이미지-행위’는 응시와 같이 움직이는 것을 볼 수 있다. 지시대상이 발산하는 환영적 이미지에서 응시가 출현하고, 이 응시는 푼크툼이 방출하는 환유적 힘과 함께 움직이며 지시대상 너머에서 욕망을 불러일으킨다. 곧 사진적 행위는 주체의 채울 수 없는 욕망을 그리고 결핍을 보고자 하는 욕망을 허락하는 것이다. 본 연구는 마이클 스노우의 작품<사진적 자화상>의 분석을 통해 사진적 행위에서 드러나는 주체와의 욕망적 관계를 응시로 규명하고, 또한 사진예술이 확실성에 대해 유동적인이라는 것을 규명하는 데 의의를 가진다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.3.95	kci_detailed_000015.xml
ART002134436	oai_dc	Contemporary Art and Degrowth	Contemporary Art and Degrowth	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "로베르토 바르방티(University Paris 8)" ]	The question of degrowth in art is not solely linked to the economic aspect and the role that contemporary art plays within the market as a “safe investment”. It also has to do with three other major aspects: (a) the disruption of connections between the biological foundations of the world and the realm of signs and machines: an epochal mutation that raises the question of the ‘de-colonisation’ of the imagination; (b) a new concept of the aesthetic that extends significantly beyond that of its German philosophical heritage; (c) and finally, the observation that art – and especially contemporary art – plays a fundamental role in the collective imagination. Indeed, our concept of contemporary art is based on a critique of the notion of the ‘Art World’. Two major new themes can be identified in aesthetic and artistic developments of the last half-century: on the one hand are practices inspired by new technologies, and on the other is the vast movement of research around environmental aesthetics. In conclusion, the article prefigures an art practiced not only for the growth of a productive activity, but above all as a discipline of the mind – in other words, a relationship of aesth-ethics.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.3.11	kci_detailed_000015.xml
ART002134438	oai_dc	패션 연출 공간과 설치 미술 형태 특징에 관한비교 연구	A comparative study on fashion communication space and Installation art form	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "무윈(대련대학교); 김순구(동서대학교)" ]	패션은 유행문화의 메신저로, 패션 연출 공간 역시 일반적으로 모두 강한 시대감을 갖고 있으며 지역의 소비경향을 반영하고 있다. 사람들의 소비수준과 품위유지 수준이 높아지면서 상업적 속성을 지닌 패션 연출 공간이 상품 판매에 있어서 소비자의 만족도를 높여주는 공간이 되었을 뿐만 아니라, 사회적인 의미에서 보면 공공 공간으로서 문화, 예술, 미(美)를 전파하는 책임을 갖게 되었다. 오늘날 소비자는 더 이상 단순히 쇼핑을 목적으로 쇼핑을 하는 것이 아니라, 여가를 즐기면서 문화, 예술, 미적 감각의 공간 속에서 쇼핑에서 얻는 즐거움을 체험한다. 따라서 패션 연출 공간의 디자인은 시대감과 스타일의 특색을 강조해야 할 뿐만 아니라 더욱 강한 예술적 감화력을 갖춰야 한다. 본문에서는 이론 및 사례 연구를 통해 설치 미술 형태의 4가지 중요한 특징을 연구했는데, 그 4가지는; 도시화 예술성 특징, 현품(现品)의 현장성 특징, 관람자 상호작용성(Interactivity) 특징, 그리고 미디어 하이테크놀로지 크로스 오버성 특징이다. 이러한 특징들과 패션 연출 공간 형태 간의 분석을 통해 공통적으로 연결되는 특징을 발견할 수 있었다. 설치 미술의‘예술 관념’을 추출하여 패션 연출 공간 속에서 ‘패션 문화 관념’이 형성되었는데, 이러한 ‘관념’은 소비자들에게 영향을 끼치고 그들의 마음을 움직일 뿐만 아니라 이러한 관념 특유의 인정하고 동의하는 태도는 브랜드 관념에 대한 긍정적인 반응에 직접적으로 영향을 주고 소비자들의 패션 브랜드에 대한 탐구를 지속적으로 이끌어낼 수 있다고 사료된다. 이는 궁극적으로 브랜드 구매 동기에 긍정적인 영향을 끼치는 동시에 소비자들에게 정신적인 즐거움과 만족감을 가져다주어 사회적으로도 큰 의미가 있다고 여겨진다. 설치를 이용해 나타난 미술 관념 형태의 특징과 패션 연출 공간을 설계적으로 연결하여, 패션 연출의 미술 형태를 위한 영향력 있는 모티브를 제공할 수 있다. 이를 통해 브랜드의 다양화된 시각적 이미지를 조성할 수 있을 뿐만 아니라 브랜드 경영 기업의 차별화된 브랜드 전략을 세우는데 도움이 되며, 또한 디자이너가 디자인 상태의 출발점과 창작 목표를 세우는데도 도움이 된다. 이로써 참신한 창작 사고 관념을 기반으로 한 효과적인 루트를 개척하고, 패션 문화의 보급에 깊은 의미를 남길 수 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2016.15.3.73	kci_detailed_000015.xml
ART001850055	oai_dc	홍명섭에 있어 조각 개념의 확장과 해체에 대한 연구	The Study of the Conceptual Expansion and Deconstruction on Hong Myung Seop's Sculpture	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "정효순(홍익대학교)" ]	본 논문은 홍명섭에 있어 '조각 개념의 확장과 해체에 대한 연구'로 그에 따른작품을 분석하고 미술사적 관점에서의 미학적 쟁점과 기존의 작가적 위상을 새로이 조망하는데 목적이 있다. 홍명섭(1948)의 작품의 특징은 개념적 성격을 지니고 있지만, 개념미술가로 말하기에는 의문이 든다. 그의 작품속에는 다양한 실험적 성격이 보여지고 있기 때문이다. 홍명섭의 작품속에는 개념적 실험미술의 성격을 계속해서 '차연diffėrance'시키고 '해체deconstruction'시키는 작품의 특징이 보여지고 있으며, 본 연구자는이러한 특징이 보여지는 작업을 중심으로 작품을 분석하였다. 홍명섭은 작품창작과 저술활동을 병행한 작가로서 작가 스스로가 작품을 비평함으로써 그 자체가 연구 대상이라 할수 있다. 이러한 특성으로 인해 작가의 저술글 속에는 미학과 철학적 성격이 보여지고 있으며, 본 논문은 그의 작업중 구조주의에서 후기구조주의로 가는 이행 과정중의 데리다Jacques Derriad의 차연과 해체, 후기구조주의에서의 바르트Roland Barthes의 텍스트의'즐김jouissance'과 '즐거움Le Plaisir' 현상이 보여지고 있는 작품을 중심으로 연구 하였다. 또한 홍명섭의 작품의 분석에 있어 포스트모던 철학비평의 선구자들인 데리다와 아르토Antonin Artaud를 통한 텍스트의 즐김과 해체, 바타이유George Bataille의쾌락의 개념을 통해 작품 분석에 깊이를 더하고자 하였다. 본 연구자는 이러한생각을 바탕으로 다음과 같이 홍명섭의 작품에 있어 작품의 위치와 미술사적 성격으로서 작가의 위상을 미학적, 비평적, 작업적 성향으로 분류하여 결론 지었다. 1. 홍명섭 작가의 미학적 쟁점: 데리다 차연diffėrance과 해체deconstruction,바르트의 텍스트의 즐김jouissance, 즐거움Le Plaisir2. 개념미술과의 차이: 감각과 시간성을 통해 개념미술의 한계를 넘어서기3. 포스트모더니즘과 홍명섭: 포스트모더니즘 메타비평을 통한 실험 작가홍명섭의 작품은 조각의 개념적 실험미술의 변종적 성격을 지닌다. 그의 작품에는 데리다의 차연과 해체주의, 바르트의 즐김jouissance, 즐거움Le Plaisir, 포스트모던 철학비평에서 바타이유의 즐거움(쾌락)이 보여지고 있으며, 그러한 미학적 점목을 통해 조각의 확장적 성격을 보여주고 있다. 홍명섭은 조각의 확장 영역을 개념적 실험미술을 통해 변이시킨 일종의 퍼포먼스의 변종이라고 보아야 할것이다. 단지 그것이 행위가 아닌 다양한 오브제와 실험적 작품으로 보여지고 있을 뿐이다. 홍명섭에 있어 조각 개념의 확장과 해체에 대한 연구 85그의 작품은 설치적 측면이 강하나 조각의 기본적 아우라가 계속해서 깔려 있다. 즉 홍명섭은 초창기의 조각의 기본적 시작을 중심으로 뒤샹의 개념의 의미를보여주고, 시간이 지남에 따라 개념적 실험미술로 조각의 확장을 펼쳐 나가며, 이러한 조각의 개념적 확장을 데리다의 차연과 해체를 통해 진행중으로 보여주고있는 것이다. 진행중인 작업은 관람객을 자신의 작품과 상호소통의 주체로 선정하고 관람객을 통한 또 다른 알레고리적 해석을 끊임없이 열어주며, 이를 토대로작품이 완결되는 감각적 즉흥성을 계속해서 유발시킨다. 결과적으로 홍명섭은 조각의 개념적인 성격을 넘어서 그때그때 감각을 중시했다. 개념미술적 측면을 지니고 있었지만, 그 한계를 넘어서려는 비판의식을 가지고 있었고 그러한 비판의식은 조각 개념의 해체라는 과정을 야기시켰다. 결국 홍명섭에 ...	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.83	kci_detailed_000015.xml
ART001850056	oai_dc	블라봐츠키와 루돌프 스타이너의 색채론의 비교	Comparision on the H.P.Blavasky and Rudolf Steiner's Color Theory	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "조관용(성신여자대학교)" ]	이 논문은 블라봐츠키의 신지학의 색채론과 루돌프 슈타이너의 색채론의 차이를 연구하는 데에 있다. 루돌프 슈타이너의 색채론은 블라봐츠키의 신지학의 영향을 받았지만, 블라봐츠키의 신지학과는 다른 색채론의 체계를 지니고 있다. 블라봐츠키의 색채론은 '진동과 의식의 진화'를 통해 물리적 세계를 넘어서 무한히열려 있는 색채를 인식할 수 있는 구조를 지니고 있지만, 루돌프 슈타이너의 색채론은 '운동과 상상력'을 통해 물질 이면에 존재하는 내적인 실체를 체험하여 자아의 본질을 인식하는 체계를 지니고 있다. 색채는 블라봐츠키에게 의식을 내재하고 있으며, 진동을 통해 생성되어 나와인간과 우주를 구성하는 본질적인 요소이지만 루돌프 슈타이너에게 인간과 자연의 이면에서 움직이고 있는 내적 실체들을 반영하는 이미지로서 상상력을 통해색채의 이면에 있는 내적 실체를 인식함으로써 인간의 고차원적인 인식을 획득할수 있는 매개체와 같은 것이다. 검은 색과 흰색은 블라봐츠키의 색채론에서 우주에서 실재하지 색채이지만 물리적인 세계에서 만들어낸 색채이지만, 루돌프 슈타이너의 색채론에서 검은 색과흰색은 인간의 본질적인 자아인 영혼의 실체를 상징하는 이미지이다. 일곱 개의색채는 블라봐츠키에게 공간이 지니고 있는 3중성의 성질을 통해 생성되어 나온7중의 존재구조와 동일한 대응 관계를 지니고 있으며, 인간은 자신의 7개의 신체의식 구조를 이루고 있는 색채의 성질과 기능을 통해 태양계의 7개의 행성로고스들을 비롯하여 태양과 우주의 생성원리와 작용을 이해할 수 있는 것이다. 반면에 루돌프 스타이너의 색채론의 체계는 일곱 개의 색채 이외에도 검은색과흰색, 살색을 추가하여 10가지의 색채의 체계를 지니고 있다. 검은색과 살색은죽음과 인간의 혼의 이미지를 상징하며, 흰색과 녹색은 인간의 영과 자연의 생명을 상징하고 있다. 검은색과 살색은 그에게 하나의 짝을 이루고, 흰색과 녹색은짝을 이루어 위와 아래의 대립된 색채의 체계를 형성하고 있다. 그리고 이들 좌우로 정신이 외부로 향하는 색채들과 정신이 내부로 향하는 색채들의 대립 구도를 이루며, 색채들은 인간의 영혼의 운동을 드러내는 이미지로 작용한다. 색채는 블라봐츠키에게 사유와 함께 진동을 통해 생성되어 나와 의식을 내재하고 실체로서 인간의 의식 진화를 통해 무한히 인식할 수 있는 것이지만, 루돌프슈타이너에게 상상력을 통해 색채 이면에 있는 실체들로 인식을 확장함으로써 그실체를 파악할 수 있는 요소를 지니고 있다. 다시 말해 색채는 블라봐츠키에게블라봐츠키와 루돌프 스타이너의 색채론의 비교 131의식의 진화를 통해 인식할 수 있는 요소이지만, 루돌프 슈타이너에게 상상력을통해 그 이면에 있는 실체를 인식할 수 있는 매개체인 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.129	kci_detailed_000015.xml
ART001850058	oai_dc	텍스타일산업에서 융합디자인의 사례연구	Convergence Design of Textile Industries and Case Studies	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "정경연(홍익대학교); 최서윤(홍익대학교)" ]	현대사회는 다양성이 인정되는 디지털문화와 미디어매체의 발달로 인해, 하나의 절대적 이념이나 가치관에 근거한 사고만 갖고선 더 이상 경쟁우위에 있기 힘든 사회가 되었다. 넘쳐나는 문화와 정보의 홍수 속에서 사람들은 하나의 가치를신봉하기 보단 다원화된 사고체계를 가지게 되었다. 이로 인해 대중들의 변화된사고에 어울리는 유연성 있는 융합디자인이 대중적 양식이 됨으로서 다양한 문화및 정보를 실시간으로 공유할 수 있게 되었다. 디자인 전반에서는 여러 분야와의협업을 통해 기술 접목을 시도 하였고 최근의 텍스타일디자인은 심미성뿐만 아니라 디자인과 과학의 영향을 받고 있는, 즉 기능성이 첨가된 작품들이 발표 되고있다. 특히 섬유제품부분의 발전은 테크놀로지의 발달과 함께 서로 다른 기술이결합해서 만들어지는 융합기술 분야에서 두드러지고 있다. 과거의 텍스타일디자인산업은 소비자들의 기호에 맞추어 디자인과 기술 개발에하는 것에 집중되었다면 현재의 텍스타일 디자인은 과학과 예술이 함께 어우러져창출해내는 문화적 산물이며 끊임없이 다양한 모습으로 변화하고 적용되어 다양한 수요를 창출해 낼 수 있게 되었다. 이에 섬유제품디자인을 인테리어와 제품,패션을 기준으로 분류하였다. 텍스타일 산업에서의 융합디자인의 사례연구를 각각의 범위에서 기능성, 감성, 친환경적 텍스타일의 활용과 분석으로 분류하여 그특성에 대해 연구하고자 한다. 이에 본 연구에서는 앞으로 미래텍스타일산업의융합유형과 사례연구, 과학 기술을 결합한 텍스타일디자인에 가능성을 제시하고자 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.199	kci_detailed_000015.xml
ART001850054	oai_dc	해체주의적 시각에서 본 연출사진에 나타난 혼재성- 제프 월(Jeff Wall)의 작품을 중심으로 -	Analysis of Heterogeneity in Staged Photographic based on the Perspective View of Deconstruction - Focused on Jeff Wall's Works -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "고경호(홍익대학교); 김혜림(홍익대학교)" ]	사진은 1839년에 공식적으로 발명되었지만, 사진의 진정한 발견은 1979년에이루어졌다고 언급한 더글라스 크림프(Douglas Crimp)의 주장처럼, 사진은 기록을 위한 수단이나 예술의 보조적인 지위에서 벗어나 회화나 조각처럼 작가의 의도를 표현하기 위한 수단으로 활용되기 시작했다. 이러한 변화 속에서 사진은 독자적인 미학을 수립하며 하나의 예술적 표현 매체로서 예술영역에 수용되었다. 그리고 2000년대에 들어 사진은 디지털 기술과 결합하여 다시금 매체의 한계성을넘어 새로운 담론을 형성하고 있다. 본 연구에서는 먼저 사진을 둘러싼 여러 논의들을 통해 실재와 동일시되는 무매개적인 자기현존의 증거로서, 그 동안 사진이 누려왔던 특권적 지위에 대해 선행적으로 살펴본 후, 동일성의 원리를 전복시킨 데리다(Jacques Derrida,1930-2004)의 해체주의적 시각을 통해 연출사진에서 나타난 실재와 허구의 경계적 특성을 분석해 보고자 한다. 이를 위해 연출과 재연이라는 방법을 통해 사진의 리얼리즘적 가치를 해체한 작가 제프 월(Jeff Wall, 1946-)의 작품을 중심으로그의 연출사진에서 보이는 해체성에 대해 고찰해 보았다. 먼저, ‘유사 다큐멘터리(near documentary)’의 개념을 통해 작가가 경험한 현실을 ‘재연(re-enactment)’한 제프 월의 연출사진을 중점적으로 분석해 봄으로써, 실재와 허구의 경계의 틀이 깨지고 불확정적인 상태로 혼재되어 있음을 알수 있었다. 또한 제프 월은 영화촬영 기법인 ‘시네마토그라피(cinematographic)’를 사진에 도입하여 현실에 허구적 요소를 이식함으로써 ‘재구성된 현실’ 혹은‘허구화된 현실’처럼 실재와 허구가 상호보완적 논리 속에서 서로 공존하거나 그두 세계가 구분없이 뒤섞여 ‘비현실적인 현실’을 그려내고 있음을 알 수 있었다. 이처럼 제프 월의 작품은 본질적으로 사진이 지닌 동일성의 논리를 전복시킴으로써 실재와 허구라는 이중적 제스처 속에서 보완물의 논리를 생성할 수 있는 가능성을 도출한다. 따라서 본 연구는 이러한 연구과정을 통해 제프 월의 연출사진 속에 재현된 현실이 실제를 넘어 ‘새로운 진실’로 수용되고 있으며, 이로써 사진의 ‘새로운 리얼리티(New Reality)’에 대한 가능성을 제시하는데 의의를 지닌다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.61	kci_detailed_000015.xml
ART001850059	oai_dc	가상현실 예술에 적용된 센서를 통한 실재, 인식그리고 매개의 문제 연구- 인지주의와 발제주의적 접근의 비교 분석을 중심으로 -	A Study on the Problem of Reality, Cognition and Mediation through Sensors Applied to Virtual Reality Art - A Comparative Analysis of the Cognitive and Enactive Approach -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "오준호(서강대학교)" ]	일반적으로 가상현실에서 가상성은 사실적으로 재현된 3D 공간을 상호작용적으로 탐색하는 것을 의미한다. 그러나 사이몬 페니는 90년대 미디어 아트의 가상성이 감각운동의 사실성의 관점에서 파악되어야 한다고 본다. 이러한 차이는 인지과학 분야에서 실재, 인식과 매개의 문제와 관련하여 상이한 관점을 취해온 인지주의와 발제주의의 차이와 대응한다. 본 논문은 우선 인지주의와 발제주의의차이를 고찰하고, 「파사드(Façade, 2005)」와 「강박(Obsession, 2005)」이라는 가상현실 작품에서 인지주의와 발제주의적 접근이 구체화되는 방식을 작품에 적용된 센서와 처리 구조를 중심으로 비교 분석 한다. 인지주의에서는 심적 표상이 처리되는 과정의 인과적인 관계를 설명하고, 표상과 행위를 통한 물리적인 변화를 어떻게 연결할 것인가가 핵심적인 문제가 된다. 발제주의는 감각운동과 환경의 규칙성을 설명하는 것을 목표로 한다. 「파사드」와「강박」은 대화와 행동이라는 매개 과정에서 발생하는 의미 차원으로 상호작용적서사의 가능성을 확장한다. 그러나 「파사드」 표상 처리를 중심으로 하며, 「강박」은 관객의 감정에 상응하는 미디어 요소들을 몽타주하여 체화와 서사라는 두 요소가 통합될 수 있는 방법을 모색한다. 「강박」에서 나타나는 센서를 통한 비담론적 상호작용의 특성은 90년대 미디어 아트 전반에서도 발견된다. 미디어 아트는지각을 매개하는 새로운 형식을 탐구해왔던 것에서 그 본래적 의의를 찾을 수 있으며, 작품에 적용된 센서가 구성된 방식이 이에 대한 유효한 판단 기준이 될 수있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.217	kci_detailed_000015.xml
ART001850060	oai_dc	동적 요소와 반복제시의 시간 장면화- 영화 ‘펀치 드렁크 러브’를 중심으로 -	Dynamic Elements and Time Scene-Making of Repeat Presentation - Focusing on the Film, ‘Punch-Drunk Love -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김동현(동서대학교)" ]	조합, 배열된 영화시간은 현실의 시간 흐름과 차별화되며, 장면화 된 쇼트는 동적 요소에 의해 나타나는 지속시간을 가진다. 그럼, 반복 제시에 의한 장면화도가능한가? 가능하다면 어떤 것이 전제되어야 하는가? 라는 의문점에서 본고는 출발하며, 우선, 쇼트 내의 지속시간을 결정하는 동적 요소와 시간 장면화에 주목한다. 그리고 제라르 쥬네트의 시간이론 중 빈도의 네 가지 분류 체계를 이론적 근거로 적용, 논의를 진행하여 그것을 밝히는 것에 목적이 있다. 지속시간을 좌우하는 동적 요소에는 인물 동선과 동적 카메라(수평·수직, 전진·후진 이동)가 있다. 인물 동선은 정적인 움직임과 인물 스스로 공간을 이동하는 시간소요체로서의 움직임, 이 모두를 포함한다. 동적 카메라도 그 자리에서 기계적인 힘에 의해 포착되는 것과 자신이 직접 이동하며, 스스로의 시간을 만드는 것이 있다, 이런 동적요소는 서로 관계하고 계획되어 시간의 압축, 확장, 일치의 시간재현 장치로 작동한다. 아울러 요약 반복적(다수의 이야기-하나의 장면화), 복수 단일적(다수의 이야기-다수의 장면화), 반복 나열적(하나의 이야기-다수의 장면화), 단일적(하나의이야기-하나의 장면화)시간이 반복 제시되어 나타나는 시간 장면화로 기능함을영화 <펀치 드렁크 러브, 2002>의 장면 분석을 통해 그 가능성을 발견함과 동시에 반복 제시에 의한 시간 변조의 전제 조건은 한 공간의 동일 시간대, 두 번 반복 제시라는 공통분모에, 인물 동선의 경우 다수의 이야기, 동적 카메라에는 하나의 이야기, 그리고 연속성(인물 동선과 동적 카메라)이 담보된 롱 쇼트(시간 일치)가 인위적으로 유지되어야 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.241	kci_detailed_000015.xml
ART001850052	oai_dc	아르떼 포베라(Arte Povera)의 예술 정신에 관한 연구- 이탈리아의 작가들을 중심으로 -	A Study on the spirits of Arte Povera	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "박홍필(홍익대학교)" ]	이 논문은 이탈리아의 아르떼 포베라의 예술 정신을 조명하는 데에 있다. 이탈리아 아르떼 포베라는 1960년대에 미술이 정치와 자본의 개입에 반대하여 일어난미술 운동으로 개념미술과 팝아트와 미니멀리즘과 달리 현대 미술의 하나의 중요한 흐름을 형성하고 있다. 아르떼 포베라는 ‘가난한’ 또는 ‘빈한한’이라는 정의를지니고 있지만, 보다 정확한 의미로는 아르떼 포베라 이전의 이즘 위주의 철학적개념이나 담론들을 기반으로 하는 미술을 거부하며, 미술의 본질적인 요소 외에어떤 것도 미술에 개입되지 않는 개념을 의미한다. 팝 아트가 대중의 전형적인 이미지를 차용하여 대중과 소통하려고 정크 아트가버려진 재료를 재생하는 미술인 반면에 아르떼 포베라는 일상의 삶에서 접하는재료, 공간, 형태들을 사용하여 대중과 소통하였다. 다시 말해 개념 미술이 사회적인 인식을 지닌 오브제의 개념을 지니고, 미니멀리즘이 조형적인 형태를 최소한 것으로 환원하여 연극성을 내재하고 있는 데에 반하여 아르떼 포베라는 미술과 일상의 삶과 분리하지 않고 각 개인들의 삶의 체험을 기반으로 하는 시적인미술을 지향하고 있다. 1967년 아르떼 포베라 운동 참여 작가들로는 알리기에로 보에티(AlighieroBoetti)의 포스터에 등장한 쟌니 쿠넬리스(Jannis Kounellis), 미켈란젤로 피스톨레또(Michelangelo Pistoletto), 쥴리오 파올리니(Giulio Paolini), 루치아노 파브로(Luciano Fabro), 질베르또 조리오(Gilberto Zorio), 피노 파스깔리, 마리오 메르츠(Mario Merz), 질라르디, 피아 첸티노, 네스 폴로, 시모네티, 체롤리, 이까로,몬디노, 쉬파노등 총 16명에 이지만, 2000년대에 이탈리아에서는 운동이라기 보다는 미술의 한 경향으로 이 미술을 분류하고 있으며, 대표적 작가로는 조반니안셀모, 보에띠, 깔조라리(Pier Paolo Calzolari), 파브로, 쿠넬리스, 메르츠, 마리자 메르츠(Maisa Merz), 파올리니, 페노네, 피스톨레또, 조리오 등 11명이 거론되고 있다. 공간의 형태는 아르떼 포베라에서 심미적인 하얀 입방체의 공간이 아니라 일상의 삶과 분리되지 않았으며, 재료의 특성은 장식적인 재료들이 아닌 이탈리아의만죠니, 알베르토 부리뿐만 아니라 마르셀 뒤샹과 요셉보이스의 영향을 받아 일상의 재료들을 사용하고 있다. 무엇보다도 조형의 형태는 캔버스의 형태에서 탈피해 일정한 규칙이나 규격이 없는 자유로운 형태로 일상의 공간에서 추구하고있다. 아르떼 포베라는 이탈리아의 만죠니, 알베르토 부리와 미래파뿐만 아니라 마르아르떼 포베라(Arte Povera)의 예술 정신에 관한 연구 9셀 뒤샹과 요셉 보이스와 추상표현주의 작가인 잭슨 폴록에게 영향을 받았지만또한 현대미술의 주요한 흐름을 형성하고 있는 영국의 yBa 작가들은 물론 1980년대의 이탈리아의 트랜스 아방가르드와 독일의 신표현주의, 그리고 미국의 그라피티의 미술의 흐름에 영향을 주었다. 아르떼 포베라는 1960년대에 이탈리아를 중심으로 일어난 미술 운동으로 팝아트와 개념미술, 미니멀리즘과는 달리 현대 미술사에서 하나의 축을 형성하고 있다. 아르떼 포베라의 예술 정신을 정확히 인식하는 것은 현대 미술의 흐름을 이해하고 재조명하는 데에 있어서 가장 중요한 요소가 될 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.7	kci_detailed_000015.xml
ART001850053	oai_dc	이념을 위한 공공미술에서 공존을 위한 공공미술로- 한국 공공미술의 패러다임 변화 -	From Public Art for Ideology to Public Art for Coexistence - Paradigm Shift of Public Art in Korea -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김이순(홍익대학교); 문혜영(홍익대학교)" ]	본 논문은 지난 100여 년 동안 한국에서 전개된 공공미술을 세 유형으로 나누어 살펴보았다. 첫 번째 유형은 동상이나 모뉴멘트이다. 한국에는 1910년 즈음에특정 인물을 기념하기 위해 인물의 초상을 동상으로 만들어 공적 공간에 세우는개념이 일본을 통해 유입되었으며 1920년대에는 동상들이 공적 공간에 건립되기시작했다. 근대기에는 대개 학교 설립자들의 동상이 학교 교내에 세워졌다. 해방이후, 특히 한국전쟁 이후에는 애국선열들의 동상이 건립되었고 주로 전쟁 영웅들과 충혼탑들이 대대적으로 건립되었다. 전쟁 직후이면서 국가 정체성 확립기와맞물리면서 전국에 기념조형물들이 권위적이고 계몽적인 형상으로 세워졌다. 두번째 유형은 환경조형물로, 1980년대에 ‘건축물미술장식’ 제도가 법으로 도입되며도시에 환경조형물들이 대거 등장하게 되었는데, 1986년과 88올림픽을 앞두고 도시를 아름답게 꾸미고 미술가들을 경제적으로 지원하고 창작의 기회를 제공하려는 데 목적이 있었다. 그러나 현재 환경조형물들은 주변 환경과의 컨텍스트 부재,공공성의 실종, 건축주의 터무니없는 리베이트 관행 등으로 적잖은 문제점을 안고 있다. 건축주가 단순히 건축의 준공검사를 받기 위한 통과의례로서 작품을 설치하는 것이 아니라 진정으로 자신의 건축과 주변 환경에 어울리는 작품을 설치하고 작품을 보존 관리하는 적극적인 자세가 필요하다. 세 번째 유형으로는 공동체 기반의 공공미술로, ‘환경조형물’이 갖고 있는 폐단을 극복하기 위해 진보적인평론가들이 제시한 공공미술이다. 이는 수잔 레이시의 "New Genre Public Art"의 담론을 토대로, 오브제 중심의 미술품보다는 시민참여와 소통을 중심으로 한공공미술이다. 아이러니컬하게도 이 유형은 시민이 ‘공공미술’로 받아들이기 어려워하고 있다. 대표적 사례인 <안양공공예술프로젝트>의 경우, 170-80억의 기금이소요되었지만 안양시민들의 참여는 매우 저조할 뿐만 아니라 이 프로젝트의 결과물을 유지하기 위해 너무 많은 비용이 들어가고 있다. 이 세 유형 중 어느 하나를 다른 것 보다 더 우월하고 가치 있거나 발전된 것으로 평가 내릴 수는 없다. 미술, 특히 일반 대중의 정서에 개입하는 공공미술은 각 시대마다의 사회적 산물로서 역사적 가치가 크기 때문이다. 본 연구에서는 한국에 공공미술이 도입된 이후 전개되었던 공공미술 패러다임의 변화와 함께 다양한 유형의 공공미술의 장점과 한계를 고찰함으로써 보다 의미 있는 공공미술을 구현하기 위한 토대를 마련하는 데 목적이 있다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.33	kci_detailed_000015.xml
ART001850057	oai_dc	아브젝트 미술에 관한 연구- <키키 스미스>의 신체에 나타난 감정의 역할을 중심으로 -	Study on Abject Art - Focus on roles of emotions of <Kiki Smith> in Body -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김석원(한양대학교)" ]	연구자는 <아브젝트 미술(Abject Art)>의 관점에서 바라본 <키키 스미스(KikiSmith)>의 감정에 관해서 연구했다. 감정은 현대사회를 살아가는데 있어서 중요한 키워드 중에 하나이다. 철학은 1980년대 감정과 인지, 감정과 합리성에 대해서 중점적으로 연구하기 시작했는데 중요한 점은 1980년대 정신분석학자 줄리아크리스테바(Julia Kristeva)가 아브젝시옹(Abjection)이란 개념을 언급하면서 <아브젝트 미술>이 발생한 시기와 맞물린다는 점이다. 이 부분이 중요한 이유는 <아브젝트 미술>이 지향하는 것 중에 하나가 인간이 보편적으로 느끼는 아름다운 감정에 대해서 저항적인 의식을 드러냈기 때문이다. <아브젝트 미술>에 대해서 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)는 <문명과 그불만, 1930>에서 “문명화는 엎드린 신체, 항문, 후각 등을 억압하는 대신 직립한신체, 성기, 시각 등에 특권을 준다” 고 생각했다. 이런 점에서 볼 때 <아브젝트미술>은 타인이 혐오스러워 하는 항문과 배설물을 과시함으로서 문명사회의 질서를 교란시키는 측면이 있다. <아브젝트 미술>은 긍정적인 측면과 부정적인 측면이 동시에 존재한다. 부정적인 측면은 혐오스럽고, 직선적이며, 눈살을 찌푸리게하는 요소가 있다. 이런 이유 때문에 관객들에게 관심을 끌게 할 수 없는 부분이존재한다고 생각한다. 긍정적인 측면으로는 현대예술에서 의미, 목적, 가치를 지닌 작품에 지나치게 집중한 경향이 있는데, 이러한 가치는 인간이 스스로 규정한가치다. 하지만, <아브젝트 미술>이 중요한 것은 무의미한 것 혹은 관심의 대상이 되지 않은 것을 다시 한 번 되돌아보는 것도 가치가 있다고 생각한다. 본 연구는 아브젝트 미술(Abject Art)>의 관점에서 <키키 스미스(KikiSmith)>의 감정에 관한 연구를 위해서, 프랑스의 정신분석학자 줄리아 크리스테바의 아브젝트 개념과 <아브젝트 미술>에 대해서는 할 포스터의 견해와 지그문트프로이트의 트라우마와 불안을 연구하였다. 이 논문에서 결과로 도출한 내용은프로이트의 정신분석학에서 거론되는 항문기 아이들이 배변행위를 통해 쾌락을경험을 스미스의 열<Train>이란 작품과 연관 지어서 분석한 결과 배설행위는 작품의 주인공이 불안한 긴장의 원천을 제거한 후에 안도감을 표현한 것으로 이해되며, 심리적 문제가 어떻게 육체적 문제를 통해서 문제를 규명할 수 있는지에많은 고민을 한 것으로 이해된다. 그런 의미에서 보이지 않는 영역(심리적 불안)과 보이는 영역(행위에 대한 죄책감)은 동일한 개념으로 해석된다. 결국, 이 논문에서 인간의 감정을 살펴본 것은 인간의 심리적인 요소가 한편으로는 덧없고, 강박적이며, 불안한 의미를 지니고 있다고 일부분 인정하고자 한 것이다. 이러한 표아브젝트 미술에 관한 연구 157현이 현실을 부정적으로 바라보는 것으로 생각할 수 있지만, 결국은 주체의 무의식에 자리 잡고 있는 하나의 현상이라는 것을 알게 되었다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.155	kci_detailed_000015.xml
ART001850061	oai_dc	무용 공연 ‘Tuning 11 - The Stone’에서 활용한 영상 기능에 관한 제작 사례 연구	The Functions of Moving Images Utilized for the Dance Performance ‘Tuning 11 — The Stone’	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "김해윤(동서대학교)" ]	영화를 비롯한 영상 예술 분야는 테크놀로지의 발전에 의하여 인간이 상상할수 있는 모든 것을 표현할 수 있을 정도로 표현의 제약이 거의 없어졌다. 표현의확장은 스토리의 자유로운 표현을 가능하게 해주었다. 이는 다양한 작품 창작을가능하게 하였으며 이를 통하여 영상 산업은 놀라울 정도로 발전하였다. 이에 비하여 연극이나 무용을 비롯한 공연 예술은 상대적으로 전통적인 표현 방식을 여전히 유지하고 있다. 공연 예술의 주요 표현 요소는 연기자 또는 무용수이며 공간은 무대로 한정되어 있기 때문에 테크놀로지의 활용이 제한적일 수밖에 없기때문이다. 이러한 원초적인 한계가 있음에도 불구하고, 공연 예술에서 영상 매체를 비롯하여 테크놀로지를 적극적으로 활용한 작품들이 국내에서도 증가하고 있는 추세이다. 공연 영상 분야가 하나의 독립된 예술 분야로 발전하기 위해서는이에 대한 학문적 연구 또한 필요하다 할 것이다. 본 논문에서는 무용 공연이 가지고 있는 표현의 한계성을 해결하는데 있어서영상이 활용되어진 제작 사례를 연구하였다. 2013년 부산 영화의 전당에서 공연된 무용 작품 ‘Tuning - The Stone 11’ (안무가 박은화)은 인간의 내면 속에잠재되어 있던 삶의 고뇌를 토대로 스토리를 구성하였다. 본 무용 작품에서는 스토리의 이해가 필요한 부분이나 감정 표현 및 상징적인 표현을 강화하는 장면을선택하여 영상을 적용시켜 무용의 표현 영역을 확장시키고자 하였다. 본 연구는영상이 관객과의 소통에 어떠한 기능을 하였는지에 대하여 사례 중심으로 분석하였으며 서술적 내용을 추상적으로 표현하는 무용 공연에서 서술적 표현이 가능한영상이 무용 예술 표현 확장에 어떠한 역할을 하는지를 제시하고자 하였다. 무용예술이 다양한 방식으로 표현의 확장을 하는데 있어서 영상 매체가 적극적으로활용되어지리라는 기대로 본 연구를 하였다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2014.13.1.257	kci_detailed_000015.xml
ART001794116	oai_dc	정보 시각화를 통한 선거캠프용 소셜미디어 분석 대쉬보드 구현	Implementation of Election Campaign Social Media Analyzation Dashboard for Information Visualization	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "오형용(㈜ 라인테크시스템)" ]	최근 트위터, 페이스북으로 대표되는 소셜미디어가 스마트폰의 보급으로 빠르게 확산 되면서 다양한 멀티미디어 콘텐츠가 폭발적으로 증가하게 되었다. 이에 따라 데이터의 양이 증가하면서 기존의 웹 로그(web log)방식으로는 분석이 어렵기 때문에 빅 데이터(Big Data)에 대한 관심이 높아지고 있다. 하지만 소셜미디어에서 생산 되고 있는 빅 데이터와 이를 분석한 정보들의 중요성이 부각되고 있음에도 불구하고 비정형적이고 복잡하게 얽혀있는 데이터를 시각적으로 표현하는데 많은 한계가 있다. 정보 디자인에 있어서 조직화 되고 시각화된 정보와의 상호작용을 위한 GUI(Graphic User Interface)는 많은 발전을 이루었지만 웹 기반으로 이루어진 소셜미디어의 특성상 인터넷이나 모바일 환경에서 실시간으로 표현하기에는 웹 표준에 대한 낮은 관심도와 특정 인터넷 브라우저만을 고집하는 국내 인터넷 환경에 인해 분석된 데이터를 효과적으로 시각화하기에는 어려운 실정이다. 따라서 모바일 환경에 적합하고 웹 표준을 기반으로 한 정보 시각화 기술이 필요한 상황이며 이는 분석한 데이터를 보다 흥미롭고 이해하기 쉽게 표현하기 위해 그래픽 중심의 인포그래픽(infographic)으로 표현 되어야 할 것이다. 본 논문에서 제안하는 정보 시각화를 통한 소셜미디어 분석 대쉬보드(Dashboard)는 수집 및 분석 된 데이터를 웹 기반의 대쉬보드 형태로 구현 하여 소셜미디어에서 벌어지는 최근 이슈 등을 TV 모니터, 인터넷, 모바일 기기에서 실시간으로 볼 수 있도록 설계하였다. 본 연구에서 선정한 분석 이슈는 소셜미디어에서 사용자들의 정치사회적 참여가 활발한 점을 감안하여 정치적 이슈로 선정하고 본 연구에서 구현한 시스템을 선거 캠페인용으로 제작 하여 국내 선거에서 이슈가 되는 키워드를 대쉬보드에서 볼 수 있도록 설계하였다. 본 논문에서 제안하는 시스템은 실제 관공서 및 기업 마케팅용 등으로 설치가 가능하며, 이슈에 따라 여러 형태의 시스템으로 활용 가능하다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2013.12.3.147	kci_detailed_000015.xml
ART001794085	oai_dc	반 고흐의 "감자먹는 사람들" 연구	A Study on Vincent Van Gogh's "Potato Eaters"	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "서성록(안동대학교)" ]	빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh)는 생전에 총 2천여점의 작품(유화 850여점, 소묘 1100여점)을 남겼지만 그중에서도 제일 심혈을 기울인 작품은 <감자먹는 사람들>(1885년)이다. 이 작품은 그가 여러 습작을 거쳐 탄생시킨 유화작품으로, 이 작품을 통해 농부들과의 일체감과 그들의 정직성을 나타내고자 했다. 그는 뉘엔과 드렌테 시절 유난히 기층민에 많은 관심을 표명했는데 <감자먹는 사람들>도 이런 맥락에서 이해할 수 있을 것이다. 본 연구에서는 이 작품이 농부들의 생활을 묘출한 것에 머무르지 않고 그림속의‘성만찬’ 장면과 ‘램프의 조명’ 등 영적인 상징성을 되살려 냈다는 사실에 주목하고자 했다. 도상속의 농부들은 깊은 시름에 빠져 있지만 마치 성만찬 장면처럼 일용할 음식을 나누는 동시에 램프의 불빛이 암시하듯 신의 은총이 식탁 주위에 임재하고 있다. 즉 감자로는 육신의 양식을 섭취하지만 빛으로는 생명을 양식을 섭취하고 있다는 것을 확인할 수 있는 셈이다. 본고에선 반 고흐의 <감자먹는 사람>들에 내재된 풍부한 의미층을 분석하고 조명하였다. 제 Ⅱ장에서는 어떤 경위로 이 작품이 탄생되었는지 <감자먹는 사람들>의 형성배경을, 제 Ⅲ장에서는 <감자먹는 사람들>에 대해 안톤 반 라파르트(Anthon van Rappard) 사이에 오간 열띤 논쟁을 통해 고흐가 추구한 예술적 지향점은 무엇인지를 고찰하고, 제 Ⅳ장에선 그의 예술의 핵심인 농부와 빈민에 대한 깊은 관심을 형성하게 된 사상적 배경을 토마스 아 캠피스(Thomas a Kempis)와 에르네스트 르낭(Ernst Renan)을 중심으로 논의하였으며, 제 Ⅴ장에선 동료화가인 에밀 베르나르(Emile Bernard)와의 대화를 통해 기독미술의 해석을 놓고 대립한 입장을 통해 반 고흐가 펼친 내역은 무엇이었는지 분석하였다. 궁극적으로 <감자먹는 사람들>은 기존의 종교화를 뛰어넘는 새로운 도상이었다. 반 고흐는 신성이 일상의 사물과 인물속에 드리워져 있다고 믿었고, 그러한 상징적 이미지들을 자신의 조형 안에 적극적으로 끌어들였다. 그의 후기대표작인 <별이 빛나는 밤>이 새 예루살렘에 대한 소망을 나타냈다면, 초기 대표작인 <감자먹는 사람들>은 가난한 가정에 임한 성육신의 신비를 상징한다고 볼 수 있다. 이 작품에 반 고흐가 유달리 많은 애착을 나타낸 것은 이런 연유에 기인하며, 이는 중세 이후 끊긴 종교적 상징을 무개성적 답습이 아닌, 동시대의 언어로 복원시켰다는 점에서 큰 의미를 갖는다. 그러므로 그가 화가가 된 후로 종교를 등졌다는 일부의 통설은 사실과 어긋난다. 그는 초기부터 아를르를 거쳐 생레미, 오베르시절까지 꾸준히 상징의 복구와 새로운 도상을 개발하는 데에 심혈을 기울였기 때문이다. 연구자는 이 논문을 통해 반 고흐가 소박한 농부들의 생활에 착안하여 ‘현대적 종교화’(Modern Religious Painting)를 창조했는지 검토해보고자 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2013.12.3.7	kci_detailed_000015.xml
ART001794101	oai_dc	판화란 무엇인가?	What is a Print?	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "권순왕(홍익대학교 판화과)" ]	이 논문은 판화에 대한 것으로 그림에 관한 질문이다. 많은 사람들이 판화는 회화와의 관계에서 창조적인 지평으로부터 소외된 것으로 잘못 알고 있다. 판화는 단지 단색으로 찍어내는 단순한 복제쯤으로 알고 있다는 것이다. 어디까지나 판화는 점을 찍는 행위와 선을 긋는 것, 그리고 면을 드러내거나 빠른 붓놀림으로 담아내어 표현된 회화성을 넘는 질료들을 포괄하고 있다는 것을 알아야 한다. 또한 존재에 대한 근원적인 사유에 해당하는 철학적인 용어이기도 하다. 판화는 이미지를 생성하는 과정을 몸으로 담고 있으며 이러한 시지각적 생산들을 소통시키고 조합하는 매커니즘을 갖고 있다. 특히 미술가가 창조적 과정에서 겪는 사고의 지평을 판화의 순간으로 대체해 보면 판화는 그리는 행위를 말하는 명백한 단어이다. 이러한 것을 설명하기 위해서 Ⅰ장의 서론은 표현의 과정을 다루게 된다. Ⅱ장 이미지 흔적의 과정은 판화가 관념이 시작되는 사물과의 대립각으로부터 생성되는 것이고 양자간에 이루어지는 마주보기로 설정된다. 첫째로 판화의 매개를 다루기 위해 거울장치의 예를 든다. 둘째로는 콜라주와 사물을 기술하면서 판화가 장치로서 현대미술에 개입되는 상황을 설명한다. Ⅲ장은 중첩된 판화로 이미지가 지표라는 구조를 만들어내는 창조적 역할을 미술사의 관점에서 강조한다. 후기모더니즘 시기 있었던 회화가 탈 신체를 통해 지각이 강조된 측면을 다룬다. Ⅳ장은 불가능한 가능성의 판화를 포스트모던을 다루었던 방식들로 살펴보는 것이다. 결국 판화가 표현성에 입각하여 그림에 이바지함을 매체 특정적 회화로 주장하고자 하는 것이다. Ⅴ장은 결론으로 포스트모던 이후를 가능하게 하는 그림을 표방함으로써 판화가 21세기에 새로운 매체의 회화로 활약할 것을 창조적인 관점에서 주장할 것이다. 판화는 모든 장르에 걸쳐져 있는 특수한 촉매회화라는 용어이다. 미술이 단지 나타난 형식만으로 내용을 결정하고자하는 모더니티의 특성만을 고려함이 아니라면 모든 창조적 과정들이 관념의 씨앗으로부터 싹이 난다는 것과 개별적 입장들이 동시에 공존하게 될 창조의 마당이 되는 포스트모던 이후를 바란다면 판화적 방법이 중심이 된 그림은 더욱 풍부함을 갖게 될 것이다. 특히 동시대미술이 사고와 표현의 공존을 더욱더 중요하게 여긴다는 것을 안다면 그린다는 행위 속에 내포된 절대정신과 몸을 통해 기록되는 모든 표현들은 판화라는 용어로 대체될 수 있을 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2013.12.3.91	kci_detailed_000015.xml
ART001794117	oai_dc	스토리의 상징성에 관한 컬러리터러시 연구 - 연상과 상징을 통한 실습을 중심으로 -	A Study on Color Literacy of Symbolism in the Story -Focused on associations and symbols in practice-	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이정아(홍익대학교); 김성호(중원대학교)" ]	책은 글자로 기록하여 일정한 목적으로 쓴 글이나 참고 자료 등을 말한다. 본 연구는 글로 읽혀지는 정보 속에 들어있는 색을 연상하여 시각화하는 과정을 통해서 객관적인 색을 활용할 수 있도록 계획되었다. 글자로 인쇄되어진 것은 정보의 전달을 목적으로 다양한 스토리를 전달하고 있다. 사람들은 글을 읽으면서 상황을 연상하고 이미지를 떠올리게 된다. 연상되는 이미지를 머릿 속의 상상에서만 그치는 것이 아니라 색으로 보여 지는 표현으로 글자에 담겨진 상징성을 시각화시키는 작업을 통해 글과 이미지의 연관성을 모색해볼 수 있다. 색은 보는 사람들에게 각기 다른 이미지를 전달한다. 색을 받아들이는 사람의 문화적인 차이나 개인의 감정에 따라서 다양한 이미지로 전달이 된다. 본 연구에서 접근되는 색의 관점은 주관적인 색의 입장이 아니라 모두가 공감할 수 있는 색의 객관적인 이미지를 찾아가면서 색이 가지고 있는 보편적인 상징성을 스토리의 키워드를 통해 시각화 시키고 있다. 본 연구에서는 스토리를 읽고 대표적인 키워드를 추출하여 이미지에 어울리는 객관적인 색의 표현을 통해 글에서 이미지를 연상하는 과정을 단계적으로 제시한다. 객관적인 색의 표현이 가능하도록 색에 대한 일반적인 상징성에 대해 이해하고 실습지를 통해 적용하면서 글에 대한 색의 이미지를 연상할 수 있는 기능을 높일 수 있도록 계획하고 있다. 주관적인 색의 표현은 자유롭지만 색의 객관적인 실습을 위해서는 색이 가지고 있는 속성을 먼저 이해하고 보편적으로 공감되는 색의 표현을 통해 객관적인 색에 대한 관점을 가질 수 있게 된다. 본 연구는 글을 통해 정보의 습득에서 그치는 것이 아니라 키워드를 추출하고 색을 연상하는 과정을 통해 읽혀지는 글의 시각화 작업으로 객관적인 색의 이해와 활용에 도움을 줄 수 있을 것이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2013.12.3.167	kci_detailed_000015.xml
ART001794094	oai_dc	공항의 공공미술 - 미국 공항을 중심으로 -	Public Art in Airport - Focusing on the Airport in USA -	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이지희(한양여자대학교)" ]	공항은 여러 나라 사람들이 출·입국하는 곳으로 승객들이 방문한 나라나 장소에 대한 첫 인상을 받는 대표적인 공공장소이다. 우리나라의 인천공항에서 제대로 된 공공미술품을 찾아 볼 수 없는 반면 미국의 많은 공항들에서는 특정지역의 독특한 문화적인 특성을 보여주며 여행객들에게 경험의 폭을 넓게 해주는 다양한 공공미술품을 감상할 수 있다. 본 논문은 미국 공항의 공공미술에 대한 지원 및 현황에 대한 조사를 바탕으로 인천공항의 공공미술에 대한 관심 제고를 위해 쓴 논문이다. 우선 공항 공공미술을 활성화하기 위한 미국의 공공미술에 대한 지원정책을 살펴보고 한국의 공공미술 프로그램지원 상황에 대해 살펴보았다. 다음으로 활발하게 공공미술 정책을 실천하고 있는 미국의 네 개의 공항을 선정하여 미술작품들의 설치사례를 알아본 후 작업들을 종합적으로 정리 분석하여 주제와 설치장소, 특징에 대해 분석하였다. 각각의 공항들은 지역적인 특색과 공항이라는 장소에 주목하여 작품의 주제를 잡고, 그 주제를 다양한 방법으로 보여주고 있다. 또한 공간의 특색을 잘 살려서 장소와 연관된 작품이 많으며 형식에 있어서 전통적인 양식에서부터 첨단기술을 이용한 것까지 넓은 범위의 작품을 보여주고 있다. 설치장소로는 사람들이 대기하고 기다리는 곳, 배기지 클레임(baggage claim), 창문, 바닥(floor) 공항 밖의 공간 및 승객들의 이동이 자연스럽게 일어나는 긴 복도나 연결 통로를 활용하는 경우가 많았다. 인터액티브 작품의 경우 관객의 움직임에 기반을 둔 상호작용 작업들이 많았으며 경우에 따라서는 적극적인 참여를 유도하기도 하고 청각을 이용한 작업 나아가 퍼포먼스까지도 행해지고 있었다. 이를 기반으로 현재 공공미술이 거의 없는 상황인 인천공항에 어떻게 공공미술품을 설치할 수 있을까에 대해 제시하였다. 공항의 공공미술은 궁극적으로 국가 이미지 확립에도 도움이 될 것이며 다차원적인 노력을 기울인다면 현재의 공항 환경의 질도 향상될 것이기 때문이다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2013.12.3.55	kci_detailed_000015.xml
ART001794096	oai_dc	한국 현대회화에 있어서 행위와 물성의 상호의존성 - 1970~1980년대의 물성회화를 중심으로 -	Interdependancy of Action and Materialhood in Korean Contemporary ‘Mulseung’ Paintings of 1970~1980's	{ "journal_name": "예술과미디어학회", "publisher": null, "pub_year": null, "pub_month": null, "volume": null, "issue": null }	[ "이창수(홍익대학교)" ]	본 연구는 1970~80년대 한국 단색회화에서 물성과 행위의 특성을 도출한 뒤 그것을 물성회화 맥락에서 재규정하는 과정을 담고 있다. 물성회화는 앵포르멜 이후 단색회화 또는 모노크롬이 전개되는 양상 속에서 포착될 수 있는데, 여기서 발견되는 한국미술의 물성과 행위, 그리고 그 둘 사이의 상호작용은 서구 미니멀리즘과 다른 한국 미술 특유의 미감을 보여준다. 이러한 전제를 토대로 본 연구자는 물성회화를 한국미술의 역사적 맥락에서 규정한 후 그것이 지닌 실험적 가치와 독자적 성격을 현대적 맥락에서 논의하고자 한다. 우선 본고는 물성회화라는 용어를 규정하기 위해 한국현대회화, 특히 단색회화의 형성과정과 계보를 살펴본다. 1970년대와 80년대에 활발하게 전개된 단색회화는 때때로 미국의 색면 추상이나 미니멀리즘과 유사하다는 평을 받지만 사실상 그 제작 원리나 미학에 있어서 매우 다른 층위에 놓인다고 여겨진다. 그 대표적인 차이가 바로 물성과 행위의 요소에서 비롯되는데, 본고는 이러한 개념을 토대로 표본작가를 선정하고 선행 사례의 차원에서 논의한다. 한국 특유의 단색회화를 형성한 대표적인 작가들 중 본고에서는 특히 정창섭과 하종현을 중심으로 물성회화를 다룬다. 정창섭은 전면시(全面視, all-over vision)를 물아합일에 이르며, 하종현은 후방시(後方視, view from the rear)를 통해 물성들의 접합을 달성한 바 있다. 이때 본 연구자가 수행하는 물성회화는 양자를 매개하는 지점에 위치한다고 볼 수 있다. 본 연구자의 작품들은 한지의 물성을 토대로 하며, 그것을 두드리는 행위를 통해 형태를 구성한다. 이러한 작업과정의 의미는 행위의 면과 물성의 면으로 나누어 고찰할 수 있는데, 궁극적으로는 서로 상호작용함으로써 자연과 인간의 소통, 즉 일종의 물아합일을 이룬다. 결과적으로는 본 연구자의 작업은 1970~80년대 모노크롬의 정신을 계승받되 이를 단순한 표현 방식으로 연구하는 것을 뛰어 넘어 현대적 의미를 부여하고자 한다.	예술일반	null	http://dx.doi.org/10.36726/cammp.2013.12.3.73	kci_detailed_000015.xml

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